Radio Minorias

Uniendo Culturas/Uniting Cultures

Post Top Ad

miércoles, 28 de febrero de 2018

febrero 28, 2018

Songhoy Blues - Résistance

Songhoy Blues has always been about resistance. We started this group during a civil war, in the face of a music ban, to create something positive out of adversity. As long as we have music left in us and something to say, we'll keep fighting each day with music as our weapon, our songs as our resistance.

Songhoy Blues are:
Aliou Toure - Vocals / Guitar
Garba Toure - Guitar / Vocals
Oumar Toure - Bass / Vocals
Nathanael Dembele - Drums / Vocals

1. Voter 03:19
2. Bamako 03:40
3. Sahara (feat. Iggy Pop) 03:03
4. Yersi Yadda 03:50
5. Hometown 05:00
6. Badji 04:01
7. Dabari 03:07
8. Ici Bas 03:47
9. Ir Ma Sobay 03:16
10. Mali Nord 03:59
11. Alhakou 03:55
12. One Colour 04:02
 



Fuente:
http://www.rollingstone.com/music/lists/50-best-albums-of-2017-so-far-w487435/songhoy-blues-rsistance-w487540
https://songhoyblues.bandcamp.com/releases

lunes, 26 de febrero de 2018

febrero 26, 2018

Software - Modesty-Blaze - The Erotic Message - 1991



Software fue un dúo electrónico alemán activo entre 1984 y 2000, compuesto por Peter Mergener (nacido en 1951) y Michael Weisser (nacido en 1948). Anteriormente el dúo usó el nombre Mergener & Weisser.
El grupo lanzó sus discos bajo el sello Innovative Communication, que también lanzó una serie de albums de otros músicos electrónicos, incluyendo a Klaus Schulze y el grupo Neue Deutsche Welle Ideal.


De 1990 a 1992 Weisser produjo, durante una pausa temporal con Mergener, cuatro álbumes bajo el nombre de Software con una composición de grupo diferente: Fragrance con Klaus Schulze y Georg Stettner , y Modesty-Blaze I / II y Cave con Billy Byte (Stephan Töteberg).


Después de la disolución de Software en 1999, los dos músicos siguieron sus caminos separados: Peter Mergener continúa componiendo y tocando música electrónica, mientras que Michael Weisser fundó el grupo GENE (Grooving Electronic Natural Environments)
1. Modesty Blaze (3:52)
2. Erotic Strength (3:18)
3. Virgin Grounds (4:10)
4. Face to Face (1:47)
5. Erotic Desire (4:57)
6. Naked Skin (3:21)
7. Curious Fingertips (3:15)
8. Sensitive Fights (2:35)
9. Slippery Dune (3:24)
10. Petting Echo (3:57)
11. Masculine Magic (3:48)
12. The Long Love Mix (12:17)
13. Modesty Blaze Overdrive [Voc.] (3:52)
14. Modesty Blaze Overdrive [instrumental] (3:53)

Fuente: Wikipedia

sábado, 24 de febrero de 2018

febrero 24, 2018

Salah Ammo & Peter Gabis – Assi – A Story of a Syrian River - 2014

Salah Ammo vive en Viena desde 2012 debido a la situación en su país de origen, Siria. Todo lo que trajo de allí fue su bouzouki, su música, su pasión y su sueño musical. La voz conmovedora de Salah Ammo se acompaña de la extraordinaria y sensible instrumentación y del canto de Peter Gabis. Las composiciones que nos presentan están en lengua kurda y árabe y proporcionan un espacio emocionante y de versátil comunicación musical para los dos artistas.

Antes de trasladarse a Damasco para estudiar en el Instituto Superior de Música, Salah Ammo vivió y creció en el norte de Siria, donde los pueblos kurdos, árabe, armenio, y asirio convivieron juntos durante cientos de años. Influenciado por la música de estas culturas, presentó su experiencia con su grupo JOUSSOUR, considerado como una de las bandas interculturales más importantes de su país. Por su parte, Peter Gabis es baterista de jazz, percusionista y cantante de tonos. Estudió en Viena y Nueva York, y es conocido como un sólido percusionista en la vibrante escena vienesa de jazz, habiendo participado en innumerables conciertos y giras en Europa, Estados Unidos, Australia y África. En los últimos años se ha centrado en la música étnica, en paisajes sonoros meditativos y en el canto de tonos, siendo profesor de percusión en el Conservatorio de Viena.

El proyecto de Salah Ammo y Peter Gabis comenzó en 2013, y el resultado es Assi – A Story of a Syrian River (2014), donde las composiciones que realizan reflejan la apertura de los músicos para combinar diferentes estilos de muchas culturas e interpretarlas de una manera totalmente novedosa. Las letras son profundas, e incluso cuando la o el oyente no entiende el idioma, la emocionalidad de los paisajes sonoros que crean transporta al significado de las canciones.

El título del álbum "Assi" es el nombre de un río en Siria (el río Orontes) y significa "desobedecido" porque fluye al revés. En la canción "Assi" se lleva a cabo un diálogo entre Assi y el cantante, durante el cual intercambian ideas sobre la tragedia siria y la traición del mundo al pueblo sirio y a su calvario humanitario. La historia de "Assi" se sitúa metafóricamente en las historias de millones de sirios/as. El río solía ser una fuente vibrante de energía para las ruedas de agua (Nuayir) de la ciudad de Hama (una de las ciudades monumentales más famosas de Siria).

Además de "Assi", el álbum cuenta con otras seis canciones en árabe y kurdo. El álbum contiene un libreto que presenta cada canción en kurdo, árabe, inglés y alemán, diseñado por el artista sirio Ahmad Ali (que reside en Paris). En definitiva, Assi: A Story of a Sirian River es la respuesta musical de un hombre que perdió su hogar, pero no su esperanza de un mundo mejor.

01. Leysa Lil Kurdi illa Arrieh
02. Assi
03. Sabahkon Huorya, Roja wa Azzadi ba
04. Darweshe Avdi
05. Rojava ma
06. Lami Maqam "Ya man Hawaho"
07. Alhajir

jueves, 22 de febrero de 2018

febrero 22, 2018

Fatou Seidi Ghali & Alamnou - Akrouni Les Filles de Illighadad

Sublime recordings from rural Niger. Two very different sides of Tuareg music - dreamy ishumar acoustic guitar sessions, and the hypnotic polyphonic tende that inspires it. Guitarist Fatou Seidi Ghali and vocalist Alamnou Akrouni lead the troupe, named after the village. Recorded in the open air studio of the desert.

1. Achibaba 02:46
2. Eliss Wan Anas Douban 03:13
3. Inigradan 03:16
4. Erilegh Ifanata 02:54
5. Telilit 06:24
6. Tende 17:50


martes, 20 de febrero de 2018

febrero 20, 2018

Patrick O'Hearn - Transitions - 2011

Según Patrick O'Hearn, la música de "Transitions" se remite a los sonidos de sus primeros álbumes de Private Music, siguiendo las fórmulas de la melodía simple, la armonía y sobre todo la atmósfera.

El resultado fue creado usando una mezcla de sintetizadores, elementos generados por ordenador e instrumentos acústicos tradicionales como piano, guitarra y percusión.

Cada tema de Transitions es una exploración profunda de los estados de ánimo, es un álbum que volverás a escuchar, en esos momentos de silencio donde necesitas música relajante.
Este álbum es un regalo para los oídos, de principio a fin.

1. Reaching Land 5:21
2. Courage 3:21
3. Playground 4:04
4. Restless 6:06
5. Patterns 4:44
6. Well-Mannered 5:32
7. Flight 5:15
8. Sea 5:29
9. Frontiers Revisited 4:48

Listen Here:
http://www.patrickohearn.com/transitions/

domingo, 18 de febrero de 2018

febrero 18, 2018

Calypso Rose - Far From Home - 2016

Calypso Rose es la embajadora de la música caribeña, leyenda viva del calypso (“kaiso”) y de la soca, el género antillano nacido en el contexto del carnaval (cantos responsoriales y polifónicos), con raíces tanto africanas como europeas que surge en el siglo XIX (que vive su apogeo hacia la década de los años 60 y 70), y cuyo origen se sitúa en las comunidades urbanas de origen africano de Trinidad y Tobago. 
Rose McCartha Linda Sandy Lewis nació el 27 de abril de 1940 en la pequeña isla de Tobago, república de  Trinidad & Tobago, en las Antillas Inglesas. Hoy en día vive en el Queens en Nueva York pero regresa varias veces al año a su isla para regenerarse, dice “encuentro en Tobago a mis raíces africanas…”. Hija de un pastor, Rose comienza a cantar con 15 años y, desde entonces, ha dedicado su vida entera a la música, “No me he transformado en una cantante de calypso, he nacido Calypso”. 
 Pasó 17 años cantando en cruceros para una compañía estadounidense antes de tener la oportunidad de cantar en los mundialmente famosos Teatro Apolo y el Madison Square Garden con dos de los mayores exponentes del calypso: Lord Kitchener y Mighty Sparrow. 
Calypso Rose es una trabajadora incansable, ha escrito más de 800 canciones y grabado más de 20 discos producidos en el mundo entero. Comparada con Miriam Makeba y Cesária Évora, todas las comunidades del Caribe –anglófona, francófona o hispánica - la reciben con fervor: es la única artista femenina a quien han coronado en el famoso carnaval de Trinidad, ya en 1978, y en haberse llevado cinco veces seguidas el premio de “Calypso Queen”. Calypso Rose es un icono. Su personalidad, su carisma y su alegría de vivir hacen de ella una cantante del alma. Una cantante de Soul, Gospel, de Blues y por supuesto de Calypso, una diva de la música popular. 

En Far From Home (2016) nos encontramos con un desfile musical caribeño con cambios de ritmo, color y estado de ánimo, en el más puro estilo del Carnaval, que, más que un ritual festivo, es el principal evento cultural de Trinidad y Tobago y personifica el alma así como la diversidad social y étnica de su población. 

La producción ejecutiva la lleva Jean-Michel Gibert (quien ha manejado la carrera de la artista desde su álbum A Dirty Jim en 2005). La producción corre a cargo de Ivan Duran, y Drew Gonsalves (de la banda Kobo Town) co-escribe algunas de las canciones y compone los arreglos. Por su parte, Manu Chao co-produce y deja su huella inconfundible cantando en tres canciones (“Leave Me Alone”, “Far From Home” y “Human Race”) y tocando el charango. El arte gráfico del álbum con ilustraciones de Maxime Mouysset. 

Calypso Rose y Drew Gonsalves

Calypso Rose no sólo es una artista totalmente única, sino también una figura heroica cuya vida entera es una lección. “Far From Home” no sólo reboza de alegría, sino que también lleva las huellas de la conciencia siempre alerta de una mujer que todavía está luchando por el bien, la denuncia de la violencia doméstica en canciones como “Abatina” o la injusticia social en “No Madame” (una canción que escribió en la década de los 70 y que ha contribuido a la evolución de las leyes relativas al tratamiento de los funcionarios en Trinidad). Una mujer cuya memoria va más allá de su propia existencia, en “I Am African”, para abarcar el destino de toda la diáspora negra, en el mismo espíritu de Bob Marley, a quien conocía bien y con quien compartió escenario en más de una ocasión. Con su valor, su fuerza y su humanidad, sólo ella podía, en estos tiempos de discordia y violencia global, cantar una canción de amor y fraternidad universal como “Human Race”.

01.    Abatina
(Manu Chao / Drew Gonsalves / Raphael De Leon)
02.    I Am African
(Manu Chao / Ivan Duran / Drew Gonsalves / Raphael De Leon)
03.    Leave Me Alone (feat. Manu Chao)
(Manu Chao / Ivan Duran / Drew Gonsalves / McCartha Lewis)
04.    Far From Home
(Manu Chao / Drew Gonsalves)
05.    Calypso Queen
(Manu Chao / Drew Gonsalves / Alan Thomas)
06.    Zoom Zoom Zoom
(Manu Chao / McCartha Lewis)
07.    Trouble
(Manu Chao / Drew Gonsalves)
08.    Love Me or Leave Me
(Manu Chao / Maureen St. John)
09.    No Madame
(Manu Chao / McCartha Lewis)
10.    Woman Smarter 11. Human Race
(Manu Chao / Aldric Farrel)
12. Wah Fu Dance!
(Manu Chao / Ivan Duran / Drew Gonsalves / McCartha Lewis)



viernes, 16 de febrero de 2018

febrero 16, 2018

TootArd - Laissez Passer

Famously, Rachid Taha’s first band was called Carte De Séjour, alluding to the difficulties of residents of France who were nonetheless less than citizens. Similarly, TootArd’s album title makes their status into a statement. They are from the Golan Heights, and therefore live in Israeli territory (and indeed record in Jersusalem) without being citizens of any nation. “Laissez Passer”, sings Hasan Nahkleh on the opening track; “your name . . . your image isn’t familiar . . . your roots are unknown . . . your homeland is unknown.” The music blusters in like the Touareg desert blues known simply as “Guitar”, fidgety and riff-driven.

TootArd play an engaging mixture of desert blues, dub reggae and all-out psychedelic rock. After the opening track Nahkleh plays his electric guitar like an oud, with a sour sound on “Musiqa”, with its stop-start rhythm eventually mutating into jaunty reggae; at the start of “A’sfur” a lengthy vamp owes as much to Knopfler as to Cairo.

His bandmates are his brother Rami, on bass guitar and percussion, and Amr Mdah on saxophones. Rami provides an off-kilter clatter of percussion on “Sahra”, its gritty guitar and reed interplay occasionally broken by a poetic vignette about “a night from a thousand nights”. The music falls away into a steady handclap. “A beautiful brunette”, the band chant, “her smile flamed my heart with a spark”. Then Mdah’s saxophone lifts into an airy solo.

This is music with its eyes on the far horizon. “Rebel, rebel, oh bird”, sings Nahkleh on “A’sfur”, “fly high/so there are no barriers in the world and the tall wall is demolished.” Later, on the yearning “Nasma Jabalyia”, his guitar echoing like a mirage, he sings to a turtledove and a mountain breeze. TootArd proclaim a mountain music open to anyone “from Baniyas and Hula plains to the Qarn and the Hareer valley . . . ” This is internationalist music, never more so than on the closing, wordless “Syrian Blues”.


1 Laissez Passer 3:54
2 Musiqa 3:25
3 Sahra 5:25
4 A'sfur 4:08
5 Nasma Jabalyia 3:20
6 Oya Marhaba 4:16
7 Bayati Blues 3:46
8 Roots Rock Jabali 4:06
9 Circles 4:09
10 Syrian Blues 4:54




Fuente:
 http://www.folkradio.co.uk/2017/11/tootard-laissez-passer/
 http://glitterbeat.com/artists/tootard/
 https://www.ft.com/content/1a26ff48-c357-11e7-a1d2-6786f39ef675

miércoles, 14 de febrero de 2018

febrero 14, 2018

Shao Rong - Orchid 2 - Japón

En este, su segundo álbum, Shao Rong vuelve a demostrar su dominio del laúd chino. "Orchid" es una obra maestra. Su melodía, compuesta por la pianista Missa Johnouchi, es una reminiscencia de la música Europea. Por el contrario, "Desert Flowers" tiene un sabor distintivamente asiático.

Hay dos piezas con voces - "Vía Láctea" y "Dreaming" en la que Shao Rong canta una letra que ella misma escribió. En China, los músicos del laúd no cantan mientras tocan. Esta grabación es el primer intento de Shao Rong en este estilo y estaba un poco una vacilante al principio. Ella admite ahora que estas dos piezas se han convertido en sus favoritas.

Shao Rong con el método de trémolo crea sonidos que brillan como gemas preciosas que se derraman fuera de la caja del tesoro. Estas notas brillantes del laúd chino junto con los instrumentos de tipo occidental como el violín y el piano, transforma la imagen convencional de este instrumento.

01. A Tropical Island
02. Eastward Journey
03. A Song of Lilies
04. Milky Way
05. Qingdao Breeze
06. Desert Flowers
07. Orchid
08. Dreaming
09. Early Spring
10. A Tropical Island (Reprise)

 

lunes, 12 de febrero de 2018

febrero 12, 2018

Ecos de Borinquen – El alma de Puerto Rico - 2016

Durante casi 40 años, Ecos de Borinquen ha capturado el alma de la música jíbara en sus interpretaciones y grabaciones a través de un exquisito balance entre tradición e innovación. Fundado en 1980 por el trovador Miguel Santiago Díaz, el grupo ha acogido a algunos de los mejores instrumentistas de Puerto Rico como Neftalí Ortiz, Edi López y Ramón Vázquez. Los creativos arreglos de Ecos de Borinquen para el cuatro (el instrumento de cuerda más icónico de la música jíbara) junto con la maestría poética de Miguel Santiago para componer décimas, han hecho de este grupo uno de los preferidos entre las audiencias locales y han atraído reconocimiento internacional.

 En 2004, su disco Jíbaro Hasta el Hueso fue nominado al premio Grammy en la categoría de mejor álbum "Traditional World Music" y al premio Latin Grammy en la categoría de "Best Folk Music", haciendo de ésta una de las más exitosas grabaciones de música jíbara desde aquellas legendarias del cantante Ramito (Florencio Morales "Flor" Ramos), quien durante la década de 1950 popularizó este estilo de música tradicional puertorriqueña a lo largo de América Latina y los Estados Unidos.

En El alma de Puerto Rico (2016), su segunda grabación con Smithsonian Folkways, Ecos de Borinquen presenta una variedad de géneros tradicionales como el seis, aguinaldo y la cadena, que son considerados la esencia misma de la música jíbara.

El nombre Ecos de Borinquen procede de un programa de radio que Miguel Santiago Díaz inauguró en 1978 en la estación WViAc 740 AM, y que todavía está en el aire en la WQbs 870 AM. El programa tenía como propósito dar mayor exposición pública a la música jíbara la cual, según Miguel Santiago, tiene una presencia limitada en las ondas radiales nacionales. Dos años más tarde, Miguel incorporó el grupo Ecos de Borinquen como parte del programa para acompañar trovadores y cantantes invitados/as. Yezenia Cruz, quien canta en este álbum, fue una de las artistas jóvenes destacadas en el programa. Ahora, en la cúspide de su carrera, su voz poderosa y enérgica complementa la experimentada voz de Miguel Santiago en El alma de Puerto Rico.

Ecos de Borinquen ha incluido en el disco tres piezas instrumentales inéditas compuestas para cuatro por Héctor "Tito" Báez, acompañante de Nieves Quintero y parte de la escena musical jíbara en Nueva York durante la era de Ladí, a principios del siglo XX, cuando el Conjunto Típico Ladí y otros grupos pioneros comenzaron a incorporar música de salón derivada de modelos europeos del siglo XIX y estilos de música popular de Estados Unidos y Latino América dentro del repertorio jíbaro. Tres piezas incluidas en este álbum son testimonio de la popularidad, sofisticación y sabor criollo adquirido por este repertorio: una mazurca ("Gloria"), un foxtrot ("El Rodadero") y un pasillo colombiano ("Homenaje a Juan González").

Por su parte, el cuatrista Cheo Delgado ofrece algunos solos jazzísticos a Nieves Quintero. Nieves Quintero, quien redefinió el arte de tocar el cuatro incorporando elementos de música popular latinoamericana (son, bolero, guaracha, danzón), jazz, blues y folclore latinoamericano (joropo llanero, milonga) dentro de los estilos jíbaros, ha sido influyente para músicos jíbaros como José "Cheo" Delgado y Ramón Vázquez Lamboy (director musical del grupo), quienes han usado el conocimiento legado por estos grandes maestros para crear un sonido único para el grupo, que los ha mantenido a la vanguardia de la música jíbara. En El alma de Puerto Rico son presentados Benjamín Laboy (segundo cuatro) y la trovadora Elsie Marie Díaz, estrellas en ascenso que ahora hacen parte de la familia de Ecos. Como continuación de una venerable tradición puertorriqueña, El alma de Puerto Rico representa una grabación inmejorable para las y los fans de la música jíbara y para cualquiera que guste de la música tradicional.

01. Soñando con regresar (seis joropo estilo Ángel Luis García)
02. Nuestro amigo el flamboyán (seis a Borinquen)
03. El alma de Puerto Rico (seis tumbao)
04. Paraíso borincano (llanera estilo bairoa)
05. Homenaje a Juan González (pasillo)
06. Gloria al idioma español (seis marumba)
07. Hospitalidad (aguinaldo nuevo)
08. El Rodadero (fox criollo)
09. Un sol de esperanza (aguinaldo de promesa)
10. Comerío vibra en mí (seis guaracaná)
11. Tres generaciones (aguinaldo patrullero)
12. Cadenas
13. Fiesta en el batey (aguinaldo comerío)
14. Gloria (mazurka)
15. Plegaria (aguinaldo mayagüezano)
16. Por amor (seis gurabo)

sábado, 10 de febrero de 2018

febrero 10, 2018

Madredeus - ESSÊNCIA - Portugal - 2012

Los Madredeus de Pedro Ayres Magalhães están de regreso con una nueva formación que pretende revisitar su legado original. Este retorno acontece en el año en que conmemoran 25 años de una brillante carrera.

Juntamente con los teclados de un miembro de larga data, Carlos Maria Trindade, y con las cuerdas de Jorge Varrecoso, António Figueiredo y Luís Clode (dos violines y un violoncelo, respectivamente), Pedro Ayres Magalhães reactiva el proyecto Madredeus con el descubrimiento de una voz impresionante: la de Beatriz Nunes. Tanto las cuerdas como la voz vienen del área clásica. Los músicos forman parte del bien reputado Lusitânia Ensemble y están, por eso, habituados a mezclar los ambientes clásicos y pop, estando así a la altura de corresponder a los altos estándares de Pedro Ayres Magalhães y Carlos Maria Trindade.  La joven Beatriz Nunes contribuye con un talento único para este proyecto.  Estudió música clásica y jazz encuadra a la perfección con los parámetros de exigencia de este histórico grupo.

Pedro Ayres revela los planes para esta nueva formación de los Madredeus "pretendemos presentar un espectáculo que viaja por todo el reportorio del proyecto”.  El músico que lidera a los Madredeus desde su inicio dice tener más de 30 canciones, que revisitan todas las fases de la banda, listas a ponerse en el escenario.

Ficha técnica:
Beatriz Nunes (voz)
Pedro Ayres Magalhães (guitarra clásica)
Carlos Maria Trindade (sintetizadores)
Jorge Varrecoso (violín)
António Figueiredo (violín)
Luis Clode (violoncelo)

Pistas:

01. Ao longe o mar
02. Amanha
03. O pomar das laranjeiras
04. O paraíso
05. Palpitação
06. A sombra
07. A confissão
08. O navio
09. Coisas pequenas
10. A lira solidão no oceano
11. A estrada da montanha
12. O sonho
13. Adeus... e nem voltei



jueves, 8 de febrero de 2018

febrero 08, 2018

Jin Manda & Shen Lizhuo - Morin Khuur And Guzheng - 2016

El Morin Khuur uno de los instrumentos más característicos e importantes del pueblo mongol, es considerado un símbolo de Mongolia y el  Guzheng un instrumento musical de cuerdas tradicional chino. Pertenece a la familia de las cítaras, son la pareja perfecta para reproducir los sonidos antiguos, pero con la asignación de las nuevas tecnologias modernas se reactiva el encanto de la música instrumental tradicional.

Un viaje fascinante por las canciones tradicionales de, China Japón y Mongolia...que lo disfruteis!!



01.嘎达梅林 Gada Meilin
02.驼羔之歌 Song Of The Camel Lamb
03.土尔扈特故乡 Tuerhute Hometown
04.月光下 Moonlight
05.临安遗恨 Linan Grudge
06.忆 Keep In Mind
07.想念你 Missing You
08.故乡情 Homeland Feeling
09.小草 The Grass
10.祈祷 Prayer
11.旋律 Melody
12.天上的风 Wind In The Sky

martes, 6 de febrero de 2018

febrero 06, 2018

Taraf de Haïdouks – Dumbala Dumba - 1998

Taraf de Haïdouks es, probablemente, la agrupación musical rumana más exitosa en la era moderna o, quizás, de todos los tiempos. Desde su primera visita a Europa Occidental en 1991, han sido considerados como el epítome de la fabulosa vitalidad de la música zíngara, y cuentan con siete álbumes de estudio (el último de 2015, Of Lovers, Gamblers & Parachute Skirts) y diversas colaboraciones (especialmente, con Kočani Orkestar).

Durante siglos, en muchas regiones de Rumania, la música tradicional y los bailes han acompañado los momentos más importantes de cada vida. En ningún nacimiento, en ningún bautismo, en ningún casamiento ha faltado la presencia de una banda de músicos que interpretara las canciones que sus antepasados les fueron transmitiendo generación tras generación. Una de estas agrupaciones traspasó las fronteras de su país y llevó esta música a distintas partes del mundo. Taraf de Haïdouks son una docena de músicos gitanos que proceden de un pueblo de Rumania llamado Clejani. Los integrantes de esta banda, cuyas edades van desde los 20 hasta los 80, nunca habían tenido la oportunidad de salir de su lugar de origen hasta que dos músicos extranjeros (Stéphane Karo y Michel Winter) los conocieron y se entusiasmaron con la idea de dar a conocer esta música al resto del mundo.

Stéphane Karo fue a Rumania con la intención de conocer a fondo la música que había escuchado alguna vez en una tienda de discos en Bruselas. En Clejani conoció a Nicolae Neacșu, una enciclopedia viva del folklore rumano que vivía solo en un cuarto de caballeriza. Éste, sorprendido por el interés demostrado por el recién llegado, grabó, de manera precaria, algo de la música tradicional junto a algunos músicos jóvenes. Sin embargo, justo en ese momento comenzó la revolución, que luego terminaría con la caída de Ceaucescu, y por tal razón se vieron impedidos de concretar una grabación profesional.

En 1990, cuando la situación política se tranquilizó, Karo y Winter viajaron a Clejani y, tras conocer a otros músicos de la región, decidieron organizar una gira por Europa con la nueva banda a la cual llamaron Taraf de Haïdouks (taraf es una palabra turca que designa a un grupo de músicos y los haïdouks fueron unos legendarios bandidos al estilo Robin Hood, héroes en las baladas medievales). Los productores eligieron a seis músicos para la gira, incluyendo a Neacșu y a Ion Manole, un cantante que sorprende por la forma de modular su voz. Pero la presión del resto de los pobladores hizo que se aumentara el número de integrantes hasta alcanzar la docena.

Esta gira les supuso el primer contrato de grabación con el sello belga Crammed Discs. El álbum debut de la banda, Musique des Tziganes de Roumanie, rápidamente escaló a las primeras posiciones de las listas europeas de world music. Este disco les permitió introducir en el mundo occidental la riqueza y el ritmo de la música gitana rumana, deslumbrando y sorprendiendo en cada presentación en festivales, salas de conciertos y clubs de toda Europa, incluyendo su actuación en el Womad de Montreaux.

Dos años después grabaron en Rumania su segundo disco, Honourable Brigands, Magic Horses and Evil Eye, muy bien recibido por la crítica y resultando elegido en Alemania como mejor álbum de world music.

Dumbala Dumba, considerado su trabajo más emblemático, se registró en el ambiente familiar de Clejani y en Bucarest a finales de 1997. Al igual que sus predecesores, fue producido por Stéphane Karo, Michel Winter y el productor e ingeniero de CramWorld Vincent Kenis. En esta ocasión los Taraf contaron con una serie de invitados/as muy especiales: los músicos de Mîrsa con su característico estilo vocal de llamada y respuesta, los ursari (que descienden de la cofradía de los domadores de osos), Rosioru (trovador de los gitanos de Valachian), así como Viorica, una notable vocalista femenina. Las grandes actuaciones de estos musafirii (invitados) y de todo el estilo de fondo de los Taraf contribuyen a hacer de Dumbala Dumba un álbum fresco, cálido, íntimo y poético.

Tracks list:
01. Introduction
02. Dumbala dumba
03. Săbărelu (cît e Argeşul de Mare)
04. Rustem
05. Foii de prun şi foii de praz
06. Cuculeţu
07. Terno Chelipé
08. Catar o birto mai opre
09. Pe deasupra casei mele
10. Meşteru Manole
11. Cîntece de jale
12. Pe drumul mînastiresc
13. Padure verde, padure
14. Tambal solo
15. Tot taraful
16. Hora ca la ursari
 

domingo, 4 de febrero de 2018

febrero 04, 2018

Tom Zé - Estudando a Bossa - Brasil

En Estudando a Bossa, al igual que en grabaciones anteriores (Estudando o Samba y Estudando o Pagode; discos lanzados en 1976 y 2005, respectivamente), sus composiciones se nutren de la base rítmica y armónica de uno de los géneros más representativos de Brasil, la bossa nova, justamente para poner en evidencia de manera irreverente el convencionalismo y los múltiples clichés que pesan sobre este género musical.

Mientras que Caetano Veloso y Gilberto Gil –dos de los cantautores que en 1968 grabaron junto a Tom Zé el manifiesto musical Tropicalia ou Panis et Circencis– siguieron un camino más cercano al pop, éste último prefirió crear a contracorriente del tropicalismo –movimiento que fue catalogado de vanguardista en su mejor momento– y buscar su propio lenguaje por la vía de otro gran cliché: el artista marginal. Con esos antecedentes biográficos, Zé demuestra una abierta intención por revisitar y deconstruir los múltiples géneros musicales del país del orden y el progreso; pero en este caso, su objetivo es la bossa nova: género predilecto del imaginario turístico de Río de Janeiro y que tal vez sea su principal producto cultural de exportación. Tom Zé se rebela contra esas imágenes estereotipadas de a cidade maravilhosa que circulan en torno a las postales del atardecer en la playa de Copacabana, la cachaça y las mulatas caminando bajo el sol, y por eso titula uno de sus temas como Brazil, Capital Buenos Aires.


1. Introdução: Brazil, Capital Buenos Aires / Rio Arrepio (Badá-Badi)
2. Barquinho Herói
3. João nos Tribunais
4. O Céu Desabou
5. Síncope Jãobim
6. Filho do Pato
7. Outra Insensatez, Poe!
8. Roquenrol Bim-Bom
9. Mulher de Música
10. Brazil, Capital Buenos Aires
11. Amor do Rio
12. Bolero de Platão
13. Solvador Bahia de Caymmi
14. De: Terra; Para: Humanidade

 Leer mas: http://nuevomundo.revues.org/61020

viernes, 2 de febrero de 2018

febrero 02, 2018

Spencer Brewer - Shadow Dancer - 1984

La habilidad de Spencer Brewer para crear melodías conmovedoras, ya sea para piano solo o para pequeños conjuntos, le da a su música una sensación distintiva.  Originalmente lanzado en 1984, Shadow Dancer presenta los evocadores paisajes auditivos de Brewer compuestos por piano, lyricon, armónica y saxo. La música es a veces romántica y pacífica, y en otras ocasiones, está llena de vida y vigor.

El cd contiene la versión original de Shadow Dancer de Eric Tingstad y Spencer Brewer. Más tarde fue rehecha por Tingstad, Rumbel y Brewer para el album Emerald, pero esta version tiene algo tan conmovedor que está por encima de las demás.

01. Shadow Dancer
02. Child's Play
03. Old Friends
04. Stellar Notion
05. Perj Neuf
06. Teresa's Song
07. Estrella
08. Emmandal
09. Undercurrents
10. Spellbound
11. Glasshoppa Sushi