Radio Minorias

Uniendo Culturas

AYUDA AL MATENIMIENTO DE ESTA WEB

AYUDA AL MATENIMIENTO DE ESTA WEB

Post Top Ad

domingo, 20 de mayo de 2018

mayo 20, 2018

Mokhtar Samba - Wdr Big Band Cologne - Musique d'Afrique

Ende August 2015 zündete die WDR Big Band in der Kölner Philharmonie ein imposantes Feuerwerk der afrikanischen Klangfarben und Rhythmen. Die Gäste waren Mokhtar Samba - Schlagzeug, sein Sohn Reda Samba - Percussion, Rhani Krija - Perkussion, Henry Dorina - E-Bass, Woz Kaly - Gesang und Jean-Philippe Rykiel -Keyboard. Arrangiert wurden die Stücke von Michael Mossmann, der dieses Großprojekt auch geleitet hat. Präsentiert wird die Musik von Mokhtar Samba: hier geht es um pulsierende Rhythmen und hypnotisierende Melodien.

Mokhtar beschreibt: „ Für mich steht die Melodie an erster Stelle. Weil Melodien Menschen verändern können. Wenn man traurig ist und eine Melodie singt, kann es einen aufmuntern. Andererseits kann dich eine Ballade aber auch sehr traurig stimmen. Da muss man nur einmal einem großen Sänger wie Stevie Wonder zuhören, wie er die Melodien singt. Deshalb ist die Melodie für mich sehr wichtig.“
Weil sich Mokhtar Samba der Musik seiner Vorfahren ganz eng verbunden fühlt, sind seine Stücke natürlich auch ganz wesentlich von der Urkraft der afrikanischen Rhythmen geprägt.

Mokthar Samba führt aus: „In Marokko gibt es auf allen Festen Musik: bei Hochzeiten und Geburtstagen, überall spielt die Musik, laute Musik. Die Musik ist überall präsent. Meine erste Begegnung mit Musik war bei Hochzeiten, zu denen mich meine Mutter mitnahm. In Marokko haben wir solche Rhythmen: (singt). Für uns ist das ganz natürlich, wie vielleicht hier in Köln das Kölsch. Das mit den Rhythmen fängt bei uns schon im Bauch der Mutter an. Ich habe früh mit afrikanischer Percussion angefangen, dann bin ich mit 12 Jahren nach Frankreich gezogen. Ich bin zwar Autodidakt, mir wurde aber mit 15 Jahren klar, wie wichtig es ist, ans Konservatorium zu gehen, wo ich mich dann später eingeschrieben habe.“

Dass ein erfolgreicher Schlagzeuger ausgerechnet den Namen Samba trägt, ist reiner Zufall: „Das stimmt,“ sagt Mokhtar, „die Leute amüsieren sich oft, wenn sie hören: aha, Mokhtar Samba ist also ein Schlagzeuger. Der liebe Gott hat mir nicht viel geschenkt, aber dieses Geschenk hat er mir immerhin gemacht.“

Samba saugt die unterschiedlichen kulturellen Einflüsse auf, seine Musik ist damit auch stets so etwas wie eine in Töne gefasste Autobiografie. Die „mélange“ ist bei Samba ein zentraler Begriff:  Er mischt und kombiniert die Sprache des Jazz mit afrikanischen Elementen und versetzt damit die Grenzlinien dieser Mixtur um ein gutes Stück weiter.

1 Valse Des Pharaons
2 Senegal
3 Emattéo
4 Suite for Africa
5 Dou
6 The Á la Menthe
7 Malik

martes, 15 de mayo de 2018

mayo 15, 2018

Oumou Sangaré - Mogoya - 2017

Oumou Sangaré fue coronada hace tiempo realeza musical en Malí. Conocida por sus voces formidables y sus mensajes sin miedo, se conoce tanto por su soberanía femenina como por su profundidad integral del estilo tradicional. A finales de los ochenta obtuvo popularidad con su interpretación de la música Wassoulou, un estilo regional basado en canciones de cazadores de larga tradición que tienen un fuerte vínculo con el blues africano, soul y funk. La celebración de un Grammy a su nombre, no es sólo una estrella africana, sino una figura internacional.
Su último lanzamiento, el último en nueve años, se llama Mogoya que significa 'La gente de hoy', el álbum habla de las luchas cotidianas de los que viven en Malí, en particular a las luchas de las mujeres. Las canciones ponen al descubierto un alma de corazón de león dedicadamente entregando cuentos de conflicto emocional.

La segunda canción 'Yere Faga' con Tony Allen (ex baterista de Fela Kuti) es una pieza infestada de groove. Este latido se arrastra directamente bajo tu piel. Comenzando con una ráfaga de bellas voces de capas inmediatas, los fantasmas back-beats comienzan a formar la marcha a su protesta. Sangaré es una diva con voces ricas pero desafortunadamente, la fuerza de sus letras crudas sensacionalmente cargadas es sofocada por la reverberación. Sin embargo, hay una gran fuerza en el minimalismo de esta pista, donde ningún instrumento habla sobre la voz principal y le permite concentrarse completamente. Las lluvias rápidas de la guitarra eléctrica y las melodías que giran alrededor de sus zancadas vocales.

1. Bena Bena
2. Yere Faga Ft. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya
 

jueves, 10 de mayo de 2018

mayo 10, 2018

Bholoja - Swazi Soul – 2010

Bholoja (Mbongiseni Ngubane) es un joven y sobredotado músico, muy celebrado en su país de origen, Suazilandia. Su llamativa voz multicolor y su talento para escribir canciones se ha canjeado la admiración de su corte de seguidores/as, que se ha expandido más allá de las fronteras de su tierra. Su inspiración es la tradición y el modo de vida Suazi; su música (que incluye mbira, sitolotolo y armonías tradicionales) busca asegurar que una parte esencial del patrimonio cultural Suazi no sea víctima de la negligencia histórica.

La música de Bholoja, que se encuadra en el llamado “Swazi Soul” (una combinación de folk, soul y afro-jazz), va ganando en popularidad tanto en Suazilandia como en el sur de África, y encaja como una narrativa social, hablando a la misma conciencia del oyente gracias a su fuerza como letrista. La mayoría de sus canciones se centran en cuestiones sociales y económicas que rigen la vida cotidiana de las personas. Con un sentido del humor contagioso y optimista que prevalece a través de toda su música, su atractivo se extiende tanto a jóvenes como a mayores gracias a su capacidad de crear un sonido único apreciable por el público de origen multicultural.

Desde que debutara en 2004, su crecimiento como artista se ha ido viendo a medida que ha compartido escenarios con grandes nombres como Lokua Kanza, Oliver Mtukudzi, Freshlyground y Hugh Masekela, entre otros.

Swazi Soul (2010) y Swazi Soul II: Luyasikwa Luyamila (2016) son las muestras de su estilo único, los cimientos para que las y los cantantes de su tierra abracen su lengua y compartan historias de Suazi a través del canal de sus canciones conducidas por su guitarra.



Tracks list: 
01. Indzawo Yami
02. Mbombela
03. Ikhonkhotsa llele
04. From Zero to Hero
05. Ngikhumbula Ngisemncane
06. Africa Unite
07. Iyakhalindvodza
08. Umkhuleko
09. You And I
10. Umhlaba Uyahlaba
11. Ilawonde
12. King Somhlolo's Dream

 

Página web oficial: Bholoja

sábado, 5 de mayo de 2018

mayo 05, 2018

Cecile Corbel - Harpe Celtique & Chants Du Monde

Cécile Corbel , née le 28 mars 1980 à Pont-Croix ( Finistère , Bretagne ), est une harpiste auteure-compositrice-interprète française d'expression bretonne et japonaise . Avec sa harpe celtique , elle a commencé par interpréter le répertoire traditionnel celtique , avant de composer ses propres mélodies. Ses influences sont multiples, en passant du folk aux musiques du monde , de la musique classique à la musique contemporaine .

Sa voix particulière ouvre sur un univers celtique, onirique , romantique , médiéval ou encore baroque . Cécile Corbel chante dans de nombreuses langues, dont le français, le breton ou l'anglais et a interprété des chansons en allemand, espagnol, italien, gaélique , turc et japonais.

Elle est auteure de plusieurs albums, dont quatre « Songbook », et signe notamment en 2010 la bande originale du film Arrietty, le petit monde des chapardeurs du Studio Ghibli , disque d'or au Japon. En 2014, elle signe chez Polydor et sort l'album La Fiancée , puis Vagabonde le 7 octobre 2016. 

1 An hini a garan 5:00
2 Bran 4:38
3 Shir al Etz 3:51
4 Hija mía 4:24
5 Je m’endors 3:57
6 Valse des Ondines 3:42




Fuente:
https://fr.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9cile_Corbel

lunes, 30 de abril de 2018

abril 30, 2018

Martin Hayes & Dennis Cahill - Welcome Here Again

Un Virtuoso del violín irlandés Martin Hayes y un guitarrista nacido en Chicago, Dennis Cahill poseen un raro, casi telepático parentesco musical. El nuevo álbum del dúo, es una nueva partida; dieciocho pistas, una de ellas no más de siete minutos, pero con la misma intensidad y la profundidad de la emoción que se encuentra en sus anteriores colaboraciones, Lonesome Touch (1997) y en Live in Seattle (1999).

miércoles, 25 de abril de 2018

abril 25, 2018

Richard Searles - Celtic Cross - 1995

Richard Searles es un guitarrista de formación clásica que utiliza elementos de la musica celta, renacentista y las influencias de la música World mezcladas para crear una experiencia a la vez relajante y evocadora. Los sonidos ricos y melódicas de su guitarra Mattingly  traen a la vida tanto la música tradicional de una época pasada, así como sus propias composiciones originales.

Searles desarrolló un buen oído para los sonidos atractivos de muchas músicas a través de sus viajes a Gran Bretaña, África, Asia y el Oriente Medio. Estas experiencias ensanchan y se unen entre sí con una apreciación natural y profunda de la belleza inherente de los sonidos y ritmos de la Tierra de una manera que hace que su música transporta al oyente a nuevos reinos unidos solamente por la imaginación.

Richard Searles - Guitars
Patricia Mabee - Harpsichord
Laura Stone - Oboe
Mark Born - Concertina
Curtis Berak - Hurdy Gurdy
Tal Herzberg - Acoustic Bass
Ron Wagner - Percusion
David Stenske - 1st Violin
Ed Persi - 2nd Violin
Matt Funes - Viola
Steve Velez - Cello 


01. Cabalgata (03:52)
02. A Thousand Curses on Love (02:48)
03. Wet is the Night (01:44)
04. Abercairney House (02:21)
05. An Dro (02:56)
06. My Dark Haired Maid from Cornaig (02:58)
07. Rondes (02:38)
08. Sir Festus Burke (02:16)
09. Laride A Huit Temps (02:47)
10. The White Houses of Sheildaig (03:03)
11. The Bedding of the Bride (03:33)
12. Laride A Six Temps (02:28)
13. Clanranald (02:29)
14. The Fyket (02:37)
15. An Occasional Song (03:00)
16. Galician Dance (02:29)
17. The Haggis (02:01)
18. No Surrender (02:40)
19. Tavern on the Moor (01:59)


viernes, 20 de abril de 2018

abril 20, 2018

Toru Takemitsu - Ran - BSO - 1985 - Japon

Un sonido es, sin duda, algo vivo. Es como la naturaleza, que no tiene individualidad. Igual que las transformaciones de viento y agua son complejas, un sonido se hace rico o incluso pobre. Eso depende de cómo nuestras sensibilidades acepten el sonido. Nosotros los compositores no deberíamos asumir una actitud arrogante frente al sonido, porque escribimos música en colaboración con sonidos. Lo que importa es cómo podemos hacer realmente natural el acto artificial de escribir música.
(Toru Takemitsu)
Ran (1985), cuya banda sonora es de  Toru Takemitsu, nuevamente la imagen, el escenario y los personajes tienen todo el protagonismo. Me encuentro contemplando vastas montañas verdes, en pleno siglo XVI en el cual reinan y luchan entre ellas grandes familias samuráis. Ante semejante escenario vuelvo a abstraerme de la presencia de la música.
La imagen y el sonido lo son todo, aunque pareciera que de pronto se hizo el silencio. ¿O quizás es la misma música la que nos mete en el ambiente de la película? Lo mismo sucede con la obra de Toru Takemitsu.  Es como si hubiera un pacto entre la historia y la música que acompaña a dicha historia, un pacto de respeto hacia el sonido que viene directamente del ambiente natural, los diálogos entre los personajes y el ritmo que los acontecimientos proponen, para que el resultado sea una perfecta armonía entre imagen y sonido. Takemitsu maneja conceptos que le serán determinantes a lo largo de su carrera como compositor. La idea de nuevos colores sonoros, obteniendo nuevos sonidos extraídos de las películas y que entren a formar parte de ella. Así también en su imaginería musical forman parte importante la pintura, sus mismos sueños y su visión tradicional del jardín japonés.

domingo, 15 de abril de 2018

abril 15, 2018

Chris Spheeris - Desires - 1994

Esta música, esculpida con profundo amor por Chris Spheeris, se mueve entre la belleza melancólica y serena de un atardecer (Desires of the Heart…) y la cautivadora delicadeza de una noche estrellada (Liquid Dream, Afterimage…), pero también muestra destellos de gran alegría (Playtime…). Todos los temas son perfectos, admirables, de inusitada expresividad. Basta una escucha para que enamore y conmueva profundamente. Este disco es uno de los mejores reflejos de lo lejos que puede llegar la sensibilidad del ser humano, una composición prodigiosa, sublime, de una elegancia infinita, un trabajo precioso de principio a fin que debería trascender las fronteras de los géneros para llegar a los corazones de cualquiera con un mínimo interés en el verdadero arte.

Lee la magnifica reseña  que Warren Keffer escribio hace diez años en su Blog

https://warrenelcriticon.wordpress.com/2007/03/03/chris-spheeris-desires-of-the-heart-desires/
 
Caratula de Desires of the Heart album que se publicó en 1990, pero debido a problemas con la discográfica fue regrabado y se volvió a editar en 1994 con el nombre de Desires y con algunos temas ligeramente alterados.
Desires (1994)
1. Playtime – 5:04
2. Viva – 4:06
3. Andalu – 7:06
4. Desires of the Heart – 5:53
5. Lovers and Friends – 3:43
6. Stars – 3:55
7. Fields of Tears – 3:05
8. Remember Me – 4:39
9. Afterimage – 4:48


Desires of the Heart (1990)
1. Midflight – 5:24
2. Lovers and Friends – 3:50
3. Field Of Tears – 3:11
4. Andalu – 5:31
5. Desires of the Heart – 6:04
6. Playtime – 5:00
7. Stars – 3:51
8. Remember Me – 4:05
9. Liquid Dream – 4:28
10. Afterimage – 4:36


martes, 10 de abril de 2018

abril 10, 2018

ALA.NI – You & I - 2016

De origen de Granada (país que no ciudad española), criada en Londres y con enorme apego por Paris ALA.NI se ha embarcado en una suerte de retro soul un tanto especial ya que su base es el jazz vocal de los años 30 a 50 y los musicales americanos de tales datas pero adaptado de forma exquisita y genial a los tiempos modernos que corren.

No es una mera artista de disco y obra de jazz vocal tan pulido y aséptico en busca de servir de canal sonoro para viejos financieros neoyorquinos ni snobs de whisky de malta. Tampoco forma parte soul fandanguero de chasquidos de dedos que se aplaude por las masas que no saben quién es Otis Redding. Ella es algo tan simple como ARTE EN ESTADO PURO Tras una carrera de corista, el año pasado se despacha con una serie de eps coincidiendo con la llegada de las estaciones del año (SPRING, SUMMER, AUTUMN AND WINTER) que desembocan en el lp de próxima aparición YOU AND I que los reúne con nuevas grabaciones en un formato especial de doble cd.

DIVAS como JUDY GARLAND, LENA HORNE, ESTHER PHILLIPS, LAVERN BAKER, la admitirían sin lugar género de dudas a su grupo de damas de sensibilidad extrema. No es jazz, ni es soul, ni blues ni gospel aunque si son parte de ella. Un recorrido por sonidos de eras de blanco y negro con la salvedad de que la ausencia de adornos y su tono minimalista los convierte en algo actual y más asequible en tiempos de la High Definition 

Visual.http://rockthebestmusic.com/2016/05/ala-ni-you-i-critica.html

Executive-Producer – Laurent Bizot, Thibaut Mullings
Flugelhorn – Graeme Flowers
Guitar, Bass Guitar – Rob Updegraff
Harp – Maria Christina Harper
Lacquer Cut By – SST MW
Lead Vocals, Backing Vocals, Steel Drums [Steel Pan], Percussion, Keyboards [Hohner Guitaret] – ALA.NI
Mastered By – Huntsmen Music Percussion – João Caetano
Photography By – Irina Kolesnikova
Piano – James Welland
Recorded By – Jonathan Tams
Recorded By, Mixed By – Stephen Sedgwick Written-By, Producer – ALA.NI

A1 Cherry Blossom 2:59
A2 Woo Woo 0:41
A3 Ol'Fashioned Kiss 2:52
A4 Come To Me 1:50
A5 Suddenly 3:14
A6 One Heart 2:31
B1 Roses & Wine 2:42
B2 Planet To Your Sun 0:58
B3 Darkness At Noon 3:51
B4 I'll Remember 2:23
B5 To The River 2:39
B6 Circle 3:15

viernes, 6 de abril de 2018

abril 06, 2018

Takashi Yoshimatsu - Memo Flora - 1998 - Japon


Nacido en Tokio en 1953, Takashi Yoshimatsu estudió en el departamento de ingeniería de la Universidad de Keio. Él enseñó composición y estudió con Teizo Matsumura. Ha tocado con varios grupos de jazz, rock y otras bandas. Defensor del "Nuevo Lirismo", que condena las tendencias no musicales en la música moderna. Ha publicado numerosas obras, desde su composición debut en 1981, Forgetful Angel. Estas incluyen dos sinfonías y cinco conciertos. Sus obras orquestales incluyen Ode to Bird and Rainbow y ha compuesto numerosas piezas de teatro, una serie de obras de música de cámara sobre el tema de los "Pájaros" y piezas para piano e instrumentos japoneses.

Piano Concerto Memo Flora

Escrito como un Memorándum sobre las flores, este Concierto para piano consta de tres movimientos, Flower, Pétals y Bloom, que son, respectivamente, rápido, lento y rápido. Las palabras en Memo Flora fueron escritas por el poeta Kenji Miyazawa en la portada de un cuaderno que contenía notas para un esquema de la colocación de las flores en un macizo de flores.

And Birds Are Still

Escrito como una breve elegía para un conjunto de cuerdas, esta pieza proviene de una imagen de los pájaros reunidos en torno a un compañero muerto. Originalmente, iba a ser escrito por encargo de un conjunto de aficionados, pero la comisión fue cancelada, y se mantuvo el trabajo solo. Esta es una pieza simple en la forma de una canción corta, que poco a poco se convierte en una melodía tenue que luego se convierte en un recuerdo melancólico de hace mucho tiempo.

Dream Colored Mobile 2
 
Su predecesor, Dream Colored Mobile 1, fue compuesto por el saxofonista Nobuya Sugawa, para su álbum, Nostalgia. La obra original fue para saxofón, arpa y cuarteto de cuerdas. En el invierno de 1997, se reorganizó para solista (oboe, violín o cello), arpa y cuerdas, lo que resulta en Dream Colored Mobile 2.

White Landscapes
 
Inspirada en escenas de nieve pintado por el artista Sohichiro Tomioka, White Landscapes consta de tres piezas cortas, Divination by Snow, Stillness in Snow y Disappearance of Snow. Todas describen el campo japonés cubierto por la nieve. Fueron producidas por encargo del Museo de Tomioka-White en el verano de 1991. Originalmente, eran un trío de flauta, arpa y fagot, pero en el invierno de 1997 se organizaron para flauta, arpa, violonchelo y conjunto de cuerdas.

1. Piano Concerto ("Memo Flora"), Op. 67  (14:30)
2. And Birds Are Still, Op. 72  (7:43)
3. While an Angel Falls into a Doze, for piano & orchestra, Op. 73  (12:58)
4. Dream Colored Mobile 2, for oboe (or violin or cello), harp & orchestra, Op. 58a  (6:54)
5. White Landscapes, for flute, harp, cello & string orchestra, Op. 47a  (4:06)
                    
John Barrow flute
Joe Houghton oboe
Kate Wilson harp
Jonathan Price cello
Kyoko Tabe piano
Manchester Camerata
Sachio Fujioka