Radio Minorias

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sábado, 15 de diciembre de 2018

diciembre 15, 2018

George Winston - December - 20th Anniversary Edition

Este es un disco para relajarse y reflexionar, a diferencia de muchos grandes discos de Navidad antes y después de ella, December no es sólo un album con canciones de Navidad como el nombre sólo denotaría. Más bien, se trata de una oda a la tranquilidad del invierno, el frío que desciende sobre el hemisferio norte en el duodécimo mes del año.

Esta edición del 20 aniversario, incluye dos bonus tracks, con un sonido mejorado con respecto a versiones anteriores.

1. Thanksgiving
2. Jesus, Jesus, Rest Your Head
3. Joy
4. Prelude
5. Carol Of The Bells
6. Night-Part One: Snow
7. Night-Part Two: Midnight
8. Night-Part Three: Minstrels
9. Variations On The Kanon By Pachelbel
10. The Holly And The Ivy
11. Some Children See Him
12. Peace
13. A Christmas Song
14. Sleep Baby Mine 

lunes, 10 de diciembre de 2018

diciembre 10, 2018

Joaquin Diaz - Canciones de Navidad

Lo es todo en la música tradicional, el folklore y la tradición oral castellana y leonesa. Músico y estudioso de renombre y triunfador en medio mundo, Joaquín Díaz nació en 1947 en Zamora pero con tan sólo cuatro años se trasladó a Valladolid junto a toda su familia. Desde pequeño se dejaba retratar con una pequeña guitarra de madera que luego cambiaría por otra más grande: con ella creó su propio grupo en el Colegio de Lourdes, centro donde cursó sus primeros estudios; con esta primera formación acudió al programa de Televisión Española Salto a la Fama. «Lo que me contaban mis padres es que con dos o tres años ya cantaba. Una muchacha que tenía mi madre, que era de Sanabria, me enseñó canciones y yo las cantaba por el patio». Abandonó la carrera de Filosofía y Letras desilusionado por el funcionamiento de aquella Universidad de los años franquistas, formó su grupo musical y grabó el álbum Recital (1967): «Mi aspiración era estudiar antropología o algo similar, pero no se enseñaba en ningún sitio. Así que después de tres años, dejé la Universidad... Descubrí que el mundo de la creación artística y el de la Universidad eran incompatibles».

Junto a Ángel Álvarez puso en marcha, en 1968, el mítico grupo de folk «Nuestro Pequeño Mundo», del que se separaría después de grabar dos álbumes. Entre 1968 y 1974 recorrió los escenarios más diversos, actuó en las Universidades éstadounidenses de Harvard, Austin y Boston, en las portuguesas de Lisboa, Coimbra y Oporto, en Alemania, Francia y, por supuesto, en España. Dirigió programas de radio y televisión, publicó artículos en revistas musicales especializadas y grabó, a finales de los sesenta, cuatro discos importantes: Canciones de Navidad (1968), De mi álbum de recuerdos (1969), De la picaresca tradicional (1970) y El viaje (1970). Su fama era imparable: nombrado Ciudadano Honorario del Estado de Texas, graba The Music of Spain (1973) y Sephardic Songs (1974), y publica los libros Palabras ocultas en la canción folklórica (1971; y Música pop y música folk (1975), este último en colaboración con José María Íñigo.

1.- A Belén pastores
2.- San José carpintero
3.- Al zagal que desvelan amores
4.- Tanto es el niño que ves
5.- Es día de parabién
6.- Pajarito que cantas
7.- Rabadán
8.- Campana sobre campana
9.- A mi niño tierno (1665)
10.- A la nanita nana
11.- En el portal
12.- Si de que tembléis (1671)
13.- Pues que la estrella (1550)
14.- ¡Ay del chiquirritín!


miércoles, 5 de diciembre de 2018

diciembre 05, 2018

Varios Artistas - Ecos de Navidad

El cantautor Amancio Prada aseguró que la grabación del disco Ecos Navideños , realizada en la sala de un centro tecnológico usada para analizar el ruido provocado por el motor de los coches, ha dado «un sonido tan natural como si los villancicos se hubieran grabado en el mismo Portal de Belén». La iniciativa surgió de José Luis Chacel, patrono de la Fundación Cidaut, un centro tecnológico que se dedica a la investigación de la industria de la automoción y que está ubicado en el Parque Tecnológico de Boecillo, en Valladolid. Chacel ofreció a intérpretes de música tradicional como el propio Amancio Prada, Joaquín Díaz y el grupo Candeal, entre otros, la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones, donde se analizan técnicamente las diferencias entre la sonoridad de unos y otros modelos de vehículos. Para Amancio Prada, la experiencia de la grabación en un lugar tan original ha producido «un sonido tan natural como si los villancicos hubieran sido grabados en el mismo portal de Belén, ha sido a contracorriente, contra todo tipo de tecnología», a pesar de encontrarse en un centro tecnológico.

El disco, que incluye un libro en el que se relatan anécdotas y costumbres navideñas, se presentó ayer en Valladolid con 16 temas, de los que Amancio Prada interpreta tres.

Según destacó el promotor de la iniciativa, José Luis Chacel, en el disco-libro, del que se han editado 10.000 ejemplares, se incluyen «hechos curiosos y poco conocidos por el público de la comunidad autónoma, como que en la localidad salmantina de Ledesma se encuentran los restos de tres pastores que adoraron al Niño Jesús». Prada aseguró que vivimos «de espaldas a la tradición, estamos empeñados en ver como dicotomía la tradición y la modernidad cuando la realidad es que no podemos hacer nada sin la tradición». El cantautor se quejó de que «hoy en día se ha dejado de cantar» porque «la música ambiental nos invade y se ha convertido en algo rumoroso, en un ruido que se superpone a las voces». En la grabación también ha participado el columnista del Diario de León Pedro García Trapiello, quien con su potente voz declama varios poemas navideños. José Luis Chacel, que es un apasionado belenista, ha incluido en el libro una variada ilustración de los belenes y dioramas procedentes de su colección particular. El mentor de esta aventura musical y solidaria desveló que ofreció a este grupo de intérpretes de música tradicional la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones «para comprobar cómo es el sonido limpio de una sala carente de ruidos». 


1.Pensamiento 1 - No la debemos dormir (Pedro García Trapiello y Jesús Prieto) 1:54
2.Tarantán (Joaquín Díaz) 1:42
3.San José es carpintero (Candeal) 2:00
4.Id tranquilo rabadán (Pedro García Trapiello y José Luis Chacel) 2:56
5.Zagalejo de perlas (Amancio Prada y Jesús Prieto) 3:14
6.Porque ya ha nacido el niño (Javier Bergia y Luis Delgado) 4:28
7.Pensamiento 2 - Nana del portal (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 3:08
8.Variaciones sobre ´El verbo divino´ (Amancio Prada, Félix Pérez, Javier Castrillo, José Antonio Ortega y Javier Bergia) 3:02
9.Atención al Misterio (Joaquín Díaz) 1:36
10.Pensamiento 3 (Pedro García Trapiello) 1:58
11.Antes de las doce (Javier Bergia y Luis Delgado) 2:40
12.Villancico laico gitano (Amancio Prada y Javier Bergia) 3:24
13.Pensamiento 4 - Canción de cuna (Pedro García Trapiello - Jesús Prieto) 2:05
14.Esta noche es Nochebuena (Candeal) 2:18
15.Celebración navideña (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 2:07
16.Vámonos ´iendo´ (Antonio Ortega y Pedro G. Trapiello) 1:11

Fuente:
http://tidido.com/a35184372149447/al540719dc196deee83f8d127d/t54080135196dee947592e5eb

domingo, 2 de diciembre de 2018

diciembre 02, 2018

Mejor Cortometraje “El Costo de la Impunidad” (Videos)

Así se vivió la emoción del IX Festival de Cortometrajes “Tito Vacaro 2018”.



Homenaje a Elías Jiménez y el momento de Premiar al Mejor Cortometraje “El Costo de la Impunidad”
Cortometraje realizado por estudiantes de ciencias de la comunicación de CUNORI a través del curso información audio visual: cine y televisión. 

PRODUCCIÓN
Ada Pensamiento
GUION Y DIRECCIÓN 
Karla España
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Gustavo Melgar
SONIDO
Mariabélen Leiva
EDICIÓN 
Marcia Lemus 
ILUMINACIÓN
Milena Guerra 
DIRECCIÓN DE ARTE
Mayarí González
ASISTENTE DE DIRECCIÓN
Luz Victoria García 

Asistentes de Edición y Sonido
Ricardo García
David Aroch

Elenco 
More Escobar
Selvin Morales
Elmer Guerra
Dennis Colindres
Jorge Catalán 
Hugo Lima

viernes, 30 de noviembre de 2018

noviembre 30, 2018

New York Jazz All Stars América - Feliz Navidad - 2000

The New York Latin Jazz Allstars traer un concepto totalmente nuevo y fresco a las tradicionales canciones de Navidad. Este conjunto de gigantes del jazz, se unió a los veteranos establecidos Contemporánea Música Latina en la escena de Nueva York, quemar sobre los arreglos de conocidas canciones de Navidad. Dave Valentin jugado un papel importante en llevar todo el talento junto que se oye sobre estos temas. Es también una de las últimas grabaciones que ofrecen la tarde Tito Puente. Producido por Bob Cranshaw jazz y se combina con las habilidades de organización de Mike Longo, Papo Vásquez, Gonzales Ricky, Ray Santos y Rodríguez Piro, esta grabación única se convertirá en una adición a su colección atesorada música Chistmas además de convertirse en una grabación de jazz en por derecho propio.

Temas:
01.Feliz Navidad   
02.Rudolph the Red-Nosed Reindeer   
03.Winter Wonderland   
04.Have Yourself a Merry Little Christmas    
05.Santa Claus Is Coming To Town    
06.Christmas Song   
07.La Muruga   
08.Jingle Bells


New York Latin Jazz Allstars: Mario Rivera (saxofón tenor); Piro Rodríguez (trompeta), Papo Vázquez (trombón), Ricky González (piano), Oscar Cartaya (bajo); Duen'o Ender (batería); Carrillo Anthony (bongos) , Richie Flores (congas), Davis C. Forestier (timbales), Wilfredo Villegar (percusión) 

Personal: Mauricio Smith (flauta, saxo), Dave Valentín (flauta), Chico Freeman (saxofón), Mario Rivera (saxofón tenor); Jon Faddis, Piro Rodríguez (trompeta), Monty Alexander (piano); Richie Flores, Carlos "Patato "Valdés (congas), Anthony Carrillo (bongos), Tito Puente (timbales)

Fuente: http://chumanceralatinjazz.blogspot.com

domingo, 25 de noviembre de 2018

noviembre 25, 2018

Mad Sheer Khan - 1001 Nights - 2000 - Argelia

Nacido en la casbah de Argel, Mad es hijo de madre argelina y padre persa. Comenzó a componer a los quince años, con la idea de que la música es un lenguaje universal que todo el mundo entiende, de que el sonido tiene el poder para contribuir a un futuro mejor. Mad toca la dilruba (antiguo violín original de norte de la India nacido hace mas de 300 años) y el esraj, y ha profundizado en la música persa, la música de los baul, y la música gnawa.
Con 17 años se echó a la carretera con su guitarra, y durante un año estuvo viviendo en la calle, comenzando su aprendizaje de un modo radical.

Desde los 18 años, cuando funda el grupo Rahmann, Mad ha tocado con John McLaughlin, Nico, de Velvet Underground, Mickael Riley (Steel Pulse/Reggae Philarmonic Orchestra), Sapho, Harem, Mickael Hutchence, Keziah Jones, Axel Bauer y Sting. El resultado de todas esas experiencias pasadas, y sus sentimientos personales acerca de la emigración de personas y culturas se ve definida actualmente bajo la expresión de "traditions avant-garde".
En el 2000, Mad lanza "1001 Nights" (Erato/Warner classic), una composición para 7 cantantes de 7 culturas diferentes (navajo, tibetano, argelino, gnawa, indio, hebreo y persa) combinando una orquesta de cámara clásica con prestigiosos solistas como L. Subramanian o Alla. "1001 Nights" ocupó el puesto 6 en la Lista Europea de Músicas del Mundo.

01  Night of Algeria 5:34
02  Night of Gnawas 9:44
03  Night of Hebrews 8:34
04  Night of Navajos 8:55
05  Night of Tibet 7:43
06  Night of India 11:20
07  Night of Persia 11:13
Fuente:http://www.mundimapa.com/joomla2/index.php?option=com_k2&view=item&id=47:madsheerkhan

martes, 20 de noviembre de 2018

noviembre 20, 2018

Yaşar Kurt & Arto Tunçboyacıyan - Nefrete Kine Karşı - 2009

Yaşar Kurt ( armenio : Յաշար Կուրթ, b.August 16 de 1968 en Estambul , Turquía ) es un turco-armenia rock artista. Estudió en 1990 en la Facultad de Economía de la Universidad de Eskisehir, pero no se graduó. Fundó el grupo musical alternativa Beyaz Yunus (literalmente White Dolphin). En 1993, tuvo su primera grabación de estudio en Alemania y en 1994, lanzó el álbum Sokak Şarkıları (literalmente Street Songs) grabado en Colonia , Alemania. El álbum en el sello discográfico Ada Müzik se hizo muy popular en Turquía. Una serie de conciertos seguida en toda Turquía. Mudarse a Berlin , nació una hija nombrada Rosa. Regresó en 1996 a Turquía para continuar con su carrera musical.

Arto Tunçboyacıyan (en armenio Արտո Թունչբոյաջյան; nacido en 1957 en Estambul)es un músico turco de origen armenio. Es famoso dentro de la escena del folk avant-garde, habiendo interpretado en más de 200 discos en Europa antes de su llegada a los Estados Unidos, donde inició colaboraciones con numerosas leyendas del jazz (como por ejemplo Chet Baker, Al Di Meola y Joe Zawinul). También ha trabajado con la artista turca Sezen Aksu, la cantante griega Elefthería Arvanitáki entre otros representantes de la world music. Su hermano, Onno Tunç también músico, causó en él una gran influencia.

1. Kaldıralım
2. Bazen İnsan
3. Kaldırımlar
4. Alışamadım
5. Alışamadım (Ermenice)
6. Küçük Nil Büyük Irmak
7. Uzumesne (Ermenice)
8. Kendim Gibi
9. Nefrete Kine Karşı 


Fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Arto_Tun%C3%A7boyac%C4%B1yan 

http://en.wikipedia.org/wiki/Yaşar_Kurt 

jueves, 15 de noviembre de 2018

noviembre 15, 2018

Aurelio - Lándini - 2014

Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.

Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.

"Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.
Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.

En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.

En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.


 Tracks list:
01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
02. Nando (Leonardo)
03. Milaguru (Miracle)
04. Nafagua (I Will Try)
05. Nari Golu (My Golden Tooth)
06. Lándini (Landing)
07. Lirun Weyu (Sad Day)
08. Durugubei Mani (Evil People)
09. Irawini (Midnight)
10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
11. Nitu (Older Sister)
12. Chichanbara (Ginger)

 


Fuente: Aurelio – RealWord)

Página web oficial: Aurelio

sábado, 10 de noviembre de 2018

noviembre 10, 2018

Susheela Raman - Queen Between - 2014

Queen Between (2014) es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.

En este disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Queen Between es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.

En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo

lunes, 5 de noviembre de 2018

noviembre 05, 2018

Raghu Dixit - Jag Changa - 2013

Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
 La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.

Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.


Tracks list:
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita

 


Página web oficial: Raghu Dixit

martes, 30 de octubre de 2018

octubre 30, 2018

Haruomi Hosono - Medicine Compilation - From the Quiet Lodge - 1993 - Epic - Japan

Haruomi Hosono, nacido el 9 de julio de 1947 en Minato, Tokyo), también conocido como Harry Hosono, es un músico japonés. Fue miembro de la banda de rock Happy End y de la banda de música electrónica Yellow Magic Orchestra con Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto.

Hosono es el nieto de Masabumi Hosono, el único sobreviviente y pasajero japonés del RMS Titanic. Hosono llamo la atención en Japón como bajista de la banda de rock psicodélico Apryl Fool, junto con el baterista Takashi Matsumoto, quien lanzo el álbum The Apryl Fool en 1969. Hosono y Matsumoto formarían posteriormente la influyente banda de folk rock Happy End con Eiichi Ohtaki and Shigeru Suzuki. Una de las canciones que compuso para Happy End, "Kazemachi Roman|Kaze wo Atsumete" (1971), apareció en el soundtrack del filme Lost in Translation en 2003. Después de la ruptura de Happy End en 1974, Hosono trabajo con una asociación de artistas haciendo música exótica bajo el nombre de Tin Pan Alley.

Su participación en la música electrónica fue desde inicios de los años setenta, cuando tocó el bajo eléctrico para el álbum folk pop rock Ice World (1973) de Inoue Yousui y el álbum de rock progresivo/psicodélico Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima, en ambos álbumes eran de rock electrónico que utilizaban sintetizadores, guitarras eléctricas, y posteriormente, caja de ritmos y batería electrónica.

En 1977, Hosono invitó a Ryuichi Sakamoto y Yukihiro Takahashi a trabajar en el álbum exotica Paraiso, el cual incluye música electrónica a partir de un sintetizador polifónico Yamaha CS-80 y un ARP Odyssey. La banda fue nombrada Harry Hosono and the Yellow Magic Band" y, grabando a finales 1977, se lanzó Paraiso a inicios de 1978. Nuevamente los tres trabajaron en 1978 para el álbum electrónico Pacific, en el cual se incluía una versión temprana de la canción Cosmic Surfin.

En 1978, lanzó el soundtrack electrónico para la película ficticia de Bollywood Cochin Moon, acompañado del artista Tadanori Yokoo y los futuros miembros de YMO Ryuichi Sakamoto y Hideki Matsutake. Fue inspirado por un viaje a la India y "los exóticos, lujosos y maravillosos escenarios de los cines de la India, fue un álbum experimental "electro-exotica" que fusionaba la música de India (asemejando a Ravi Shankar) y la música de Bollywood con música electrónica, incluyendo una temprana canción de género electro-raga titulada Hum Ghar Sajan (de una frase de Gurú Granth Sahib). Durante el mismo año contribuyó a la canción "1000 Knives" de Ryuichi Sakamoto para su álbum debut, The Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto, en que se experimentó fusionando la música electrónica con la música tradicional de Japón.

Él fue uno de los primero productores en reconocer la importancia de la música de videojuegos. El álbum debut homónimo de YMO en 1978 incluyó de manera sustancial sonidos de videojuegos y después de que YMO se separó, realizó un pequeño proyecto titulado Video Game Music que contenía versiones mezcladas y editadas de sonidos y música de las arcades de Namco. Video Game Music fue lanzadó en 1984 como un ejemplo temprano de chiptune y como el primer álbum de música de videojuegos. Durante el mismo año, produjo el tema principal de la película de Hayao Miyazaki titulada Nausicaä del Valle del Viento, "Kaze no Tani no Naushika", con la participación de la cantante y actriz Narumi Yasuda. A finales de los años ochenta y a principios de los noventas, la influencia de la world music lo llevó a trabajar con diversos artistas y músicos como Amina Annabi.

Él ha producido un gran número de bandas como miembro de ellas. Su primer banda después de Yellow Magic Orchestra fue Friends of Earth. Como en la mayoría de sus proyectos el combina estilos musicales en los que está interesado. F.O.E. fue una combinación de funk con techno que incluyó una colaboración con James Brown y Maceo Parker para el remake de la canción Sex Machine. Otra de las bandas notables fue Love, Peace & Trance. Los miembros fueron Mimori Yusa, Miyako Koda, Haruomi Hosono and Mishio Ogawa.

En los noventas comenzó el sello discográfico "Daisyworld" que se enfoca en el lanzamiento de varios artistas experimentales de Japón y del resto del mundo. Hosono ha colaborado con varios lanzamientos como World Standard, a trip into Americana: HAT, un supergrupo (cuyo acronicmo se refiere a Hosono, Atom Heart], Tetsu Inoue, y Quiet Logic, por Mixmaster Morris y Jonah Sharp. The Orb hizo un tributo a través de una serie de remixes incluyendo "Hope You Choke On Your Whalemeat".

En 2002 Haruomi formó el dúo Sketch Show con el miembro de YMO Yukihiro Takahashi. Ellos han lanzado dos álbumes, de los cuales, Loophole, tuvo un lanzamiento en Reino Unido. Cuando el miembro de YMO, Ryuichi Sakamoto profundizo su colaboración en el proyecto se decidió que estas colaboraciones recibirían el nombre de Human Audio Sponge.

En primavera de 2007, su compañeros de YMO y otros artistas rindieron tributo a Haruomi en un disco doble titulado "Tribute to Haruomi". Durante el mismo año, tuvo la película Appleseed Ex Machina fue lanzada incluyendo a Hosono como supervisor. En septiembre de 2010 presentó sus canciones en el festival De La Fantasía. En febrero de 2011 se anunció su nuevo álbum titulado "HoSoNoVa" que se lanzaría en el 20 de abril del mismo año.

Genre: Electronic, Downtempo, Ambient


01. Laughter Meditation (Hosono-Nakayama-Koshi) - 8:06
02. Honey Moon (Hosono) - 5:04
03. Deira (Hosono) - 3:23
04. Quiet Lodge Edit (Hosono-Nakayama-Terada) - 5:27
05. Medicine Mix (Hosono-Shimizu) - 6:33
06. Sand Storm Edit (Hosono-Nakayama-Terada) - 3:42
07. Mabui Dance #2 (Trad.-Hosono) - 9:47
08. Aiwoiwaiaou (Hosono) - 6:23
09. Armenian Orientation (Hosono) - 10:37
10. Ambient Meditation #3 (Laraaji) - 4:04
 

 


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Haruomi_Hosono

jueves, 25 de octubre de 2018

octubre 25, 2018

Terra Incognita - Tribal Gathering - 1997

En Tribal Gathering Chinmaya Dunster, Ravi y Prem Joshua han reunido una colección de estilos de todo el mundo, desde América a Oriente Medio, África, la India y los Balcanes. Todo hecho a mano, La musica es impresionante una reunión de algunos de los instrumentos más mágicos del mundo, kora, sitar, flautas, tambora y Sarod dando una sensación de color a la mezcla de excelentes ritmos y sonidos hermosos, un album muy recomendable.

Prem Joshua: sitar, flutes
Chinmaya Dunster: sarod
Ravi: kora (African harp)


01 Kafi (5:01)
02 Etruscan Places (6:24)
03 Tilak (4:54)
04 Sacred Dance (2:48)
05 Cala Violina (4:29)
06 Sufis And Gypsies (5:47)
07 Mountains Of The Moon (6:54)
08 Under The Carob Tree (3:33)
09 Rhythem House Classic (4:16)
10 Never Mind The Pandits (4:52)
11 Havana Baba (2:34)
12 Tribal Gathering (7:31)
13 Zenith (3:11)
14 Shahana (6:12)

 


sábado, 20 de octubre de 2018

octubre 20, 2018

T with the Maggies - T with the Maggies - 2010 - Irlanda

T with the Maggies are Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan

In May 2007, a remarkable gathering of traditional Irish musicians and singers came together at Vicar Street in Dublin to celebrate the life and music of Mícheál Ó Domhnaill, who, with Skara Brae and The Bothy Band, had been a pioneering force in Irish music.

Among the many artists and groups coming together that evening was an evocative performance by four of Ireland’s finest female singers. Tríona and Maighread Ní Dhomhnaill (Míchaél’s two sisters, concert organisers and co-members of Skara Brae and The Bothy Band) were joined by Mairéad Ní Mhaonaigh of Altan and Moya Brennan of Clannad.

And so was born one of the most inspirational and heartening collaborations in traditional Irish music.

Tríona, Maighread, Mairéad and Moya, T with the Maggies, all come from the same corner of County Donegal (with Gaelic as their first language) and all have illustrious career histories. Each individual brings a unique and varied interpretation of their musical heritage but the result is one of the finest ever amalgamations of Irish female voices. They are real Celtic women!

Their first show in January 2009, at the Temple Bar Tradfest in Dublin, sold out immediately and they went on to perform at last year’s Irish Global Economic summit. A new recording of their repertoire favourite, Two Sisters, was commissioned by Sam Shepard, for his play, ‘Ages of the Moon’.

On the stage the ‘Maggies bubble with a mixture of instinctive tone, harmony and a generous helping of laughs. Each bring their choice of songs but mould them into the group with a unique soundscape of voice, piano, fiddle and harp. You can tell that they are the best of friends.


T with the Maggies is the group’s first album, combining over four decades of musical experience. With subtle arrangements, the album brings to the fore four voices that have shaped Irish traditional, folk and celtic music today.

Tríona Ní Dhomhnaill: Vocals, Piano, Keyboards, Accordion, Whistle
Maighread Ní Dhomhnaill: Vocals, Yardstick
Mairéad Ní Mhaonaigh: Vocals, Fiddle, Hardanger Fiddle, Low Octave Fiddle
Moya Brennan: Vocals, Harp, Djembe
Manus Lunny: Guitar, Bouzouki, Programming
Jim Higgins: Addictional Percussion
(Low Octave Fiddle courtesy of Ciarán Ó Maonaigh)

1.Wedding Dress
2.Domhnach na Fola
3.Thugamar Fhéin an Samhradh Linn
4.Bíodh Orm Anocht
5.Mother Song
6.Ógánaigh Uasail
7.Cuach mo Londubh Buí
8.Ceol an Phíobaire
9.A Stór A Stór A Ghrá
0.Farewell Farewell
11.An Mhaighdeán Mhara


lunes, 15 de octubre de 2018

octubre 15, 2018

Brian Finnegan - The Ravishing Genius Of Bones - Irlanda

Brian Finnegan, el que fuera miembro fundador del ya desaparecido grupo Flook, acaba de sacar un disco en solitario, al que ha titulado The Ravishin Genius of Bones. En este disco colaboran también sus compañeros de Flook Ed Boyz y John Joe Kelly, el incansable Mike McGoldrick, el grupo Crooked Still o los componentes de su nueva banda KAN.

Por esperado, podíamos hablar sin equivocarnos, de uno de los trabajos del año, y es que muchos de los seguidores de la extinta Flook! estaban deseando saber por donde irían los derroteros de los miembros de la banda, y parece ser que uno de los más activos es Finnegan, con su proyecto Kan junto a Aidan O’Rourke y este The ravishing genius of bones, su entrega en solitario.

Para todos aquellos seguidores de los anteriores proyectos del de Armagh decirles que pueden estar tranquilos, el espíritu Flook! sigue vigente en todos y cada uno de los 9 temas que componen el disco, en el que vuelve a dar una lección única del dominio de toda clase de flautas. Especialmente interesante son temas como Belfast, compuesto por tres temas de Barry Kerr, Liz Carrol y Adam Sutherland, o la belleza de Marga’s, que incluye la melodía dedicada a la acordeonísta asturiana Marga Lorences.

La nómina de invitados que acompañan a Brian Finnegan es espectacular, encabazada por sus ex-compañeros de Flook! Ed Boyd y John Joe Kelly, la banda Crocked Still, Damien O’Kane o Aidan O’Rourke.

The ravishing genius of bones es un disco realizado con mucho mimo, y desde luego que por momentos (Starrs) parece realizado a capricho.


 Tracklist:
1. Steps
2. Fly
3. Marga's
4. Belfast
5. Starrs
6. Joy
7. Frida
8. Only
9. Nightride

 


Fuente: 
  http://jarramplas.blogspot.com/2010/05/brian-finnegan-ravishing-genius-of.html

http://cachafeiro.wordpress.com/2010/06/25/brian-finnegan-the-ravishing-genius-of-bones/

miércoles, 10 de octubre de 2018

octubre 10, 2018

Los Míticos del Ritmo - feat. Quantic - Los Míticos del Ritmo - 2012

Will "Quantic" Holland es una de las grandes estrellas del soul, del funk y del nü jazz de la década pasada. En 2006 un viaje a Colombia le cambió la vida, quedó tan fascinado por sus sonidos, aromas y colores que se instaló en la nación cafetera y se sumergió en su cultura musical. The Original Sound of Cumbia, una compilación de 55 pistas de la cumbia colombiana y porro publicado por Soundway en 2011, fue el resultado de cinco años de investigación de campo de Holland.
 Pero encontrar y compilar registros antiguos no es lo único que ha hecho en este tiempo. Ha estado aprendiendo a interpretar el acordeón, tomando lecciones de maestros de Colombia y Panamá (Anibal Velásquez y Papi Brandao). Y ha llevado adelante sus proyectos Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica, este último junto al bogotano Mario Galeano (Frente Cumbiero).

Los Míticos del Ritmo es un proyecto dedicado a la cumbia y el vallenato de la década de los 60 de Colombia y de otros países del Caribe. Un disco grabado en analógico y para el que se han utilizado sólo cuatro pistas sobre las que se han ido superponiendo todos los instrumentos, como se hacía en aquella época. En el grupo participan Ancer Barrios Rada (percusión), nieto del gran acordeonista colombiano Francisco Pacho Rada (que participa en los directos con su voz y acordeón). El proyecto también se ve enriquecido con la participación de Combo Bárbaro (el bajo de Fernando Silva y la percusión de Freddy Colorado), y Humberto Pernett, uno de los músicos fundamentales en la historia de la fusión de ritmos costeños de Colombia con elementos electrónicos.

El resultado no puede ser más interesante: cumbia instrumental bailable y poderosas versiones, entre las que destaca "Another One Bites The Dust", de Queen ("Otro Muerde El Polvo").
Tracks list:
01. Introduction
02. Cumbia Comejen
03. Otro Muerde El Polvo (Another One Bites The Dust)
04. La Libanesa
05. Samaria
06. Willy’s Merengue
07. Cumbia de Mochilla
08. Satta Massa Cumbia
09. No Pares Hasta Tener Lo Suficiente (Don’t Stop Till You Get Enough)
10. Noche de Tamborito
11. Fabiola
 


Página web: Quantic

viernes, 5 de octubre de 2018

octubre 05, 2018

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Mediterraneo - 2013

La artista Christina Pluhar, que con el arpa y la tiorba ha demostrado al mundo el potencial de los instrumentos del Barroco, se aleja de ese periodo en su trabajo con un proyecto "mucho más libre", que recorre las tradiciones de la llamada "frontera del olivo".

"Mediterraneo", ofrece un viaje de descubrimiento musical que zarpa de los cantos greco-salentinos y hace escala en las costas griegas, italianas, francesas, españolas e incluso turcas y portuguesas.

El resultado, es un proyecto "muy colorido", que le ha permitido darse cuenta de que el lenguaje musical es mucho más abierto que el verbal y facilita que músicos de cualquier cultura puedan reconocerse en los otros en cuanto suenan las notas.

El mestizaje de este álbum cuenta con las voces de la portuguesa Misia, las sopranos españolas Raquel Andueza y Nuria Rial, las voces también del italiano Vincenzo Capezzuto y de la griega Katerina Papadopoulou, y la maestría de los músicos turcos Aytaç Dogan e Ismail Tunçbilek.

A ese conjunto llegó cuando la sorpresa de esos cantos greco-salentinos, de raíces italianas pero cantados en griego, la dejó con ganas de explorar otras "pasarelas" que tuvieran el Mediterráneo como punto en común.

"Me he alejado del Barroco. Creo que es la primera vez que lo hago, porque en los otros (discos) seguía buscando fuertes conexiones con la música italiana del siglo XVII. Este álbum es un proyecto mucho más libre, pero creo que como artista tengo la libertad de evolucionar hacia otras ideas", sostiene.

Pluhar (Graz, Austria, 1965) defiende que en canciones tradicionales de Italia, España o Portugal se puede hallar una base barroca, pero no así en las griegas o turcas, lo que provoca que las 19 canciones escogidas sean más heterogéneas que en discos como "Los pájaros perdidos", "Los impossibles" o "La Tarantella".

El repertorio incluye fados como "Cantigas de portugueses", cantos greco-salentinos como "Are mou rindineddha", o canciones españolas como "La dama d'Aragó" o "Los delfines", revisitados con la particularidad que le da el tocarlos con su conjunto de cámara, "L'Arpeggiata".

01. Are mou rindineddha (Canto greco-salentino)
02. Sem saber (Portugal)
03. Hasapiko (Greece)
04. Tres sirenas (Neapolitan, Greek, Spanish)
05. Hicaz mandira (Turkey)
06. Pizzica di San Vito (Salento)
07. Amygdalaki tsakisa (Greece)
08. La dama d'Aragу (Catalonia)
09. Amor de mel, amor de fel (Portugal)
10. Gunes & ay (Turkey)
11. De Santanyi vaig partir (Mallorca)
12. Rosa negra no meu peito (Portugal)
13. Thalassa lypisou (Greece)
14. Oriamu Pisulina (Canto greco-salentino)
15. O Pajem (Portugal)
16. Sfessania (Naples)
17. Agapimu fidela protini (Canto grerco-salentino)
18. Cantigas de portugueses (Portugal)
19. Los Delfines (Spain)
 

domingo, 30 de septiembre de 2018

septiembre 30, 2018

Pascal Gaigne - Los Mundos Sutiles - 2012

Score del compositor Pascal Gaigne para el documental Los Mundos Sutiles (2012), escrito y dirigido por Eduardo Chapero-Jackson, el autor de Verbo, donde también colaboró Pascal, quien compuso un brillante trabajo.
El documental versa sobra la poesía de Antonio Machado, y el compositor ofrece un score compuesto enteramente con electrónica, donde nos brinda un trabajo de bella factura, sugerente, espiritual y envolvente, una experiencia sonora, como desmuestran los cortes Los Mundos Sutiles (Part I y Part II), con un bonito sonido de percusiones y cuerdas, el sonido etéreo y envolvente de cortes como Nostalgia, o el magnífico ritmo percusivo y electrónico de Sol Naciente.

El documental versa sobra la poesía de Antonio Machado, y el compositor ofrece un score compuesto enteramente con electrónica, donde nos brinda un trabajo de bella factura, sugerente, espiritual y envolvente, una experiencia sonora, como desmuestran los cortes Los Mundos Sutiles (Part I y Part II), con un bonito sonido de percusiones y cuerdas, el sonido etéreo y envolvente de cortes como Nostalgia, o el magnífico ritmo percusivo y electrónico de Sol Naciente.

01. Los Mundos Sutiles (Part 1) (4:50)
02. Campos De Castilla / Derviches (4:24)
03. República (7:15)
04. Los Mundos Sutiles (Part 2) (3:35)
05. Vaso Negro (4:29)
06. Habitación Verde (7:10)
07. Ingrávidos (Part 1) (5:24)
08. Sol Naciente (4:42)
09. Nostalgia (3:40)
10. Viajo Solo (2:33)
11. Los Mundos Sutiles (Part 3) (3:24)
12. Ingravidos (Part 2) (3:37)
13. Rapass (2:03)
14. Los Mundos Sutiles (Part 4) (3:19)
 

 

martes, 25 de septiembre de 2018

septiembre 25, 2018

Alasdair Fraser & Natalie Haas - In The Moment - 2007

En 2004 Alasdair nos presentó un nuevo y exquisito dúo junto a la violonchelista Natalie Haas, con la que publicó el brillante álbum "Fire and Grace" y dos volúmenes del "Legado del Violín Escocés". Un éxito absoluto.
 
Desde el año 2007 Alasdair continúa actuando en directo con Natalie Haas, presentando su delicioso nuevo disco juntos, “In The Moment”.

Juntos, Alasdair y Natalie son capaces de explorar al mismo tiempo el sonido más tradicional y las nuevas posibilidades de la fusión violín / cello en una propuesta absolutamente exquisita. “El cello ha sido siempre el corazón rítmico de la música popular escocesa”, dice Fraser, “Natalie Haas es la compañera perfecta: nos complementamos, nos sumergimos en el territorio del otro, sentimos y vibramos juntos. Liberamos el cello de su atadura orquestal, para dejar que su ritmo se exprese junto a la melodía del violín”.
El resultado, como no podía ser de otra forma, está siendo aclamado en recitales y festivales de todo el mundo: la música tradicional escocesa contagia más energía que nunca.

01. Valley of the Moon Reel (4:01)
02. Between (5:56)
03. Alien Ceilidh (4:01)
04. Salamanca (4:33)
05. Cuillin Nights (3:58)
06. John MacDonald's (5:23)
07. Miss Laura Risk (4:20)
08. Giga de Tenerife (3:09)
09. Natalie Mariah (4:11)
10. Trip to Pakistan (3:25)
11. Christina (3:42)
12. Cameron's Caper (5:25)
13. Willie Fernie (4:08)
14. Rob Fraser's Welcome to San Francisco (4:16)


 


uente: http://www.syntorama.com/cas/artistas/alasdair_fraser-natalie_haas

jueves, 20 de septiembre de 2018

septiembre 20, 2018

Awa Poulo - Poulo Warali

Awa Poulo es una cantante procedente de Mali, más concretamente de los Peulh, el pueblo nómada más grande del mundo.

Awesome Tapes From Africa presenta ahora la nueva grabación de Poulo, con grandes dosis de folk-pop y con una visión contemporánea de la música de los Peulh. No es muy común encontrar a una cantante femenina que actúe en directo entre los Peulh, pero casualmente la otra mujer del marido de la madre de Poulo es Inna Baba Coulibaly, también una reconocida cantante en Mali.

Awa Poulo is a singer of Peulh origin from Dilly commune, Mali, near the border with Mauritania. Largely pastoral and often nomadic, Peulh- (or Fula-)speaking peoples are found from Senegal to Ethiopia but predominate in the Sahel region of West Africa. Awesome Tapes From Africa is proud to release Poulo’s newest recording of highly virtuosic folk-pop, fresh from the studio, broadcasting her vision of Peulh music beyond the grazing grounds and central markets of her remote home region in southwestern Mali.

It’s not very common to find a female singer performing publicly among the Peulh. But Poulo’s mother’s co-wife is Inna Baba Coulibaly, who is a celebrated singer most Malian music fans know. Coulibaly herself was brought into music by forces outside her control when a regional music contest required an entry from her village and she was chosen to be a singer. So, set in motion by a surprising series of events, young Poulo’s entree into the music world was auspicious as she gained popularity across the region. After several locally released tapes and CDs, this record is Poulo’s first internationally-distributed record.

On Poulo Warali, she and her band combine the hallmarks of Peulh music—warm flute floating over cross-rhythmic n’goni (lute) riffs and resonant calabash gourd hand percussion—with broader Malian sounds like lightly-distorted guitar and a heavier, rollicking inertia. Shape-shifting layers of rhythm and woody overtones match Poulo’s commanding voice in a jocular yet deliberate dance.

This is a relatively rare example of Malian Peulh music played in a modern, cosmopolitan context, reflecting the mixed society of Dilly, where Bambara, Soninke and Peulh-speaking people live among each other.
Poulo’s conscious lyrics about community concerns speak to the distinctive identity of her broadly-flung people. While Peulh represents less than 10% of Mali’s melting pot of languages, the dynamic music here powerfully resonates well beyond the linguistic borders.
credits

Awa Poulo — Voice
Kande Sissoko — N’goni
Cheickne Diabate — Guitar, Bass Guitar
Souley Guindo —Flute
Sana Diarra — Calabash

Produced by Paul Chandler & Studio Mali Recordings
Recorded by Konan Kouassi at Studio Mali Records in Bamako, Mali
Edited by Philip Sanmiguel
Photography by Oumou Diarra

Awa Thanks:
Inna Baba Coulibaly — My mother, my mentor and inspiration
Mamadou Djadje Bah — My helpful friend
Abdoulah Aziz Diallo — President of the Association of Peulh in Mali
Abba Coulibaly — My brother, who helped in the recording studio

1. Dimo Yaou Tata 04:34
2. Djulau 04:13
3. Djara Wilam 04:31
4. Mido Yirima 03:32
5. Noumou Foli 04:24
6. Poulo Hoto Ngari 03:39
7. Poulo Warali 04:47
8. Sidy Modibo 04:31

    
Fuente:
 https://awapoulo.bandcamp.com/album/poulo-warali

sábado, 15 de septiembre de 2018

septiembre 15, 2018

BraAgas - Fuerte - 2012

Las canciones de edad media - melodías suaves, vocales espléndidos - un repertorio compuesto de Cantigas de St. Maria, Carmina burana, Libre Vermell, canciones antiguas sefardíes, occitanas, nórdicas y centroeuropeas acompañadas con instrumentos musicales históricos.

The fourth studio-album by BraAgas. The title alone (Fuerte means strong in Spanish) shows that there were some changes compared to previous recordings, the album contains more dynamic, almost dance songs. Of course, it is still the typical production of BraAgas, selection of folk songs from Iberia or the Balkans, countries whose songs BraAgas love to arrange. Fuerte has no aspiration to be compared to previous successful album Tapas, more likely the album loosely picks up where Tapas left off, mostly in the more dynamic moments of the band.

Kateřina Göttlichová - voz, cistra, gitarra, gaita
Karla Braunová - voz, flutas, chalumeau, bastardillas, clarinet
Michala Hrbková - voz, fidula, cistra
Michaela Krbcová - percusiones, voz


 01 Chin Glin Din
02 Jana i Turcin
03 Gledaj mi Libe
04 Caje Šukarije
05 La Serena
06 Lewone
07 Fraile Cornudo
08 Yo me Levantí
09 Nazad (Diginla Viper Version)
10 Tua Nai e Meiga (Diginla Dark Version)
11 Radule
12 Caje Šukarije (Balco Chromium Version)







Fuente:
http://www.braagas.com/es/banda.htm

lunes, 10 de septiembre de 2018

septiembre 10, 2018

Roberto Fonseca - ABUC - 2016


Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC, que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.

Nacido en La Habana en 1975, Roberto Fonseca ha compartido escenario con leyendas de la música cubana como Cachaíto López, Manuel "Guajiro" Mirabal y Manuel Galbán, tocando en diversos países del mundo en más de 400 conciertos. Ha vivido con la música desde siempre; de hecho, su madre Mercedes Cortés Alfaro es una cantante que fue bailarina en Tropicana Club de La Habana (canta en el álbum Zamazu, 2007), y su padre Roberto Fonseca Durades, baterista. El pianista tiene en su haber un máster en composición obtenido en el Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), y ha sido profesor de música. Con solo 15 años grabó su primer CD, En el Comienzo, junto a Javier Zalba y el grupo Temperamento, el cual fue nombrado Mejor Álbum de Jazz de Cuba en 1999.

Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.

ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.


Tracks list:
01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)

 


Página web oficial: ABUC – Roberto Fonseca