Radio Minorias

Uniendo Culturas

AYUDA AL MATENIMIENTO DE ESTA RADIO

Post Top Ad

viernes, 15 de junio de 2018

junio 15, 2018

Kanda Bongo Man - King Of Kwassa Kwassa - 2011

El "Kwassa Kwassa" es un variante del soukous (un tipo de rumba africana bastante peculiar) caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo. Y es el Kwassa Kwassa el que sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana.

Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dio a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.

La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.


CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame

domingo, 10 de junio de 2018

junio 10, 2018

The Soil - Nostalgic Moments - 2014

El canto a capella es una de las grandes tradiciones de la música sudafricana, y The Soil ha transformado el género con un abordaje valientemente contemporáneo. En poco menos de cuatro años, desde el lanzamiento de su disco homónimo de múltiples premios y doble disco platino, The Soil ya se ha ganado un puesto en el corazón del mundo de la música. Su estilo es definido como "Kasi Soul", una mezcla ecléctica de géneros musicales a golpe de swing, hip-hop, afro-pop, soul y jazz. De vez en cuando suenan como una versión simplificada o puesta al día de Ladysmith Black Mambazo, con quienes interpretan "Hamba Uyosebenza". Como Ladysmith, bien podrían ser masivamente conocidos, pero han optado por conservar sus raíces africanas.

Cada miembro del grupo juega un papel distintivo, con Buhlebendalo Mda como líder, Ntsika Fana Ngxanga que añade líneas de armonía robustas, y su hermano Luphindo "Master P" como human beatbox. Con Nostalgic Moments (2014), The Soil continúa con su objetivo de fusionar sus voces para regalarnos mensajes melódicos y armoniosos dirigidos a elevar el espíritu para el disfrute de todos los públicos.


01. Unspoken Word (Intro)
02. We Are One (Celebrate Humanity)
03. Susan (feat. Khuli Chana)
04. Noma Ungahamba
05. Streets of Soweto
06. Hamba Uyosebenza (feat. Ladysmith Black Mambazo)
07. Ndibambe Kanje
08. Before
09. Andinanto
10. Asante Sana
11. Mkhuluwa

martes, 5 de junio de 2018

junio 05, 2018

Uxía - Meu Canto - 2011

Veinticinco años de carrera artística convierten a Uxía en una de las voces más populares y valoradas en lengua gallega. Sus canciones siguen teniendo la presencia latente de la música tradicional tratada de forma innovadora. Meu Canto (2011), su nuevo trabajo, es un poético viaje, a través de Brasil y Portugal, al corazón del canto galego.
Uxía Senlle, Uxía, comenzó a cantar muy joven, atraída por las más diversas expresiones musicales populares y manifestando una fuerte inclinación por la poesía gallega, de cuya divulgación se ha encargado a través de sus composiciones. En 1986, con el album Foliada de Marzo, Uxía acabó por marcar el panorama de la música popular gallega al restaurar la tradición largarmente interrumpida del canto. Los músicos que la acompañaron en el estudio acabaron por convertirse, en 1987, en sus compañeros en el sendero de la música, cuando la invitaron a integrarse en el grupo Na Lúa. Pocos meses despues, el disco A estrela de Maio exhibía ya su hermosa y expresiva voz.

Su trayectoria en esta etapa, coincide con la del propio grupo Na Lúa, realizando numerosos conciertos dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1988, en Lisboa, sería grabado Ondas do Mar de Vigo (Premia do Critico Golego) y que constituye la última señal discográfica de su paso por Na Lúa. En 1991, Uxía abandona el grupo y publica su segundo album como solista, el cosmopólita Entre cidades.
El 6 de Marzo de 1994 forma parte del espectáculo "Mulleres a viva voz", junto a Amália Rodrígues y María del Mar Bonet, y también en la mustra luso-galega "Bailía das Frores, Os Sons da Fala", con presencia de artistas de Cabo Verde, Angola, Mozambique y Portugal y, posteriormente, fue la responsable del diseño y coordinación de un espectaculo de mujeres que reunió a cantantes de los más diversos estilos (Leilía, María Joao, Filipa Pais, María González, Minela, María del Mar Bonet y la propia Uxía).

En 1995 Uxía graba para Nubenegra su Estou vivindo no ceo. Un disco sereno e intimista, donde la voz más interesante de Galicia reivindica su condición de raiana (fronteriza) atravesando, cuantas veces considera, la línea administrativa que separa Galicía de Portugal. Julio Pereira, figura indiscutible de la música popular portuguesa, participa activamente en la gestación y desarrollo de la grabación. En 1997 Uxía se reune con María Salgado, Rasha (Sudán) y Xesús Pimentel (guitarrista) para editar La Sal de la Vida, un delicioso disco donde se festeja la posibilidad de reunir modos muy distintos de acercarse a la canción y celebrar el entendimiento mutuo y la complicidad de artistas e intérpretes como un canto vital a la diversidad.

En 2000, Uxía publica Danza das Areas, una propuesta musical compleja en la que participan más de 40 vocalistas, entre las y los que destacan Dulce Pontes, Xosé Manuel Budiño, María del Mar Bonet, Karen Matheson, Donald Shaw (Capercaillie), Michael McGoldrick, João Afonso, Susana Seivane y Quim Fariña. Eterno navegar, su quinto disco en solitario, no llega hasta 2008, en el que se rodea de artistas galegos, africanos y portugueses.

Y en 2011 llega Meu Canto, una relectura de los temas fundamentales del repertorio en directo de Uxía y temas que hasta ahora nunca había abordado. Una propuesta limpia de artificios en la que lo fundamental es su excepcional voz, una voz hermosa y serena que huye del virtuosismo exhibicionista y se hace transparente, para mostrarnos una artista madura, que hace tiempo que comprendió que no hay nada más sofisticado que lo esencial y que la voz es el único instrumento que nunca miente.

Meu Canto es un ejercicio de reflexión sobre el acto de cantar y las emociones que provoca, sobre la voz y la esencia, siguiendo la estela de una cultura que viaja y cambia el significado y la naturaleza de las fronteras. En esta ocasión su travesía nos lleva a Brasil, donde fue grabado este trabajo (en los estudios Biscoito Fino en Rio de Janeiro). Para Meu Canto Uxía ha seleccionado 15 canciones, muchas cantadas en portugués, que van desde los ritmos animados de "Alalás encadeados" a la popular canción de cuna "A Rianxeira', un homenaje a la Virgen de Guadalupe cuyo trasfondo es la emigración en barco del pueblo gallego a América, especialmente a México.

Producido por Jaime Alem (productor de Maria Bethânia), y contando con el talento y la complicidad del virtuoso multiinstrumentista Sérgio Tannus, el disco entronca, sin esfuerzos, estilos brasileños con su propia sensibilidad gallega. Canciones como "Cantar e Sorrir", con un texto recitado por Carlos Blanco, establece la atmósfera. "Como la Cigarra", con toques de acordeón, evoca con suavidad a la gran cantora argentina Mercedes Sosa. La ternura de "Os teus ollos", dueto con el cantante brasileño Lenine, paraliza de emoción, al igual que su versión de "Menino de bairro negro", del portugués José Afonso. Meu Canto nos ofrece una serie de canciones que nos da a comprender lo que es cantar para aquellas y aquellos artistas que lo llevan en la sangre, en la vida, con la convicción de que un pueblo que cantó desde tiempos inmemorables no puede perder un instrumento tan fundamental como la propia voz. Algo muy cercano a un álbum perfecto.
01. Verde gaio
02. A Rianxeira
03. Os teus ollos (con Lenine)
04. Daquelas que cantan
05. Alalás encadeados
06. Menino do bairro negro
07. Minha missão
08. Cantar e Sorrir
09. Rosa Namorada
10. Terra minha e sua (con Socorro Lira)
11. Ramo Verde
12. O Cuco a Cantar (con Fred Martins)
13. Como la Cigarra
14. Xente da festa
15. Alalá das Mariñas

 
 


 Página web oficial: Uxía

miércoles, 30 de mayo de 2018

mayo 30, 2018

Ghazalaw - Ghazalaw - 2015

Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.
En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.
Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. 

El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan

viernes, 25 de mayo de 2018

mayo 25, 2018

Agnes Obel - Citizen of Glass - 2016

Citizen of Glass, el extraordinario nuevo trabajo de la pianista danesa Agnes Obel, contiene infinidad de momentos de incalculable belleza. Música de cámara, apta para todos los públicos, donde la oscuridad de fondo se deja vencer por la luminosa y profunda voz de Obel. Un disco redondo, íntimo e inmenso, del que no querrás salir jamás. Una obra maestra.

Agnes Obel tiene un curioso punto ciego de la pena. Un punto en que pasan muchas cosas pero con una levedad y un encapsulado de gramaje tan místico que se hace predecible y épico a la vez. No es raro que la danesa haya encontrado su patria en una zona común en la que la orquesta filarmónica pueda ser en un momento dado una pura herramienta para convertir gemas de folk-pop mínimo en una especie de banda sonora de una película imaginaria.


 01. Stretch Your Eyes (5:11)
02. Familair (3:56)
03. Red Virgin Soil (2:43)
04. It's Happening Again (4:20)
05. Stone (3:57)
06. Trojan Horses (5:34)
07. Citizen Of Glass (2:49)
08. Golden Green (3:59)
09. Grasshopper (2:38)
10. Mary (5:47)

 


Fuente: http://www.mondosonoro.com/criticas/discos-musica/agnes-obel-citizen-of-glass/

http://www.cuatropistas.com/actualidad/critica-agnes-obel-citizen-of-glass/

domingo, 20 de mayo de 2018

mayo 20, 2018

Mokhtar Samba - Wdr Big Band Cologne - Musique d'Afrique

Ende August 2015 zündete die WDR Big Band in der Kölner Philharmonie ein imposantes Feuerwerk der afrikanischen Klangfarben und Rhythmen. Die Gäste waren Mokhtar Samba - Schlagzeug, sein Sohn Reda Samba - Percussion, Rhani Krija - Perkussion, Henry Dorina - E-Bass, Woz Kaly - Gesang und Jean-Philippe Rykiel -Keyboard. Arrangiert wurden die Stücke von Michael Mossmann, der dieses Großprojekt auch geleitet hat. Präsentiert wird die Musik von Mokhtar Samba: hier geht es um pulsierende Rhythmen und hypnotisierende Melodien.

Mokhtar beschreibt: „ Für mich steht die Melodie an erster Stelle. Weil Melodien Menschen verändern können. Wenn man traurig ist und eine Melodie singt, kann es einen aufmuntern. Andererseits kann dich eine Ballade aber auch sehr traurig stimmen. Da muss man nur einmal einem großen Sänger wie Stevie Wonder zuhören, wie er die Melodien singt. Deshalb ist die Melodie für mich sehr wichtig.“
Weil sich Mokhtar Samba der Musik seiner Vorfahren ganz eng verbunden fühlt, sind seine Stücke natürlich auch ganz wesentlich von der Urkraft der afrikanischen Rhythmen geprägt.

Mokthar Samba führt aus: „In Marokko gibt es auf allen Festen Musik: bei Hochzeiten und Geburtstagen, überall spielt die Musik, laute Musik. Die Musik ist überall präsent. Meine erste Begegnung mit Musik war bei Hochzeiten, zu denen mich meine Mutter mitnahm. In Marokko haben wir solche Rhythmen: (singt). Für uns ist das ganz natürlich, wie vielleicht hier in Köln das Kölsch. Das mit den Rhythmen fängt bei uns schon im Bauch der Mutter an. Ich habe früh mit afrikanischer Percussion angefangen, dann bin ich mit 12 Jahren nach Frankreich gezogen. Ich bin zwar Autodidakt, mir wurde aber mit 15 Jahren klar, wie wichtig es ist, ans Konservatorium zu gehen, wo ich mich dann später eingeschrieben habe.“

Dass ein erfolgreicher Schlagzeuger ausgerechnet den Namen Samba trägt, ist reiner Zufall: „Das stimmt,“ sagt Mokhtar, „die Leute amüsieren sich oft, wenn sie hören: aha, Mokhtar Samba ist also ein Schlagzeuger. Der liebe Gott hat mir nicht viel geschenkt, aber dieses Geschenk hat er mir immerhin gemacht.“

Samba saugt die unterschiedlichen kulturellen Einflüsse auf, seine Musik ist damit auch stets so etwas wie eine in Töne gefasste Autobiografie. Die „mélange“ ist bei Samba ein zentraler Begriff:  Er mischt und kombiniert die Sprache des Jazz mit afrikanischen Elementen und versetzt damit die Grenzlinien dieser Mixtur um ein gutes Stück weiter.

1 Valse Des Pharaons
2 Senegal
3 Emattéo
4 Suite for Africa
5 Dou
6 The Á la Menthe
7 Malik

martes, 15 de mayo de 2018

mayo 15, 2018

Oumou Sangaré - Mogoya - 2017

Oumou Sangaré fue coronada hace tiempo realeza musical en Malí. Conocida por sus voces formidables y sus mensajes sin miedo, se conoce tanto por su soberanía femenina como por su profundidad integral del estilo tradicional. A finales de los ochenta obtuvo popularidad con su interpretación de la música Wassoulou, un estilo regional basado en canciones de cazadores de larga tradición que tienen un fuerte vínculo con el blues africano, soul y funk. La celebración de un Grammy a su nombre, no es sólo una estrella africana, sino una figura internacional.
Su último lanzamiento, el último en nueve años, se llama Mogoya que significa 'La gente de hoy', el álbum habla de las luchas cotidianas de los que viven en Malí, en particular a las luchas de las mujeres. Las canciones ponen al descubierto un alma de corazón de león dedicadamente entregando cuentos de conflicto emocional.

La segunda canción 'Yere Faga' con Tony Allen (ex baterista de Fela Kuti) es una pieza infestada de groove. Este latido se arrastra directamente bajo tu piel. Comenzando con una ráfaga de bellas voces de capas inmediatas, los fantasmas back-beats comienzan a formar la marcha a su protesta. Sangaré es una diva con voces ricas pero desafortunadamente, la fuerza de sus letras crudas sensacionalmente cargadas es sofocada por la reverberación. Sin embargo, hay una gran fuerza en el minimalismo de esta pista, donde ningún instrumento habla sobre la voz principal y le permite concentrarse completamente. Las lluvias rápidas de la guitarra eléctrica y las melodías que giran alrededor de sus zancadas vocales.

1. Bena Bena
2. Yere Faga Ft. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya
 

jueves, 10 de mayo de 2018

mayo 10, 2018

Bholoja - Swazi Soul – 2010

Bholoja (Mbongiseni Ngubane) es un joven y sobredotado músico, muy celebrado en su país de origen, Suazilandia. Su llamativa voz multicolor y su talento para escribir canciones se ha canjeado la admiración de su corte de seguidores/as, que se ha expandido más allá de las fronteras de su tierra. Su inspiración es la tradición y el modo de vida Suazi; su música (que incluye mbira, sitolotolo y armonías tradicionales) busca asegurar que una parte esencial del patrimonio cultural Suazi no sea víctima de la negligencia histórica.

La música de Bholoja, que se encuadra en el llamado “Swazi Soul” (una combinación de folk, soul y afro-jazz), va ganando en popularidad tanto en Suazilandia como en el sur de África, y encaja como una narrativa social, hablando a la misma conciencia del oyente gracias a su fuerza como letrista. La mayoría de sus canciones se centran en cuestiones sociales y económicas que rigen la vida cotidiana de las personas. Con un sentido del humor contagioso y optimista que prevalece a través de toda su música, su atractivo se extiende tanto a jóvenes como a mayores gracias a su capacidad de crear un sonido único apreciable por el público de origen multicultural.

Desde que debutara en 2004, su crecimiento como artista se ha ido viendo a medida que ha compartido escenarios con grandes nombres como Lokua Kanza, Oliver Mtukudzi, Freshlyground y Hugh Masekela, entre otros.

Swazi Soul (2010) y Swazi Soul II: Luyasikwa Luyamila (2016) son las muestras de su estilo único, los cimientos para que las y los cantantes de su tierra abracen su lengua y compartan historias de Suazi a través del canal de sus canciones conducidas por su guitarra.



Tracks list: 
01. Indzawo Yami
02. Mbombela
03. Ikhonkhotsa llele
04. From Zero to Hero
05. Ngikhumbula Ngisemncane
06. Africa Unite
07. Iyakhalindvodza
08. Umkhuleko
09. You And I
10. Umhlaba Uyahlaba
11. Ilawonde
12. King Somhlolo's Dream

 

Página web oficial: Bholoja

sábado, 5 de mayo de 2018

mayo 05, 2018

Cecile Corbel - Harpe Celtique & Chants Du Monde

Cécile Corbel , née le 28 mars 1980 à Pont-Croix ( Finistère , Bretagne ), est une harpiste auteure-compositrice-interprète française d'expression bretonne et japonaise . Avec sa harpe celtique , elle a commencé par interpréter le répertoire traditionnel celtique , avant de composer ses propres mélodies. Ses influences sont multiples, en passant du folk aux musiques du monde , de la musique classique à la musique contemporaine .

Sa voix particulière ouvre sur un univers celtique, onirique , romantique , médiéval ou encore baroque . Cécile Corbel chante dans de nombreuses langues, dont le français, le breton ou l'anglais et a interprété des chansons en allemand, espagnol, italien, gaélique , turc et japonais.

Elle est auteure de plusieurs albums, dont quatre « Songbook », et signe notamment en 2010 la bande originale du film Arrietty, le petit monde des chapardeurs du Studio Ghibli , disque d'or au Japon. En 2014, elle signe chez Polydor et sort l'album La Fiancée , puis Vagabonde le 7 octobre 2016. 

1 An hini a garan 5:00
2 Bran 4:38
3 Shir al Etz 3:51
4 Hija mía 4:24
5 Je m’endors 3:57
6 Valse des Ondines 3:42




Fuente:
https://fr.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9cile_Corbel

lunes, 30 de abril de 2018

abril 30, 2018

Martin Hayes & Dennis Cahill - Welcome Here Again

Un Virtuoso del violín irlandés Martin Hayes y un guitarrista nacido en Chicago, Dennis Cahill poseen un raro, casi telepático parentesco musical. El nuevo álbum del dúo, es una nueva partida; dieciocho pistas, una de ellas no más de siete minutos, pero con la misma intensidad y la profundidad de la emoción que se encuentra en sus anteriores colaboraciones, Lonesome Touch (1997) y en Live in Seattle (1999).

miércoles, 25 de abril de 2018

abril 25, 2018

Richard Searles - Celtic Cross - 1995

Richard Searles es un guitarrista de formación clásica que utiliza elementos de la musica celta, renacentista y las influencias de la música World mezcladas para crear una experiencia a la vez relajante y evocadora. Los sonidos ricos y melódicas de su guitarra Mattingly  traen a la vida tanto la música tradicional de una época pasada, así como sus propias composiciones originales.

Searles desarrolló un buen oído para los sonidos atractivos de muchas músicas a través de sus viajes a Gran Bretaña, África, Asia y el Oriente Medio. Estas experiencias ensanchan y se unen entre sí con una apreciación natural y profunda de la belleza inherente de los sonidos y ritmos de la Tierra de una manera que hace que su música transporta al oyente a nuevos reinos unidos solamente por la imaginación.

Richard Searles - Guitars
Patricia Mabee - Harpsichord
Laura Stone - Oboe
Mark Born - Concertina
Curtis Berak - Hurdy Gurdy
Tal Herzberg - Acoustic Bass
Ron Wagner - Percusion
David Stenske - 1st Violin
Ed Persi - 2nd Violin
Matt Funes - Viola
Steve Velez - Cello 


01. Cabalgata (03:52)
02. A Thousand Curses on Love (02:48)
03. Wet is the Night (01:44)
04. Abercairney House (02:21)
05. An Dro (02:56)
06. My Dark Haired Maid from Cornaig (02:58)
07. Rondes (02:38)
08. Sir Festus Burke (02:16)
09. Laride A Huit Temps (02:47)
10. The White Houses of Sheildaig (03:03)
11. The Bedding of the Bride (03:33)
12. Laride A Six Temps (02:28)
13. Clanranald (02:29)
14. The Fyket (02:37)
15. An Occasional Song (03:00)
16. Galician Dance (02:29)
17. The Haggis (02:01)
18. No Surrender (02:40)
19. Tavern on the Moor (01:59)


viernes, 20 de abril de 2018

abril 20, 2018

Toru Takemitsu - Ran - BSO - 1985 - Japon

Un sonido es, sin duda, algo vivo. Es como la naturaleza, que no tiene individualidad. Igual que las transformaciones de viento y agua son complejas, un sonido se hace rico o incluso pobre. Eso depende de cómo nuestras sensibilidades acepten el sonido. Nosotros los compositores no deberíamos asumir una actitud arrogante frente al sonido, porque escribimos música en colaboración con sonidos. Lo que importa es cómo podemos hacer realmente natural el acto artificial de escribir música.
(Toru Takemitsu)
Ran (1985), cuya banda sonora es de  Toru Takemitsu, nuevamente la imagen, el escenario y los personajes tienen todo el protagonismo. Me encuentro contemplando vastas montañas verdes, en pleno siglo XVI en el cual reinan y luchan entre ellas grandes familias samuráis. Ante semejante escenario vuelvo a abstraerme de la presencia de la música.
La imagen y el sonido lo son todo, aunque pareciera que de pronto se hizo el silencio. ¿O quizás es la misma música la que nos mete en el ambiente de la película? Lo mismo sucede con la obra de Toru Takemitsu.  Es como si hubiera un pacto entre la historia y la música que acompaña a dicha historia, un pacto de respeto hacia el sonido que viene directamente del ambiente natural, los diálogos entre los personajes y el ritmo que los acontecimientos proponen, para que el resultado sea una perfecta armonía entre imagen y sonido. Takemitsu maneja conceptos que le serán determinantes a lo largo de su carrera como compositor. La idea de nuevos colores sonoros, obteniendo nuevos sonidos extraídos de las películas y que entren a formar parte de ella. Así también en su imaginería musical forman parte importante la pintura, sus mismos sueños y su visión tradicional del jardín japonés.