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domingo, 15 de julio de 2018

julio 15, 2018

Kiran Ahluwalia - Sanata Stillness - 2015

Sanata: Stillness (2015) es el nuevo trabajo de Kiran Ahluwalia, creando al frente de su sólida banda un sonido transcultural e innovador a la vez que contemplativo y seductor para el baile. Grooves paquistaníes se aunan con ritmos de raga hindú y se fusionan de manera natural con los hipnóticos blues saharianos y el concepto improvisatorio del jazz occidental.
Gracias a un encuentro casual con los legendarios Tinariwen, Kiran quedó fascinada por las guitarras tuareg del desierto del Sahara. Después de estudiar estas y otras músicas de África Occidental, quedó convencida de que tenía que añadir a sus ideas compositoras sus ritmos adictivos, hipnóticos y cíclicos. El resultado fue el extraordinario Aam Zameen: Common Ground (2011), con la participación de los malienses Tinariwen y Terafakt.

En Sanata: Stillness esta influencia se sigue dejando sentir, encontrándonos un buen híbrido de la música indo-sahariana, una especie de síntesis de música de India, jazz y los sonidos subsaharianos, todos aderezados con un estilo únicamente suyo. El resultado carece de temporalidad y fronteras, entrando en un contexto global y moderno que abarca el futuro pero se mantiene con sólidas raíces en la tradición.


01. Hayat
02. Jaane Na
03. Sanata
04. Tamana
05. Hum Dono
06. Jhoom
07. Taskeen
08. Qaza
09. Lament


martes, 10 de julio de 2018

julio 10, 2018

NO Blues - Oh Yeah Habibi - 2015

Si buscamos la palabra "arabicana", encontraremos un género y sus inventores: NO Blues, una mezcla única de la cultura musical americana (folk, blues y country) y la música árabe. Incluso después de diez años como banda, sigue siendo única en el mundo. En el nuevo álbum Oh Yeah Habibi, NO Blues tiende un puente entre Oriente y Occidente navegando por el Nilo y el Mississippi y sus deltas musicales.
En 2004 Rob Kramer - director artístico de productiehuis Oost-Nederland - invitó a tres virtuosos de las cuerdas para una sesión de tres días que dio, como resultado, un concierto conjunto. La sinergia desarrollada de forma espontánea entre Anne-Maarten van Heuvelen (bajo), Ad van Meurs (guitarra) y Haytham Safia (u'd - laúd árabe) condujo a cientos de espectáculos y cuatro discos como NO Blues, siendo su debut Farewell Shalabiye (2005) un éxito inmediato. En 2007 NO Blues se convierte en quinteto con la incorporación del percusionista Osama Maleegi y la vocalista y productora Ankie Keultjes. Desde entonces, conquistan a amantes de su música en Francia, Grecia, México y paises árabes con Ya Dunya (2007), Hela Hela (2011) y Kind of NO Blues (2013). Con Oh Yeah Habibi (2015) la banda continúa su viaje musical. Diez años de su mezcla única Arabicana!.

Oh Yeah Habibi suena directo y fresco como un álbum de debut. El intérprete de oud Haytham Safia señala que han vuelto a la esencia de la guitarra, oud, bajo y percusión. A diferencia de los discos anteriores, en NO Blues han decidido utilizar los acontecimientos actuales como temas de sus canciones. Temas como "Exodus" y "The World" giran en torno al drama de los refugiados, y "Two Trains" y "Gods Move" hacen referencia a los enfrentamientos religiosos. "Nos llamó la atención que nuestra música parecía tener una energía diferente después del ataque terrorista contra Charlie Hebdo", dice el bajista Anne-Maarten van Heuvelen. El guitarrista Ad van Meurs señala: "Nunca hemos sido una banda con contenido político, pero, definitivamente, no podemos mirar hacia otro lado tampoco".
Oh Yeah Habibi va más allá en la temática previa de NO Blues, y su aclamada "arabicana" por la crítica todavía sigue teniendo gran impacto y sorprendiendo. En este nuevo trabajo de doce pistas suben un nivel más en su abrazo musical entre este y oeste.


Tracks list:
01. Into The Caravan
02. Imta
03. Doubt
04. Two Trains
05. Ehsas
06. Exodus
07. The World Keeps Turning
08. Sudani
09. Oh Yeah Habibi
10. The Moment
11. Osama Blues
12. Gods Move

 

 

Página web oficial: NO Blues

jueves, 5 de julio de 2018

julio 05, 2018

Bruce Mitchell - Dancing on the Edge - 1989

El segundo disco de Bruce Mitchell para el sello Narada Mystique muestra la cálida y humana calidad de su música electrónica. Bruce siempre tiene un poco de pop en su trabajo, y eso es especialmente evidente en cortes como "Into the Fire" y "Across the Border". A él se le unen varios instrumentos acústicos, entre ellos el distintivo trabajo de violín de Alasdair Fraser.

Flute – Karen Doe
Percussion – Daniel Chase
Violin – Alasdair Fraser
Synthesizer – Bruce Mitchell

Género: Electronic
Estilo: New Age

1     South Winds     6:06
2     Another World     5:26
3     Golden Heart     2:20
4     Dancing On The Edge     4:25
5     Into The Fire     3:54
6     Vista     5:54
7     Across The Border     4:10
8     Timbuktu     4:55
9     Dream Journal     5:04
10     The Returning     3:38

sábado, 30 de junio de 2018

junio 30, 2018

Eric Tingstad, Nancy Rumbel and David Lanz - Woodlands



Woodlands es un CD de mundos sonoros acústicos interpretados por Eric Tingstad, Nancy Rumbel, y David Lanz. El album es suave y ambiental. El sonido incorpora los mejores esfuerzos de estos talentosos artistas. Las guitarras de Tingstad son, excelentes; los vientos de Rumbel son suaves y sedosos, y el piano de Lanz es maravilloso. La combinación crea un paisaje sonoro pastoral, con texturas orgánicas y elegantes.

Eric Tingstad - Guitar [Custom Built Classical, Ramirez 1a Classical, Martin 00-18 Steel String]
Nancy Rumbel - Ocarina, English Horn, Oboe, Performer [Cheng]
David Lanz - Piano, Keyboards

1     Willow 4:24
2     Magnolia 3:31
3     Oaks 4:38
4     Cypress 5:21
5     Cottonwood 4:48
6     Deodora 3:26
7     Sequoia 3:58
8     Woodlands 4:19
9     Bamboo 4:15
10     Madrona 3:40 

                                 

lunes, 25 de junio de 2018

junio 25, 2018

Ballaké Sissoko & Vincent Segal - Musique de Nuit - 2015

Es una historia que nos gusta: una historia que canta las verdades y virtudes de la amistad y la musicalidad. En 2009, el jugador kora Ballaké Sissoko y el violonchelista Vicente Segal decidieron entrar en un álbum conversaciones instrumentales que les gusta tejer cuatro manos durante muchos años. Inscrita en Bamako en el estudio de Salif Keita, Música de Cámara, que será seleccionado en los mejores discos del año para el NPR, The Guardian o Le Monde, atrae a un verdadero plebiscito de crítica y público, fuera del alcance de los géneros, patrones, fronteras. Desde entonces, la música del dúo de gran nobleza de espíritu y la simplicidad de un profundo, no ha dejado de pasear su belleza universal en todo el mundo. A lo largo de doscientos conciertos, como un nómada y la reina desnuda, ella proyecta desde Europa a China, Estados Unidos, Brasil, a navegar por las prestigiosas salas - Teatro de la Ciudad, el Barbican Centre, Wiener Konzerthaus, la Fundación Gulbenkian de Lisboa, Jacob Bloomington School of Music (clase magistral) ... - y festivales tan diversos como el Womad, Chicago World Music Festival, Cartagena Músicas do Mundo o Jerusalén Festival de Música Sacra ...

Seis años después de la Música de Cámara, la complicidad en el largo plazo entre los dos hombres, que no ha dejado de expandirse y crecer a lo largo de sus viajes, resuena más que nunca en la Noche de Música. Este es también uno-a-uno, sin la asistencia de otros instrumentistas, como Sissoko y Vincent Segal Ballaké tienen este tiempo elegido para unir fuerzas - fuerzas sin imprimación o limitaciones de los que don ' no tienen nada que ocultar, y todavía tiene mucho que ofrecer. La idea básica era, en cuanto a la música de cámara, para establecer sus diálogos en Bamako. Cómo fomentar una especie de conspiración poética, en un lugar íntimo exentos del imperio de la multitud, lejos de cualquier cosa que pueda distraer la atención y la inspiración. La locura de este siglo fue el responsable de la interrupción de un poco este fin; pero en última instancia justifica aún más. "Me fui de París 11 de enero 2015, Vincent Segal dice, es decir, unos días después de la muerte de Charlie Hebdo-, justo cuando Francia se llevaron a cabo en las grandes manifestaciones de apoyo."

Circunstancias desastrosas que ponen en penumbra en los dos amigos, pero confirman que en su determinación de "refugio del rumor del mundo" - en palabras del violonchelista. Noche de música es de ninguna manera una revisión de la actualidad; pero se eleva al menos como un contrapunto de intensa dulzura. Diseñado en el corazón de un país, Malí, que tampoco se salvó por la violencia, y unas cuantas horas de vuelo una Francia maltratadas, este disco suena en la gran algarabía de los hombres como una oda a la irreductible poder de susurros y de escucha, inteligencia buena y hermosa, el conocimiento sensible desarrollada en armonía. Noche de música es el resultado de dos sesiones capturados sobre la marcha, con capturas mínimas.

La primera noche se llevó a cabo después de la medianoche en el techo de la casa de Ballaké Sissoko: se da la cuestión de cuatro títulos - "A lado" del álbum - que tienen la belleza que es a la vez de precisa y liberado un baile. El segundo, día, tuvo lugar en una sala de estudio Bogolan cuyas vibraciones naturales abrigo de cada nota, cada terreno melódico. En ambos casos, la impresión de los lugares, de la vida y del aire caliente y seca alrededor, es palpable.

 De Niandou, la música de dúo está adornado susurro de Ntomikorobougou, este distrito fronterizo, mientras que estar cerca del corazón de Bamako, ya anuncia campaña y los alrededores del desierto. En las primeras playas al aire libre del álbum, sólo esta ligeramente humedecido hora de reverberación limpia de la noche, el oyente puede así entrar en la alerta en el siseo de fondo de los coches, el vuelo furtivo de un calvo -souris, el sonido de una alfombra de oración que sacude la canción lejana e inquietante de la sirenas o tren de la policía, el balido de las ovejas tranquila Ballaké Sissoko ... Y es como, con suavidad, con ternura El dúo conviait el mundo a entrar en su círculo. En la segunda y la solar parte del álbum, es la propia música que parece escapar e irradiar una miríada de ecos y evocaciones. Estos chips discretos robados desde el bastidor del disco Night Music maquillaje real con una profundidad de campo de un campo de la grabación. El directorio montado por Sissoko y Vincent Segal Ballaké entreteje canciones jugaron largo (Niandou, Música para bailar ...), en el que el dúo está trabajando para excavar nuevos caminos y piezas creadas en la plena verdad de momento. Comenzó como una meditación para los acentos casi místicas, que pronto se convierte en una melodía ligera, Passa Quatro toma su título de un pueblo de Minas Gerais, en el que Vicente Segal se detuvo en medio de una intensa gira en Brasil - "Me levanté por la mañana, si recuerda, y ver las colinas, sintiendo el sol me caliente, pensé Ballaké y tomé mi cello ... "Balazando hace su homenaje a la parte maravillosa tierra pero sufriendo desde el norte de Malí, una respiración árida del desierto y exuberante música que alimentó durante siglos. Con su atuendo señorial, tradicional N'kapalema despliega sus patrones majestad y rítmicas, más de un ejercicio virtuoso que une a los instrumentos desarrollados para imprimir, a veces la sensación de que dos kora se entrelazan ... A lo largo álbum, la distribución de roles y sonidos y forma trastorno más poética, y el par inferior de la misma ambigüedad poética crisol de la hermosa música que se juega todas las distancias. Con Diabaro abre la diurna Noche pendiente de música: una canción ancestral de benefactores bendición, en el que las voces de Morello Babani Kone, el único invitado en el disco, stands, incendios y cruje como un cante jondo bajo verano andaluz - una manera de celebrar la apertura de la música mandinga a otras culturas. Con Super Etoile, un homenaje a todos Youssou N'Dour

Vicente Segal refiriéndose a su descubrimiento de la música africana en el París de los años 90, el dúo mirando sabars a Senegal y Gambia - casa a medio Familia de Ballaké Sissoko. Precedido por un Preludio que despliega su progresión de acordes como una delicada ronda de pre-concierto caliente, Samba Tomora (el nombre de una kora afinación especial, especialmente practicada en Gambia) canta una canción de baile y fiesta disfruta de dar la espalda y la samba golpeado para alinear mejor los latidos del corazón de los dos músicos revertir. Dibujado entre las primeras composiciones del dúo, música de la noche, como un punto culminante, afijo para terminar una última normalmente mandinga señala el encantador cuaderno de viaje y la deriva. A ambos lados, ya través multifacética Night Music desvela misma libertad bajo y actos, donde las mentes se reúnen música mandinga, barroco, brasileña, el jazz, el gitano ... Si Vicente Segal evoca este Acerca Codona, el enganche fabulosa sin Fronteras formado a finales de los años 70 y 80 por Don Cherry y Collin Walcott Naná Vasconcelos, también piensa varias veces para jugar e invenciones clarividentes sobre Penguin Cafe Orchestra del inglés Simon Jeffes, que soñó que su música suena como "un gran sí para el corazón de la supervivencia, en un momento en que es atacado por las fuerzas de la frialdad, la oscuridad y la represión" ...

Las palabras que parecen describir los caminos abierta y sin limitaciones Sissoko y Vincent Segal Ballaké. Dos músicos suficientemente dueños de sus tradiciones, su arte y sus respectivos instrumentos, con el fin de concentrar el corazón y el alma de todo lo que trasciende y supera: la respiración, la interacción y el intercambio. Y así es como música de la noche, el tratado virtuosismo sereno hizo inmune a terribles rumores de la humanidad, lejos de cualquier demostración de fuerza, que celebra todavía conoce poéticamente hacer de este mundo habitable. Lejos de su ira, y más cerca de sus verdaderos indicios. - Richard Robert

"Me fui de París para encontrar Ballaké en Mali después de una semana tratando de enero de 2015. En Bamako esperanza parecía demasiado débil. La música es una cura, que nos protege de la furia del mundo. Jugamos en la noche el techo de la casa Ballaké justo en Bamako. Ntomikorobougou es el distrito Ballaké. De Sissoko, por Diabaté, una calle de tierra laterita músicos prodigiosos, valientes artesanos, vidas a menudo difíciles, mucha elegancia y discreción. Siempre tuvimos la idea de la grabación y que el área sea nuestro nido. Era como escuchar Ntomikorobougou kora y violonchelo finalmente capaz de dormir como un niño. Al día siguiente, los vecinos dijo que escuchamos nuestros susurros soñando ... " - Vicente Segal

01. Niandou (6:27)
02. Passa Quatro (4:58)
03. Balazando (6:20)
04. N'kapalema (7:54)
05. Diabaro (feat. Babani Kone) (5:19)
06. Super etoile (3:54)
07. Prelude (1:12)
08. Samba Tomora (3:50)
09. Musique de nuit (2:43)


miércoles, 20 de junio de 2018

junio 20, 2018

Mariza - Mundo - 2015

Transcurridos cinco años desde su último disco de estudio, Mariza pública su nuevo álbum Mundo (2015) bajo la producción de Javier Limón (que ya le produjo su anterior Terra en 2008). Un álbum muy esperado de una de las artistas más populares de Portugal y la representante mundial del Fado tras la admirada y siempre recordada Amália Rodríguez.

El Fado también le acompaña en este nuevo álbum, pero es un Fado moderno que abarca muchos conceptos, estilos y emociones, porque incluye ritmos de tango, flamenco, pop, sutiles toques de electrónica, africanos y antillanos, evocando otras culturas musicales. Cuenta con artistas de la talla de José Manuel Neto, guitarra portuguesa; Pedro Jóia, viola; Charlie Mendes, bajo; Alfonso Pérez, piano y teclados; Israel Suárez "Piraña" (percusión), y Javier Limón a la guitarra flamenca.

Es notable la voz de Mariza que enlaza a la perfección diferentes estilos musicales bajo el paraguas del Fado que todo lo abarca. Con este disco nos encontramos con una artista en plena madurez expresiva que presta a su voz unos matices nunca antes registrados. Impresionante.
01. Rio de Mágoa
02. Melhor de Mim
03. Alma
04. Saudade Solta
05. Sem Ti
06. Maldição
07. Padoce de Céu Azul
08. Caprichosa
09. Paixão
10. Anda o Sol Na Minha Rua
11. Adeus
12. Missangas
13. Sombra
14. Meu Amor Pequenino

viernes, 15 de junio de 2018

junio 15, 2018

Kanda Bongo Man - King Of Kwassa Kwassa - 2011

El "Kwassa Kwassa" es un variante del soukous (un tipo de rumba africana bastante peculiar) caracterizada por la rapidez de sus ritmos, en los que se combinan instrumentos tradicionales africanos con otros de origen europeo. Y es el Kwassa Kwassa el que sitúa a Kanda Bongo Man como uno de los gigantes de la música africana.

Su carrera en solitario comenzó a despegar después de trasladarse a París en 1979, donde su música comenzó a incorporar elementos de la entonces vibrante música zouk (originaria de las Antillas francesas). Sus primeros discos en solitario, Iyole en 1981 y Djessy en 1982, se convirtieron en seguida en grandes éxitos gracias a los cambios estructurales que implementó a la música soukous mediante el fomento de solos de guitarra después de cada verso y al principio de cada canción. Esta forma de abordar el soukous dió origen al Kwassa Kwassa como ritmo de baile, donde las caderas se mueven hacia delante y hacia atrás mientras las manos se mueven siguiendo a las caderas.

Detrás de la voz y la carismática presencia escénica de Kanga Bongo Man están las guitarras de Diblo Dibala y Rigo Star (que también enriquecieron, en su momento, los álbumes de Paul Simon y Papa Wemba), y las de Nene Tchakou y Dally Kimoko, considerados de los mejores guitarristas soukous del mundo, dando lugar a un hermanamiento que dio a su música una calidad maravillosamente alegre y resonante.

La presente recopilación, King Of Kwassa Kwassa (2011), recoge sus principales temas grabados entre 1984 y 1991, canciones que marcaron toda una era de soukous parisinos y que nos muestran una banda en el apogeo de su plenitud.


CD1
01. Malinga
02. Zing Zong
03. Belle Amie
04. Isambe
05. J.T.
06. Sai
07. Aime
08. Amour Fou
09. Bayembi
10. Monie

CD2
01. Naloti
02. Cantique
03. Iyole
04. Ebeneza
05. Djessy
06. Mosali
07. Mazina
08. Ekipe
09. Yonde Love Me
10. Emame

domingo, 10 de junio de 2018

junio 10, 2018

The Soil - Nostalgic Moments - 2014

El canto a capella es una de las grandes tradiciones de la música sudafricana, y The Soil ha transformado el género con un abordaje valientemente contemporáneo. En poco menos de cuatro años, desde el lanzamiento de su disco homónimo de múltiples premios y doble disco platino, The Soil ya se ha ganado un puesto en el corazón del mundo de la música. Su estilo es definido como "Kasi Soul", una mezcla ecléctica de géneros musicales a golpe de swing, hip-hop, afro-pop, soul y jazz. De vez en cuando suenan como una versión simplificada o puesta al día de Ladysmith Black Mambazo, con quienes interpretan "Hamba Uyosebenza". Como Ladysmith, bien podrían ser masivamente conocidos, pero han optado por conservar sus raíces africanas.

Cada miembro del grupo juega un papel distintivo, con Buhlebendalo Mda como líder, Ntsika Fana Ngxanga que añade líneas de armonía robustas, y su hermano Luphindo "Master P" como human beatbox. Con Nostalgic Moments (2014), The Soil continúa con su objetivo de fusionar sus voces para regalarnos mensajes melódicos y armoniosos dirigidos a elevar el espíritu para el disfrute de todos los públicos.


01. Unspoken Word (Intro)
02. We Are One (Celebrate Humanity)
03. Susan (feat. Khuli Chana)
04. Noma Ungahamba
05. Streets of Soweto
06. Hamba Uyosebenza (feat. Ladysmith Black Mambazo)
07. Ndibambe Kanje
08. Before
09. Andinanto
10. Asante Sana
11. Mkhuluwa

martes, 5 de junio de 2018

junio 05, 2018

Uxía - Meu Canto - 2011

Veinticinco años de carrera artística convierten a Uxía en una de las voces más populares y valoradas en lengua gallega. Sus canciones siguen teniendo la presencia latente de la música tradicional tratada de forma innovadora. Meu Canto (2011), su nuevo trabajo, es un poético viaje, a través de Brasil y Portugal, al corazón del canto galego.
Uxía Senlle, Uxía, comenzó a cantar muy joven, atraída por las más diversas expresiones musicales populares y manifestando una fuerte inclinación por la poesía gallega, de cuya divulgación se ha encargado a través de sus composiciones. En 1986, con el album Foliada de Marzo, Uxía acabó por marcar el panorama de la música popular gallega al restaurar la tradición largarmente interrumpida del canto. Los músicos que la acompañaron en el estudio acabaron por convertirse, en 1987, en sus compañeros en el sendero de la música, cuando la invitaron a integrarse en el grupo Na Lúa. Pocos meses despues, el disco A estrela de Maio exhibía ya su hermosa y expresiva voz.

Su trayectoria en esta etapa, coincide con la del propio grupo Na Lúa, realizando numerosos conciertos dentro y fuera de nuestras fronteras. En 1988, en Lisboa, sería grabado Ondas do Mar de Vigo (Premia do Critico Golego) y que constituye la última señal discográfica de su paso por Na Lúa. En 1991, Uxía abandona el grupo y publica su segundo album como solista, el cosmopólita Entre cidades.
El 6 de Marzo de 1994 forma parte del espectáculo "Mulleres a viva voz", junto a Amália Rodrígues y María del Mar Bonet, y también en la mustra luso-galega "Bailía das Frores, Os Sons da Fala", con presencia de artistas de Cabo Verde, Angola, Mozambique y Portugal y, posteriormente, fue la responsable del diseño y coordinación de un espectaculo de mujeres que reunió a cantantes de los más diversos estilos (Leilía, María Joao, Filipa Pais, María González, Minela, María del Mar Bonet y la propia Uxía).

En 1995 Uxía graba para Nubenegra su Estou vivindo no ceo. Un disco sereno e intimista, donde la voz más interesante de Galicia reivindica su condición de raiana (fronteriza) atravesando, cuantas veces considera, la línea administrativa que separa Galicía de Portugal. Julio Pereira, figura indiscutible de la música popular portuguesa, participa activamente en la gestación y desarrollo de la grabación. En 1997 Uxía se reune con María Salgado, Rasha (Sudán) y Xesús Pimentel (guitarrista) para editar La Sal de la Vida, un delicioso disco donde se festeja la posibilidad de reunir modos muy distintos de acercarse a la canción y celebrar el entendimiento mutuo y la complicidad de artistas e intérpretes como un canto vital a la diversidad.

En 2000, Uxía publica Danza das Areas, una propuesta musical compleja en la que participan más de 40 vocalistas, entre las y los que destacan Dulce Pontes, Xosé Manuel Budiño, María del Mar Bonet, Karen Matheson, Donald Shaw (Capercaillie), Michael McGoldrick, João Afonso, Susana Seivane y Quim Fariña. Eterno navegar, su quinto disco en solitario, no llega hasta 2008, en el que se rodea de artistas galegos, africanos y portugueses.

Y en 2011 llega Meu Canto, una relectura de los temas fundamentales del repertorio en directo de Uxía y temas que hasta ahora nunca había abordado. Una propuesta limpia de artificios en la que lo fundamental es su excepcional voz, una voz hermosa y serena que huye del virtuosismo exhibicionista y se hace transparente, para mostrarnos una artista madura, que hace tiempo que comprendió que no hay nada más sofisticado que lo esencial y que la voz es el único instrumento que nunca miente.

Meu Canto es un ejercicio de reflexión sobre el acto de cantar y las emociones que provoca, sobre la voz y la esencia, siguiendo la estela de una cultura que viaja y cambia el significado y la naturaleza de las fronteras. En esta ocasión su travesía nos lleva a Brasil, donde fue grabado este trabajo (en los estudios Biscoito Fino en Rio de Janeiro). Para Meu Canto Uxía ha seleccionado 15 canciones, muchas cantadas en portugués, que van desde los ritmos animados de "Alalás encadeados" a la popular canción de cuna "A Rianxeira', un homenaje a la Virgen de Guadalupe cuyo trasfondo es la emigración en barco del pueblo gallego a América, especialmente a México.

Producido por Jaime Alem (productor de Maria Bethânia), y contando con el talento y la complicidad del virtuoso multiinstrumentista Sérgio Tannus, el disco entronca, sin esfuerzos, estilos brasileños con su propia sensibilidad gallega. Canciones como "Cantar e Sorrir", con un texto recitado por Carlos Blanco, establece la atmósfera. "Como la Cigarra", con toques de acordeón, evoca con suavidad a la gran cantora argentina Mercedes Sosa. La ternura de "Os teus ollos", dueto con el cantante brasileño Lenine, paraliza de emoción, al igual que su versión de "Menino de bairro negro", del portugués José Afonso. Meu Canto nos ofrece una serie de canciones que nos da a comprender lo que es cantar para aquellas y aquellos artistas que lo llevan en la sangre, en la vida, con la convicción de que un pueblo que cantó desde tiempos inmemorables no puede perder un instrumento tan fundamental como la propia voz. Algo muy cercano a un álbum perfecto.
01. Verde gaio
02. A Rianxeira
03. Os teus ollos (con Lenine)
04. Daquelas que cantan
05. Alalás encadeados
06. Menino do bairro negro
07. Minha missão
08. Cantar e Sorrir
09. Rosa Namorada
10. Terra minha e sua (con Socorro Lira)
11. Ramo Verde
12. O Cuco a Cantar (con Fred Martins)
13. Como la Cigarra
14. Xente da festa
15. Alalá das Mariñas

 
 


 Página web oficial: Uxía

miércoles, 30 de mayo de 2018

mayo 30, 2018

Ghazalaw - Ghazalaw - 2015

Ghazalaw (2015) celebra la afinidad entre el género lírico ghazal de India y la tradición popular de Gales. El cantante y compositor de Bombay Tauseef Akhtar y la cantautora galesa Gwyneth Glyn entretejen la poesía de amor de sus dos tradiciones culturales junto con el acompañamiento de arpa, tabla, guitarra y armonio. Aparentemente dispares pero con resultados deliciosos.
En Ghazalaw los tonos sonoros de Akhtar se adaptan perfectamente para transmitir "birha", el dolor del amor inalcanzable tan popular en la poesía Ghazal del norte de India. Por su parte, la voz de Glyn aporta, desde las letras del folk galés, el concepto de "hiraeth" (un intenso deseo por una persona o lugar) de la belleza de la vida.
Mientras que los poemas de cada pista trabajan bien temáticamente, es la profundidad de la emoción con la que Akhtar y Glyn recitan que hace que la transición del urdú al galés apenas sea perceptible. 

El arpa de Georgia Ruth, la adición de un violín (que difumina los estilos galeses e hindúes) y el ritmo crujiente de la tabla proporcionan una experiencia de sonido hipnótico y envolvente. En definitiva, Ghazalaw es un proyecto fascinante y un recordatorio oportuno de que la humanidad es global y que tenemos en común grandes confluencias dignas de celebración.

01. Tum nazar se - Cyfri’r sêr
02. Teri aankhon mein - Seren syw
03. Apni Ruswaayee - Sefyll yn stond
04. Hosh apne - Y botwm du
05. Hud se - Cainc yr aradwr
06. Moliannwn - Ishq karo
07. Khoobsorat koi sazaa - Cosb mor dlos
08. Lusa lân
09. Guzur jaayenge jab din – Hiraeth
10. Jugnu ke sitara tha - Hen ferchetan

viernes, 25 de mayo de 2018

mayo 25, 2018

Agnes Obel - Citizen of Glass - 2016

Citizen of Glass, el extraordinario nuevo trabajo de la pianista danesa Agnes Obel, contiene infinidad de momentos de incalculable belleza. Música de cámara, apta para todos los públicos, donde la oscuridad de fondo se deja vencer por la luminosa y profunda voz de Obel. Un disco redondo, íntimo e inmenso, del que no querrás salir jamás. Una obra maestra.

Agnes Obel tiene un curioso punto ciego de la pena. Un punto en que pasan muchas cosas pero con una levedad y un encapsulado de gramaje tan místico que se hace predecible y épico a la vez. No es raro que la danesa haya encontrado su patria en una zona común en la que la orquesta filarmónica pueda ser en un momento dado una pura herramienta para convertir gemas de folk-pop mínimo en una especie de banda sonora de una película imaginaria.


 01. Stretch Your Eyes (5:11)
02. Familair (3:56)
03. Red Virgin Soil (2:43)
04. It's Happening Again (4:20)
05. Stone (3:57)
06. Trojan Horses (5:34)
07. Citizen Of Glass (2:49)
08. Golden Green (3:59)
09. Grasshopper (2:38)
10. Mary (5:47)

 


Fuente: http://www.mondosonoro.com/criticas/discos-musica/agnes-obel-citizen-of-glass/

http://www.cuatropistas.com/actualidad/critica-agnes-obel-citizen-of-glass/

domingo, 20 de mayo de 2018

mayo 20, 2018

Mokhtar Samba - Wdr Big Band Cologne - Musique d'Afrique

Ende August 2015 zündete die WDR Big Band in der Kölner Philharmonie ein imposantes Feuerwerk der afrikanischen Klangfarben und Rhythmen. Die Gäste waren Mokhtar Samba - Schlagzeug, sein Sohn Reda Samba - Percussion, Rhani Krija - Perkussion, Henry Dorina - E-Bass, Woz Kaly - Gesang und Jean-Philippe Rykiel -Keyboard. Arrangiert wurden die Stücke von Michael Mossmann, der dieses Großprojekt auch geleitet hat. Präsentiert wird die Musik von Mokhtar Samba: hier geht es um pulsierende Rhythmen und hypnotisierende Melodien.

Mokhtar beschreibt: „ Für mich steht die Melodie an erster Stelle. Weil Melodien Menschen verändern können. Wenn man traurig ist und eine Melodie singt, kann es einen aufmuntern. Andererseits kann dich eine Ballade aber auch sehr traurig stimmen. Da muss man nur einmal einem großen Sänger wie Stevie Wonder zuhören, wie er die Melodien singt. Deshalb ist die Melodie für mich sehr wichtig.“
Weil sich Mokhtar Samba der Musik seiner Vorfahren ganz eng verbunden fühlt, sind seine Stücke natürlich auch ganz wesentlich von der Urkraft der afrikanischen Rhythmen geprägt.

Mokthar Samba führt aus: „In Marokko gibt es auf allen Festen Musik: bei Hochzeiten und Geburtstagen, überall spielt die Musik, laute Musik. Die Musik ist überall präsent. Meine erste Begegnung mit Musik war bei Hochzeiten, zu denen mich meine Mutter mitnahm. In Marokko haben wir solche Rhythmen: (singt). Für uns ist das ganz natürlich, wie vielleicht hier in Köln das Kölsch. Das mit den Rhythmen fängt bei uns schon im Bauch der Mutter an. Ich habe früh mit afrikanischer Percussion angefangen, dann bin ich mit 12 Jahren nach Frankreich gezogen. Ich bin zwar Autodidakt, mir wurde aber mit 15 Jahren klar, wie wichtig es ist, ans Konservatorium zu gehen, wo ich mich dann später eingeschrieben habe.“

Dass ein erfolgreicher Schlagzeuger ausgerechnet den Namen Samba trägt, ist reiner Zufall: „Das stimmt,“ sagt Mokhtar, „die Leute amüsieren sich oft, wenn sie hören: aha, Mokhtar Samba ist also ein Schlagzeuger. Der liebe Gott hat mir nicht viel geschenkt, aber dieses Geschenk hat er mir immerhin gemacht.“

Samba saugt die unterschiedlichen kulturellen Einflüsse auf, seine Musik ist damit auch stets so etwas wie eine in Töne gefasste Autobiografie. Die „mélange“ ist bei Samba ein zentraler Begriff:  Er mischt und kombiniert die Sprache des Jazz mit afrikanischen Elementen und versetzt damit die Grenzlinien dieser Mixtur um ein gutes Stück weiter.

1 Valse Des Pharaons
2 Senegal
3 Emattéo
4 Suite for Africa
5 Dou
6 The Á la Menthe
7 Malik

martes, 15 de mayo de 2018

mayo 15, 2018

Oumou Sangaré - Mogoya - 2017

Oumou Sangaré fue coronada hace tiempo realeza musical en Malí. Conocida por sus voces formidables y sus mensajes sin miedo, se conoce tanto por su soberanía femenina como por su profundidad integral del estilo tradicional. A finales de los ochenta obtuvo popularidad con su interpretación de la música Wassoulou, un estilo regional basado en canciones de cazadores de larga tradición que tienen un fuerte vínculo con el blues africano, soul y funk. La celebración de un Grammy a su nombre, no es sólo una estrella africana, sino una figura internacional.
Su último lanzamiento, el último en nueve años, se llama Mogoya que significa 'La gente de hoy', el álbum habla de las luchas cotidianas de los que viven en Malí, en particular a las luchas de las mujeres. Las canciones ponen al descubierto un alma de corazón de león dedicadamente entregando cuentos de conflicto emocional.

La segunda canción 'Yere Faga' con Tony Allen (ex baterista de Fela Kuti) es una pieza infestada de groove. Este latido se arrastra directamente bajo tu piel. Comenzando con una ráfaga de bellas voces de capas inmediatas, los fantasmas back-beats comienzan a formar la marcha a su protesta. Sangaré es una diva con voces ricas pero desafortunadamente, la fuerza de sus letras crudas sensacionalmente cargadas es sofocada por la reverberación. Sin embargo, hay una gran fuerza en el minimalismo de esta pista, donde ningún instrumento habla sobre la voz principal y le permite concentrarse completamente. Las lluvias rápidas de la guitarra eléctrica y las melodías que giran alrededor de sus zancadas vocales.

1. Bena Bena
2. Yere Faga Ft. Tony Allen
3. Fadjamou
4. Mali Niale
5. Kamelemba
6. Djoukourou
7. Kounkoun
8. Minata Waraba
9. Mogoya
 

jueves, 10 de mayo de 2018

mayo 10, 2018

Bholoja - Swazi Soul – 2010

Bholoja (Mbongiseni Ngubane) es un joven y sobredotado músico, muy celebrado en su país de origen, Suazilandia. Su llamativa voz multicolor y su talento para escribir canciones se ha canjeado la admiración de su corte de seguidores/as, que se ha expandido más allá de las fronteras de su tierra. Su inspiración es la tradición y el modo de vida Suazi; su música (que incluye mbira, sitolotolo y armonías tradicionales) busca asegurar que una parte esencial del patrimonio cultural Suazi no sea víctima de la negligencia histórica.

La música de Bholoja, que se encuadra en el llamado “Swazi Soul” (una combinación de folk, soul y afro-jazz), va ganando en popularidad tanto en Suazilandia como en el sur de África, y encaja como una narrativa social, hablando a la misma conciencia del oyente gracias a su fuerza como letrista. La mayoría de sus canciones se centran en cuestiones sociales y económicas que rigen la vida cotidiana de las personas. Con un sentido del humor contagioso y optimista que prevalece a través de toda su música, su atractivo se extiende tanto a jóvenes como a mayores gracias a su capacidad de crear un sonido único apreciable por el público de origen multicultural.

Desde que debutara en 2004, su crecimiento como artista se ha ido viendo a medida que ha compartido escenarios con grandes nombres como Lokua Kanza, Oliver Mtukudzi, Freshlyground y Hugh Masekela, entre otros.

Swazi Soul (2010) y Swazi Soul II: Luyasikwa Luyamila (2016) son las muestras de su estilo único, los cimientos para que las y los cantantes de su tierra abracen su lengua y compartan historias de Suazi a través del canal de sus canciones conducidas por su guitarra.



Tracks list: 
01. Indzawo Yami
02. Mbombela
03. Ikhonkhotsa llele
04. From Zero to Hero
05. Ngikhumbula Ngisemncane
06. Africa Unite
07. Iyakhalindvodza
08. Umkhuleko
09. You And I
10. Umhlaba Uyahlaba
11. Ilawonde
12. King Somhlolo's Dream

 

Página web oficial: Bholoja

sábado, 5 de mayo de 2018

mayo 05, 2018

Cecile Corbel - Harpe Celtique & Chants Du Monde

Cécile Corbel , née le 28 mars 1980 à Pont-Croix ( Finistère , Bretagne ), est une harpiste auteure-compositrice-interprète française d'expression bretonne et japonaise . Avec sa harpe celtique , elle a commencé par interpréter le répertoire traditionnel celtique , avant de composer ses propres mélodies. Ses influences sont multiples, en passant du folk aux musiques du monde , de la musique classique à la musique contemporaine .

Sa voix particulière ouvre sur un univers celtique, onirique , romantique , médiéval ou encore baroque . Cécile Corbel chante dans de nombreuses langues, dont le français, le breton ou l'anglais et a interprété des chansons en allemand, espagnol, italien, gaélique , turc et japonais.

Elle est auteure de plusieurs albums, dont quatre « Songbook », et signe notamment en 2010 la bande originale du film Arrietty, le petit monde des chapardeurs du Studio Ghibli , disque d'or au Japon. En 2014, elle signe chez Polydor et sort l'album La Fiancée , puis Vagabonde le 7 octobre 2016. 

1 An hini a garan 5:00
2 Bran 4:38
3 Shir al Etz 3:51
4 Hija mía 4:24
5 Je m’endors 3:57
6 Valse des Ondines 3:42




Fuente:
https://fr.wikipedia.org/wiki/C%C3%A9cile_Corbel

lunes, 30 de abril de 2018

abril 30, 2018

Martin Hayes & Dennis Cahill - Welcome Here Again

Un Virtuoso del violín irlandés Martin Hayes y un guitarrista nacido en Chicago, Dennis Cahill poseen un raro, casi telepático parentesco musical. El nuevo álbum del dúo, es una nueva partida; dieciocho pistas, una de ellas no más de siete minutos, pero con la misma intensidad y la profundidad de la emoción que se encuentra en sus anteriores colaboraciones, Lonesome Touch (1997) y en Live in Seattle (1999).

miércoles, 25 de abril de 2018

abril 25, 2018

Richard Searles - Celtic Cross - 1995

Richard Searles es un guitarrista de formación clásica que utiliza elementos de la musica celta, renacentista y las influencias de la música World mezcladas para crear una experiencia a la vez relajante y evocadora. Los sonidos ricos y melódicas de su guitarra Mattingly  traen a la vida tanto la música tradicional de una época pasada, así como sus propias composiciones originales.

Searles desarrolló un buen oído para los sonidos atractivos de muchas músicas a través de sus viajes a Gran Bretaña, África, Asia y el Oriente Medio. Estas experiencias ensanchan y se unen entre sí con una apreciación natural y profunda de la belleza inherente de los sonidos y ritmos de la Tierra de una manera que hace que su música transporta al oyente a nuevos reinos unidos solamente por la imaginación.

Richard Searles - Guitars
Patricia Mabee - Harpsichord
Laura Stone - Oboe
Mark Born - Concertina
Curtis Berak - Hurdy Gurdy
Tal Herzberg - Acoustic Bass
Ron Wagner - Percusion
David Stenske - 1st Violin
Ed Persi - 2nd Violin
Matt Funes - Viola
Steve Velez - Cello 


01. Cabalgata (03:52)
02. A Thousand Curses on Love (02:48)
03. Wet is the Night (01:44)
04. Abercairney House (02:21)
05. An Dro (02:56)
06. My Dark Haired Maid from Cornaig (02:58)
07. Rondes (02:38)
08. Sir Festus Burke (02:16)
09. Laride A Huit Temps (02:47)
10. The White Houses of Sheildaig (03:03)
11. The Bedding of the Bride (03:33)
12. Laride A Six Temps (02:28)
13. Clanranald (02:29)
14. The Fyket (02:37)
15. An Occasional Song (03:00)
16. Galician Dance (02:29)
17. The Haggis (02:01)
18. No Surrender (02:40)
19. Tavern on the Moor (01:59)


viernes, 20 de abril de 2018

abril 20, 2018

Toru Takemitsu - Ran - BSO - 1985 - Japon

Un sonido es, sin duda, algo vivo. Es como la naturaleza, que no tiene individualidad. Igual que las transformaciones de viento y agua son complejas, un sonido se hace rico o incluso pobre. Eso depende de cómo nuestras sensibilidades acepten el sonido. Nosotros los compositores no deberíamos asumir una actitud arrogante frente al sonido, porque escribimos música en colaboración con sonidos. Lo que importa es cómo podemos hacer realmente natural el acto artificial de escribir música.
(Toru Takemitsu)
Ran (1985), cuya banda sonora es de  Toru Takemitsu, nuevamente la imagen, el escenario y los personajes tienen todo el protagonismo. Me encuentro contemplando vastas montañas verdes, en pleno siglo XVI en el cual reinan y luchan entre ellas grandes familias samuráis. Ante semejante escenario vuelvo a abstraerme de la presencia de la música.
La imagen y el sonido lo son todo, aunque pareciera que de pronto se hizo el silencio. ¿O quizás es la misma música la que nos mete en el ambiente de la película? Lo mismo sucede con la obra de Toru Takemitsu.  Es como si hubiera un pacto entre la historia y la música que acompaña a dicha historia, un pacto de respeto hacia el sonido que viene directamente del ambiente natural, los diálogos entre los personajes y el ritmo que los acontecimientos proponen, para que el resultado sea una perfecta armonía entre imagen y sonido. Takemitsu maneja conceptos que le serán determinantes a lo largo de su carrera como compositor. La idea de nuevos colores sonoros, obteniendo nuevos sonidos extraídos de las películas y que entren a formar parte de ella. Así también en su imaginería musical forman parte importante la pintura, sus mismos sueños y su visión tradicional del jardín japonés.