Radio Minorias

Radio Minorias

Uniendo Culturas/Uniting Cultures

Post Top Ad

martes, 20 de noviembre de 2018

noviembre 20, 2018

Yaşar Kurt & Arto Tunçboyacıyan - Nefrete Kine Karşı - 2009

Yaşar Kurt ( armenio : Յաշար Կուրթ, b.August 16 de 1968 en Estambul , Turquía ) es un turco-armenia rock artista. Estudió en 1990 en la Facultad de Economía de la Universidad de Eskisehir, pero no se graduó. Fundó el grupo musical alternativa Beyaz Yunus (literalmente White Dolphin). En 1993, tuvo su primera grabación de estudio en Alemania y en 1994, lanzó el álbum Sokak Şarkıları (literalmente Street Songs) grabado en Colonia , Alemania. El álbum en el sello discográfico Ada Müzik se hizo muy popular en Turquía. Una serie de conciertos seguida en toda Turquía. Mudarse a Berlin , nació una hija nombrada Rosa. Regresó en 1996 a Turquía para continuar con su carrera musical.

Arto Tunçboyacıyan (en armenio Արտո Թունչբոյաջյան; nacido en 1957 en Estambul)es un músico turco de origen armenio. Es famoso dentro de la escena del folk avant-garde, habiendo interpretado en más de 200 discos en Europa antes de su llegada a los Estados Unidos, donde inició colaboraciones con numerosas leyendas del jazz (como por ejemplo Chet Baker, Al Di Meola y Joe Zawinul). También ha trabajado con la artista turca Sezen Aksu, la cantante griega Elefthería Arvanitáki entre otros representantes de la world music. Su hermano, Onno Tunç también músico, causó en él una gran influencia.

1. Kaldıralım
2. Bazen İnsan
3. Kaldırımlar
4. Alışamadım
5. Alışamadım (Ermenice)
6. Küçük Nil Büyük Irmak
7. Uzumesne (Ermenice)
8. Kendim Gibi
9. Nefrete Kine Karşı 


Fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Arto_Tun%C3%A7boyac%C4%B1yan 

http://en.wikipedia.org/wiki/Yaşar_Kurt 

jueves, 15 de noviembre de 2018

noviembre 15, 2018

Aurelio - Lándini - 2014

Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.

Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.

"Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.
Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.

En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.

En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.


 Tracks list:
01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
02. Nando (Leonardo)
03. Milaguru (Miracle)
04. Nafagua (I Will Try)
05. Nari Golu (My Golden Tooth)
06. Lándini (Landing)
07. Lirun Weyu (Sad Day)
08. Durugubei Mani (Evil People)
09. Irawini (Midnight)
10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
11. Nitu (Older Sister)
12. Chichanbara (Ginger)

 


Fuente: Aurelio – RealWord)

Página web oficial: Aurelio

sábado, 10 de noviembre de 2018

noviembre 10, 2018

Susheela Raman - Queen Between - 2014

Queen Between (2014) es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.

En este disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Queen Between es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.

En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo

lunes, 5 de noviembre de 2018

noviembre 05, 2018

Raghu Dixit - Jag Changa - 2013

Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
 La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.

Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.


Tracks list:
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita

 


Página web oficial: Raghu Dixit

martes, 30 de octubre de 2018

octubre 30, 2018

Haruomi Hosono - Medicine Compilation - From the Quiet Lodge - 1993 - Epic - Japan

Haruomi Hosono, nacido el 9 de julio de 1947 en Minato, Tokyo), también conocido como Harry Hosono, es un músico japonés. Fue miembro de la banda de rock Happy End y de la banda de música electrónica Yellow Magic Orchestra con Yukihiro Takahashi y Ryuichi Sakamoto.

Hosono es el nieto de Masabumi Hosono, el único sobreviviente y pasajero japonés del RMS Titanic. Hosono llamo la atención en Japón como bajista de la banda de rock psicodélico Apryl Fool, junto con el baterista Takashi Matsumoto, quien lanzo el álbum The Apryl Fool en 1969. Hosono y Matsumoto formarían posteriormente la influyente banda de folk rock Happy End con Eiichi Ohtaki and Shigeru Suzuki. Una de las canciones que compuso para Happy End, "Kazemachi Roman|Kaze wo Atsumete" (1971), apareció en el soundtrack del filme Lost in Translation en 2003. Después de la ruptura de Happy End en 1974, Hosono trabajo con una asociación de artistas haciendo música exótica bajo el nombre de Tin Pan Alley.

Su participación en la música electrónica fue desde inicios de los años setenta, cuando tocó el bajo eléctrico para el álbum folk pop rock Ice World (1973) de Inoue Yousui y el álbum de rock progresivo/psicodélico Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima, en ambos álbumes eran de rock electrónico que utilizaban sintetizadores, guitarras eléctricas, y posteriormente, caja de ritmos y batería electrónica.

En 1977, Hosono invitó a Ryuichi Sakamoto y Yukihiro Takahashi a trabajar en el álbum exotica Paraiso, el cual incluye música electrónica a partir de un sintetizador polifónico Yamaha CS-80 y un ARP Odyssey. La banda fue nombrada Harry Hosono and the Yellow Magic Band" y, grabando a finales 1977, se lanzó Paraiso a inicios de 1978. Nuevamente los tres trabajaron en 1978 para el álbum electrónico Pacific, en el cual se incluía una versión temprana de la canción Cosmic Surfin.

En 1978, lanzó el soundtrack electrónico para la película ficticia de Bollywood Cochin Moon, acompañado del artista Tadanori Yokoo y los futuros miembros de YMO Ryuichi Sakamoto y Hideki Matsutake. Fue inspirado por un viaje a la India y "los exóticos, lujosos y maravillosos escenarios de los cines de la India, fue un álbum experimental "electro-exotica" que fusionaba la música de India (asemejando a Ravi Shankar) y la música de Bollywood con música electrónica, incluyendo una temprana canción de género electro-raga titulada Hum Ghar Sajan (de una frase de Gurú Granth Sahib). Durante el mismo año contribuyó a la canción "1000 Knives" de Ryuichi Sakamoto para su álbum debut, The Thousand Knives of Ryuichi Sakamoto, en que se experimentó fusionando la música electrónica con la música tradicional de Japón.

Él fue uno de los primero productores en reconocer la importancia de la música de videojuegos. El álbum debut homónimo de YMO en 1978 incluyó de manera sustancial sonidos de videojuegos y después de que YMO se separó, realizó un pequeño proyecto titulado Video Game Music que contenía versiones mezcladas y editadas de sonidos y música de las arcades de Namco. Video Game Music fue lanzadó en 1984 como un ejemplo temprano de chiptune y como el primer álbum de música de videojuegos. Durante el mismo año, produjo el tema principal de la película de Hayao Miyazaki titulada Nausicaä del Valle del Viento, "Kaze no Tani no Naushika", con la participación de la cantante y actriz Narumi Yasuda. A finales de los años ochenta y a principios de los noventas, la influencia de la world music lo llevó a trabajar con diversos artistas y músicos como Amina Annabi.

Él ha producido un gran número de bandas como miembro de ellas. Su primer banda después de Yellow Magic Orchestra fue Friends of Earth. Como en la mayoría de sus proyectos el combina estilos musicales en los que está interesado. F.O.E. fue una combinación de funk con techno que incluyó una colaboración con James Brown y Maceo Parker para el remake de la canción Sex Machine. Otra de las bandas notables fue Love, Peace & Trance. Los miembros fueron Mimori Yusa, Miyako Koda, Haruomi Hosono and Mishio Ogawa.

En los noventas comenzó el sello discográfico "Daisyworld" que se enfoca en el lanzamiento de varios artistas experimentales de Japón y del resto del mundo. Hosono ha colaborado con varios lanzamientos como World Standard, a trip into Americana: HAT, un supergrupo (cuyo acronicmo se refiere a Hosono, Atom Heart], Tetsu Inoue, y Quiet Logic, por Mixmaster Morris y Jonah Sharp. The Orb hizo un tributo a través de una serie de remixes incluyendo "Hope You Choke On Your Whalemeat".

En 2002 Haruomi formó el dúo Sketch Show con el miembro de YMO Yukihiro Takahashi. Ellos han lanzado dos álbumes, de los cuales, Loophole, tuvo un lanzamiento en Reino Unido. Cuando el miembro de YMO, Ryuichi Sakamoto profundizo su colaboración en el proyecto se decidió que estas colaboraciones recibirían el nombre de Human Audio Sponge.

En primavera de 2007, su compañeros de YMO y otros artistas rindieron tributo a Haruomi en un disco doble titulado "Tribute to Haruomi". Durante el mismo año, tuvo la película Appleseed Ex Machina fue lanzada incluyendo a Hosono como supervisor. En septiembre de 2010 presentó sus canciones en el festival De La Fantasía. En febrero de 2011 se anunció su nuevo álbum titulado "HoSoNoVa" que se lanzaría en el 20 de abril del mismo año.

Genre: Electronic, Downtempo, Ambient


01. Laughter Meditation (Hosono-Nakayama-Koshi) - 8:06
02. Honey Moon (Hosono) - 5:04
03. Deira (Hosono) - 3:23
04. Quiet Lodge Edit (Hosono-Nakayama-Terada) - 5:27
05. Medicine Mix (Hosono-Shimizu) - 6:33
06. Sand Storm Edit (Hosono-Nakayama-Terada) - 3:42
07. Mabui Dance #2 (Trad.-Hosono) - 9:47
08. Aiwoiwaiaou (Hosono) - 6:23
09. Armenian Orientation (Hosono) - 10:37
10. Ambient Meditation #3 (Laraaji) - 4:04
 

 


Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Haruomi_Hosono

jueves, 25 de octubre de 2018

octubre 25, 2018

Terra Incognita - Tribal Gathering - 1997

En Tribal Gathering Chinmaya Dunster, Ravi y Prem Joshua han reunido una colección de estilos de todo el mundo, desde América a Oriente Medio, África, la India y los Balcanes. Todo hecho a mano, La musica es impresionante una reunión de algunos de los instrumentos más mágicos del mundo, kora, sitar, flautas, tambora y Sarod dando una sensación de color a la mezcla de excelentes ritmos y sonidos hermosos, un album muy recomendable.

Prem Joshua: sitar, flutes
Chinmaya Dunster: sarod
Ravi: kora (African harp)


01 Kafi (5:01)
02 Etruscan Places (6:24)
03 Tilak (4:54)
04 Sacred Dance (2:48)
05 Cala Violina (4:29)
06 Sufis And Gypsies (5:47)
07 Mountains Of The Moon (6:54)
08 Under The Carob Tree (3:33)
09 Rhythem House Classic (4:16)
10 Never Mind The Pandits (4:52)
11 Havana Baba (2:34)
12 Tribal Gathering (7:31)
13 Zenith (3:11)
14 Shahana (6:12)

 


sábado, 20 de octubre de 2018

octubre 20, 2018

T with the Maggies - T with the Maggies - 2010 - Irlanda

T with the Maggies are Tríona & Maighread Ní Dhomhnaill, Mairéad Ní Mhaonaigh & Moya Brennan

In May 2007, a remarkable gathering of traditional Irish musicians and singers came together at Vicar Street in Dublin to celebrate the life and music of Mícheál Ó Domhnaill, who, with Skara Brae and The Bothy Band, had been a pioneering force in Irish music.

Among the many artists and groups coming together that evening was an evocative performance by four of Ireland’s finest female singers. Tríona and Maighread Ní Dhomhnaill (Míchaél’s two sisters, concert organisers and co-members of Skara Brae and The Bothy Band) were joined by Mairéad Ní Mhaonaigh of Altan and Moya Brennan of Clannad.

And so was born one of the most inspirational and heartening collaborations in traditional Irish music.

Tríona, Maighread, Mairéad and Moya, T with the Maggies, all come from the same corner of County Donegal (with Gaelic as their first language) and all have illustrious career histories. Each individual brings a unique and varied interpretation of their musical heritage but the result is one of the finest ever amalgamations of Irish female voices. They are real Celtic women!

Their first show in January 2009, at the Temple Bar Tradfest in Dublin, sold out immediately and they went on to perform at last year’s Irish Global Economic summit. A new recording of their repertoire favourite, Two Sisters, was commissioned by Sam Shepard, for his play, ‘Ages of the Moon’.

On the stage the ‘Maggies bubble with a mixture of instinctive tone, harmony and a generous helping of laughs. Each bring their choice of songs but mould them into the group with a unique soundscape of voice, piano, fiddle and harp. You can tell that they are the best of friends.


T with the Maggies is the group’s first album, combining over four decades of musical experience. With subtle arrangements, the album brings to the fore four voices that have shaped Irish traditional, folk and celtic music today.

Tríona Ní Dhomhnaill: Vocals, Piano, Keyboards, Accordion, Whistle
Maighread Ní Dhomhnaill: Vocals, Yardstick
Mairéad Ní Mhaonaigh: Vocals, Fiddle, Hardanger Fiddle, Low Octave Fiddle
Moya Brennan: Vocals, Harp, Djembe
Manus Lunny: Guitar, Bouzouki, Programming
Jim Higgins: Addictional Percussion
(Low Octave Fiddle courtesy of Ciarán Ó Maonaigh)

1.Wedding Dress
2.Domhnach na Fola
3.Thugamar Fhéin an Samhradh Linn
4.Bíodh Orm Anocht
5.Mother Song
6.Ógánaigh Uasail
7.Cuach mo Londubh Buí
8.Ceol an Phíobaire
9.A Stór A Stór A Ghrá
0.Farewell Farewell
11.An Mhaighdeán Mhara


lunes, 15 de octubre de 2018

octubre 15, 2018

Brian Finnegan - The Ravishing Genius Of Bones - Irlanda

Brian Finnegan, el que fuera miembro fundador del ya desaparecido grupo Flook, acaba de sacar un disco en solitario, al que ha titulado The Ravishin Genius of Bones. En este disco colaboran también sus compañeros de Flook Ed Boyz y John Joe Kelly, el incansable Mike McGoldrick, el grupo Crooked Still o los componentes de su nueva banda KAN.

Por esperado, podíamos hablar sin equivocarnos, de uno de los trabajos del año, y es que muchos de los seguidores de la extinta Flook! estaban deseando saber por donde irían los derroteros de los miembros de la banda, y parece ser que uno de los más activos es Finnegan, con su proyecto Kan junto a Aidan O’Rourke y este The ravishing genius of bones, su entrega en solitario.

Para todos aquellos seguidores de los anteriores proyectos del de Armagh decirles que pueden estar tranquilos, el espíritu Flook! sigue vigente en todos y cada uno de los 9 temas que componen el disco, en el que vuelve a dar una lección única del dominio de toda clase de flautas. Especialmente interesante son temas como Belfast, compuesto por tres temas de Barry Kerr, Liz Carrol y Adam Sutherland, o la belleza de Marga’s, que incluye la melodía dedicada a la acordeonísta asturiana Marga Lorences.

La nómina de invitados que acompañan a Brian Finnegan es espectacular, encabazada por sus ex-compañeros de Flook! Ed Boyd y John Joe Kelly, la banda Crocked Still, Damien O’Kane o Aidan O’Rourke.

The ravishing genius of bones es un disco realizado con mucho mimo, y desde luego que por momentos (Starrs) parece realizado a capricho.


 Tracklist:
1. Steps
2. Fly
3. Marga's
4. Belfast
5. Starrs
6. Joy
7. Frida
8. Only
9. Nightride

 


Fuente: 
  http://jarramplas.blogspot.com/2010/05/brian-finnegan-ravishing-genius-of.html

http://cachafeiro.wordpress.com/2010/06/25/brian-finnegan-the-ravishing-genius-of-bones/

miércoles, 10 de octubre de 2018

octubre 10, 2018

Los Míticos del Ritmo - feat. Quantic - Los Míticos del Ritmo - 2012

Will "Quantic" Holland es una de las grandes estrellas del soul, del funk y del nü jazz de la década pasada. En 2006 un viaje a Colombia le cambió la vida, quedó tan fascinado por sus sonidos, aromas y colores que se instaló en la nación cafetera y se sumergió en su cultura musical. The Original Sound of Cumbia, una compilación de 55 pistas de la cumbia colombiana y porro publicado por Soundway en 2011, fue el resultado de cinco años de investigación de campo de Holland.
 Pero encontrar y compilar registros antiguos no es lo único que ha hecho en este tiempo. Ha estado aprendiendo a interpretar el acordeón, tomando lecciones de maestros de Colombia y Panamá (Anibal Velásquez y Papi Brandao). Y ha llevado adelante sus proyectos Flowering Inferno, Combo Bárbaro y Ondatrópica, este último junto al bogotano Mario Galeano (Frente Cumbiero).

Los Míticos del Ritmo es un proyecto dedicado a la cumbia y el vallenato de la década de los 60 de Colombia y de otros países del Caribe. Un disco grabado en analógico y para el que se han utilizado sólo cuatro pistas sobre las que se han ido superponiendo todos los instrumentos, como se hacía en aquella época. En el grupo participan Ancer Barrios Rada (percusión), nieto del gran acordeonista colombiano Francisco Pacho Rada (que participa en los directos con su voz y acordeón). El proyecto también se ve enriquecido con la participación de Combo Bárbaro (el bajo de Fernando Silva y la percusión de Freddy Colorado), y Humberto Pernett, uno de los músicos fundamentales en la historia de la fusión de ritmos costeños de Colombia con elementos electrónicos.

El resultado no puede ser más interesante: cumbia instrumental bailable y poderosas versiones, entre las que destaca "Another One Bites The Dust", de Queen ("Otro Muerde El Polvo").
Tracks list:
01. Introduction
02. Cumbia Comejen
03. Otro Muerde El Polvo (Another One Bites The Dust)
04. La Libanesa
05. Samaria
06. Willy’s Merengue
07. Cumbia de Mochilla
08. Satta Massa Cumbia
09. No Pares Hasta Tener Lo Suficiente (Don’t Stop Till You Get Enough)
10. Noche de Tamborito
11. Fabiola
 


Página web: Quantic

viernes, 5 de octubre de 2018

octubre 05, 2018

Christina Pluhar & L'Arpeggiata - Mediterraneo - 2013

La artista Christina Pluhar, que con el arpa y la tiorba ha demostrado al mundo el potencial de los instrumentos del Barroco, se aleja de ese periodo en su trabajo con un proyecto "mucho más libre", que recorre las tradiciones de la llamada "frontera del olivo".

"Mediterraneo", ofrece un viaje de descubrimiento musical que zarpa de los cantos greco-salentinos y hace escala en las costas griegas, italianas, francesas, españolas e incluso turcas y portuguesas.

El resultado, es un proyecto "muy colorido", que le ha permitido darse cuenta de que el lenguaje musical es mucho más abierto que el verbal y facilita que músicos de cualquier cultura puedan reconocerse en los otros en cuanto suenan las notas.

El mestizaje de este álbum cuenta con las voces de la portuguesa Misia, las sopranos españolas Raquel Andueza y Nuria Rial, las voces también del italiano Vincenzo Capezzuto y de la griega Katerina Papadopoulou, y la maestría de los músicos turcos Aytaç Dogan e Ismail Tunçbilek.

A ese conjunto llegó cuando la sorpresa de esos cantos greco-salentinos, de raíces italianas pero cantados en griego, la dejó con ganas de explorar otras "pasarelas" que tuvieran el Mediterráneo como punto en común.

"Me he alejado del Barroco. Creo que es la primera vez que lo hago, porque en los otros (discos) seguía buscando fuertes conexiones con la música italiana del siglo XVII. Este álbum es un proyecto mucho más libre, pero creo que como artista tengo la libertad de evolucionar hacia otras ideas", sostiene.

Pluhar (Graz, Austria, 1965) defiende que en canciones tradicionales de Italia, España o Portugal se puede hallar una base barroca, pero no así en las griegas o turcas, lo que provoca que las 19 canciones escogidas sean más heterogéneas que en discos como "Los pájaros perdidos", "Los impossibles" o "La Tarantella".

El repertorio incluye fados como "Cantigas de portugueses", cantos greco-salentinos como "Are mou rindineddha", o canciones españolas como "La dama d'Aragó" o "Los delfines", revisitados con la particularidad que le da el tocarlos con su conjunto de cámara, "L'Arpeggiata".

01. Are mou rindineddha (Canto greco-salentino)
02. Sem saber (Portugal)
03. Hasapiko (Greece)
04. Tres sirenas (Neapolitan, Greek, Spanish)
05. Hicaz mandira (Turkey)
06. Pizzica di San Vito (Salento)
07. Amygdalaki tsakisa (Greece)
08. La dama d'Aragу (Catalonia)
09. Amor de mel, amor de fel (Portugal)
10. Gunes & ay (Turkey)
11. De Santanyi vaig partir (Mallorca)
12. Rosa negra no meu peito (Portugal)
13. Thalassa lypisou (Greece)
14. Oriamu Pisulina (Canto greco-salentino)
15. O Pajem (Portugal)
16. Sfessania (Naples)
17. Agapimu fidela protini (Canto grerco-salentino)
18. Cantigas de portugueses (Portugal)
19. Los Delfines (Spain)
 

domingo, 30 de septiembre de 2018

septiembre 30, 2018

Pascal Gaigne - Los Mundos Sutiles - 2012

Score del compositor Pascal Gaigne para el documental Los Mundos Sutiles (2012), escrito y dirigido por Eduardo Chapero-Jackson, el autor de Verbo, donde también colaboró Pascal, quien compuso un brillante trabajo.
El documental versa sobra la poesía de Antonio Machado, y el compositor ofrece un score compuesto enteramente con electrónica, donde nos brinda un trabajo de bella factura, sugerente, espiritual y envolvente, una experiencia sonora, como desmuestran los cortes Los Mundos Sutiles (Part I y Part II), con un bonito sonido de percusiones y cuerdas, el sonido etéreo y envolvente de cortes como Nostalgia, o el magnífico ritmo percusivo y electrónico de Sol Naciente.

El documental versa sobra la poesía de Antonio Machado, y el compositor ofrece un score compuesto enteramente con electrónica, donde nos brinda un trabajo de bella factura, sugerente, espiritual y envolvente, una experiencia sonora, como desmuestran los cortes Los Mundos Sutiles (Part I y Part II), con un bonito sonido de percusiones y cuerdas, el sonido etéreo y envolvente de cortes como Nostalgia, o el magnífico ritmo percusivo y electrónico de Sol Naciente.

01. Los Mundos Sutiles (Part 1) (4:50)
02. Campos De Castilla / Derviches (4:24)
03. República (7:15)
04. Los Mundos Sutiles (Part 2) (3:35)
05. Vaso Negro (4:29)
06. Habitación Verde (7:10)
07. Ingrávidos (Part 1) (5:24)
08. Sol Naciente (4:42)
09. Nostalgia (3:40)
10. Viajo Solo (2:33)
11. Los Mundos Sutiles (Part 3) (3:24)
12. Ingravidos (Part 2) (3:37)
13. Rapass (2:03)
14. Los Mundos Sutiles (Part 4) (3:19)
 

 

martes, 25 de septiembre de 2018

septiembre 25, 2018

Alasdair Fraser & Natalie Haas - In The Moment - 2007

En 2004 Alasdair nos presentó un nuevo y exquisito dúo junto a la violonchelista Natalie Haas, con la que publicó el brillante álbum "Fire and Grace" y dos volúmenes del "Legado del Violín Escocés". Un éxito absoluto.
 
Desde el año 2007 Alasdair continúa actuando en directo con Natalie Haas, presentando su delicioso nuevo disco juntos, “In The Moment”.

Juntos, Alasdair y Natalie son capaces de explorar al mismo tiempo el sonido más tradicional y las nuevas posibilidades de la fusión violín / cello en una propuesta absolutamente exquisita. “El cello ha sido siempre el corazón rítmico de la música popular escocesa”, dice Fraser, “Natalie Haas es la compañera perfecta: nos complementamos, nos sumergimos en el territorio del otro, sentimos y vibramos juntos. Liberamos el cello de su atadura orquestal, para dejar que su ritmo se exprese junto a la melodía del violín”.
El resultado, como no podía ser de otra forma, está siendo aclamado en recitales y festivales de todo el mundo: la música tradicional escocesa contagia más energía que nunca.

01. Valley of the Moon Reel (4:01)
02. Between (5:56)
03. Alien Ceilidh (4:01)
04. Salamanca (4:33)
05. Cuillin Nights (3:58)
06. John MacDonald's (5:23)
07. Miss Laura Risk (4:20)
08. Giga de Tenerife (3:09)
09. Natalie Mariah (4:11)
10. Trip to Pakistan (3:25)
11. Christina (3:42)
12. Cameron's Caper (5:25)
13. Willie Fernie (4:08)
14. Rob Fraser's Welcome to San Francisco (4:16)


 


uente: http://www.syntorama.com/cas/artistas/alasdair_fraser-natalie_haas

jueves, 20 de septiembre de 2018

septiembre 20, 2018

Awa Poulo - Poulo Warali

Awa Poulo es una cantante procedente de Mali, más concretamente de los Peulh, el pueblo nómada más grande del mundo.

Awesome Tapes From Africa presenta ahora la nueva grabación de Poulo, con grandes dosis de folk-pop y con una visión contemporánea de la música de los Peulh. No es muy común encontrar a una cantante femenina que actúe en directo entre los Peulh, pero casualmente la otra mujer del marido de la madre de Poulo es Inna Baba Coulibaly, también una reconocida cantante en Mali.

Awa Poulo is a singer of Peulh origin from Dilly commune, Mali, near the border with Mauritania. Largely pastoral and often nomadic, Peulh- (or Fula-)speaking peoples are found from Senegal to Ethiopia but predominate in the Sahel region of West Africa. Awesome Tapes From Africa is proud to release Poulo’s newest recording of highly virtuosic folk-pop, fresh from the studio, broadcasting her vision of Peulh music beyond the grazing grounds and central markets of her remote home region in southwestern Mali.

It’s not very common to find a female singer performing publicly among the Peulh. But Poulo’s mother’s co-wife is Inna Baba Coulibaly, who is a celebrated singer most Malian music fans know. Coulibaly herself was brought into music by forces outside her control when a regional music contest required an entry from her village and she was chosen to be a singer. So, set in motion by a surprising series of events, young Poulo’s entree into the music world was auspicious as she gained popularity across the region. After several locally released tapes and CDs, this record is Poulo’s first internationally-distributed record.

On Poulo Warali, she and her band combine the hallmarks of Peulh music—warm flute floating over cross-rhythmic n’goni (lute) riffs and resonant calabash gourd hand percussion—with broader Malian sounds like lightly-distorted guitar and a heavier, rollicking inertia. Shape-shifting layers of rhythm and woody overtones match Poulo’s commanding voice in a jocular yet deliberate dance.

This is a relatively rare example of Malian Peulh music played in a modern, cosmopolitan context, reflecting the mixed society of Dilly, where Bambara, Soninke and Peulh-speaking people live among each other.
Poulo’s conscious lyrics about community concerns speak to the distinctive identity of her broadly-flung people. While Peulh represents less than 10% of Mali’s melting pot of languages, the dynamic music here powerfully resonates well beyond the linguistic borders.
credits

Awa Poulo — Voice
Kande Sissoko — N’goni
Cheickne Diabate — Guitar, Bass Guitar
Souley Guindo —Flute
Sana Diarra — Calabash

Produced by Paul Chandler & Studio Mali Recordings
Recorded by Konan Kouassi at Studio Mali Records in Bamako, Mali
Edited by Philip Sanmiguel
Photography by Oumou Diarra

Awa Thanks:
Inna Baba Coulibaly — My mother, my mentor and inspiration
Mamadou Djadje Bah — My helpful friend
Abdoulah Aziz Diallo — President of the Association of Peulh in Mali
Abba Coulibaly — My brother, who helped in the recording studio

1. Dimo Yaou Tata 04:34
2. Djulau 04:13
3. Djara Wilam 04:31
4. Mido Yirima 03:32
5. Noumou Foli 04:24
6. Poulo Hoto Ngari 03:39
7. Poulo Warali 04:47
8. Sidy Modibo 04:31

    
Fuente:
 https://awapoulo.bandcamp.com/album/poulo-warali

sábado, 15 de septiembre de 2018

septiembre 15, 2018

BraAgas - Fuerte - 2012

Las canciones de edad media - melodías suaves, vocales espléndidos - un repertorio compuesto de Cantigas de St. Maria, Carmina burana, Libre Vermell, canciones antiguas sefardíes, occitanas, nórdicas y centroeuropeas acompañadas con instrumentos musicales históricos.

The fourth studio-album by BraAgas. The title alone (Fuerte means strong in Spanish) shows that there were some changes compared to previous recordings, the album contains more dynamic, almost dance songs. Of course, it is still the typical production of BraAgas, selection of folk songs from Iberia or the Balkans, countries whose songs BraAgas love to arrange. Fuerte has no aspiration to be compared to previous successful album Tapas, more likely the album loosely picks up where Tapas left off, mostly in the more dynamic moments of the band.

Kateřina Göttlichová - voz, cistra, gitarra, gaita
Karla Braunová - voz, flutas, chalumeau, bastardillas, clarinet
Michala Hrbková - voz, fidula, cistra
Michaela Krbcová - percusiones, voz


 01 Chin Glin Din
02 Jana i Turcin
03 Gledaj mi Libe
04 Caje Šukarije
05 La Serena
06 Lewone
07 Fraile Cornudo
08 Yo me Levantí
09 Nazad (Diginla Viper Version)
10 Tua Nai e Meiga (Diginla Dark Version)
11 Radule
12 Caje Šukarije (Balco Chromium Version)







Fuente:
http://www.braagas.com/es/banda.htm

lunes, 10 de septiembre de 2018

septiembre 10, 2018

Roberto Fonseca - ABUC - 2016


Son ocho los títulos grabados en estudio por Roberto Fonseca y, a estas alturas, cuando el último, ABUC, inició su rodaje en 2016, resulta poco discutible la primacía de este pianista y multiinstrumentista en la música de jazz que se hace ahora en Cuba. ABUC, que no es otra cosa que "Cuba" al revés, viene a ser un disco de verdadera celebración de la música cubana ya que Fonseca ha incluido buena parte de las músicas más populares de la isla: desde el bolero al jazz, el mambo, el chachachá y la contradanza, un estilo que llegó a Cuba a finales del siglo XVIII con influencias francesas a través de Haití.

Nacido en La Habana en 1975, Roberto Fonseca ha compartido escenario con leyendas de la música cubana como Cachaíto López, Manuel "Guajiro" Mirabal y Manuel Galbán, tocando en diversos países del mundo en más de 400 conciertos. Ha vivido con la música desde siempre; de hecho, su madre Mercedes Cortés Alfaro es una cantante que fue bailarina en Tropicana Club de La Habana (canta en el álbum Zamazu, 2007), y su padre Roberto Fonseca Durades, baterista. El pianista tiene en su haber un máster en composición obtenido en el Instituto Superior de Arte de Cuba (ISA), y ha sido profesor de música. Con solo 15 años grabó su primer CD, En el Comienzo, junto a Javier Zalba y el grupo Temperamento, el cual fue nombrado Mejor Álbum de Jazz de Cuba en 1999.

Roberto Fonseca se dió a conocer al mundo de la mano y la voz de Ibrahím Ferrer, con el que participó en el proyecto Buena Vista Social Club en 2001. Tal era la admiración que sentía Roberto por Ibrahím, que llegó incluso a producir el disco póstumo de éste, Mi sueño. Esta relación encuentra prolongación natural en el fervor que también sentía Roberto por el pianista Rubén González.

Ambos artistas ilustraron a Roberto en la creación del temario de Zamazu, su verdadero debut discográfico a nivel internacional. Una monumental grabación, realizada en 2007, que reunió a más de 20 artistas y que consiguió fusionar elementos integrados de sus diversas influencias: afrocubana, jazz, música clásica y música tradicional cubana. Entre las y los músicos que figuran en esta diversa y ambiciosa grabación están Omara Portuondo, Javier Zalba, Carlinhos Brown, Vicente Amigo, Ramsés "Dynamite" Rodríguez y muchos otros. Tras la publicación de Zamazu, Fonseca tuvo la oportunidad de presentar un intenso repertorio en algunos de los festivales más prestigiosos del mundo frente a audiencias hechizadas.

ABUC es el título de su nuevo álbum bajo el sello impulse!, también espectacular. Aunando ritmos pícaros con contundentes vientos, entretejidos de referencias, recuerdos y contrastes, ABUC es un caleidoscopio donde Roberto narra una historia: el grandioso y rico compendio de la música cubana, de ayer a hoy.


Tracks list:
01. Cubano Chant
02. Afro Mambo
03. Tumbao de La Unidad
04. Contradanza del Espíritu
05. Tierra Santa
06. Sagrado Corazón
07. Family
08. Tierra Santa Santiago de Cuba
09. Habanera
10. Soul Guardians
11. Asere Monina Bonco
12. Después
13. Velas y Flores
14. Cubano Chant (Piano Solo)

 


Página web oficial: ABUC – Roberto Fonseca

miércoles, 5 de septiembre de 2018

septiembre 05, 2018

She´Koyokh - Wild Goats & Unmarried Women - 2014

El grupo She’Koyokh se ha convertido en uno de los tesoros musicales de Londres. Con artistas procedentes de Reino Unido, Turquía, Serbia y Suecia, está considerado como uno de los mejores en el territorio sonoro del klezmer, la música turca y los sonidos balcánicos.
She'Koyokh es una palabra yidis que significa "bien hecho!". Comenzaron en el East End londinense en 2001 como una banda popular de calle, estableciéndose gracias al apoyo del Millennium Award del Jewish Music Institute e iniciando su carrera internacional con compromisos en el Amsterdam’s Concertgebouw, el Festival de Cultura Judía de Munich y en la televisión y la radio de la BBC.

En 2008 la banda fue galardonada con el primer premio del Festival Internacional de Música Judía de los Paises Bajos, publicando Sandanski’s Chicken, que será el último proyecto en el que participó uno de sus miembros fundadores, el acordeonista Jim Marcovitch, que fallece meses después. Ese mismo año, la vocalista kurdo-turca Çiğdem Aslan se incorpora al grupo, lo que permite expandir su repertorio para incluir temas de los Balcanes, el Mediterráneo y el folclore turco. En 2011 editan su segundo disco, Buskers Ballroom, y en marzo de 2014 sale su tercer trabajo Wild Goats & Unmarried Women, siendo todos sus discos aclamados de forma unánime por la crítica y el público.
Wild Goats & Unmarried Women sorprende por la variedad de temas. Si hacemos un repaso de la composición de la banda nos podemos hacer una idea de lo que nos encontramos en este trabajo:
Çiğdem Aslan como vocalista. Nacida en Estambul, puede cantar en turco, kurdo, griego, búlgaro y ladino, siendo muy demandada para colaborar en otros proyectos, además del suyo propio (Mortissa, editado en 2013, es su primer disco en solitario).

Susi Evans es la clarinetista del conjunto. Es miembro fundadora de She'Koyokh. Graduada en Londres, estudió posteriormente en Turquía y Bulgaria, consiguiendo un dominio del instrumento que la ha llevado a colaborar con diferentes grupos y orquestas y a ejercer, con mucho éxito, como profesora.

Meg-Rosaleen Hamilton toca el violín. Su repertorio abarca desde la música griega, búlgara, turca, y árabe, hasta el flamenco, como lo corroboran la cantidad de proyectos en los que interviene.
Živorad Nikolić estudió acordeón en Kragujevac, Serbia, antes de llegar a Londres, donde se graduó. Por su origen, siempre ha estado ligado a la música tradicional balcánica.
 Matt Bacon toca la guitarra, aunque por su perfil de multiinstrumentista, a veces lo vemos aparecer en otras facetas musicales. Proveniente del jazz y el pop, su giro hacia la música acústica le llevo a incorporarse al grupo en 2002. Su curiosidad le ha llevado a recorrer gran cantidad de países para investigar sobre las características musicales de los mismos.

Paul Tkachenko interviene con su contrabajo y su voz. Fue en Alemania donde se interesó por la música turca y, posteriormente, por la de Europa del Este. Además del contrabajo, también toca la tuba y se dedica también a la música desde el punto de vista teórico, con algunas publicaciones en su haber.

Ben Samuels toca la mandolina. Originario de San Francisco, estudió en Londres. Autodidacta, con raíces en la comunidad irlandesa-judía, ahora trabaja como artista, escritor y director en el Reino Unido y Europa.

Vasilis Sarikis es el multipercusionista del grupo, un artista griego especializado en percusión del Mediterráneo y los Balcanes, formado ampliamente en la bateria, el jazz, música de Brasil y del sur de India.

Así, pues, el repertorio del disco se compone de quince temas de un estilo amplio: temas de origen sefardí, versiones judías de danza populares húngaras y klezmer y una canción judía-ucraniana ("Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'", "Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov", "Der Filosof / Flatbush Waltz y "Limonchiki"); canciones tradicionales kurdas y turcas ("Esmera Min (Mi Morena)" y "Teke Zortlatması"); melodías rumanas y búlgaras ("Hora De La Munte", "Ţigăneasca De La Pogoanele" y "Kopano Horo"); melodías y canciones griegas ("Argitikos Kalamatianos", "Selanik Türküsü" y "Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'"); una canción popular búlgara de origen zíngaro, "Kopano Horo"; una canción de amor de tradición bosnia ("Moj Dilbere"), una danza en círculo muy popular en las bodas en Serbia ("Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo"), y un popurrí con una danza de boda bulgara y una canción compartida entre sefardíes y turcos ("Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana").

En definitiva, un delicioso eclecticismo, un conjunto de canciones desde realidades y tradiciones muy distintas que She´Koyokh consigue agrupar de forma coherente y con una altísima calidad, tanto en las voces como en las interpretaciones musicales. Como señalan en B!ritmos, "Un grupo de referencia en el mundo de la música balcánica pero que va mucho más allá, abriéndose a todo un mundo de tradiciones colaterales". 


Tracks list:
01. Beregovski Sher / Honga / Freilicher Yontov
02. Esmera Min (Mi Morena)
03. Hora De La Munte
04. Ţigăneasca De La Pogoanele
05. Poco Le Das La Mi Consuegra / Scottishe 'Saint Julien'
06. Argitikos Kalamatianos
07. Selanik Türküsü
08. Kopano Horo
09. Moj Dilbere
10. Jaseničko Kolo / Miloševka Kolo
11. Teke Zortlatması
12. Der Filosof / Flatbush Waltz
13. Svatbarska Rachenitsa / Yavuz Geliyor & La Comida La Mañana
14. Amarantos / Tsamikos 'Vohaítissa'
15. Limonchiki


(Fuente: B!ritmos)
Página web oficial: She´koyokh

jueves, 30 de agosto de 2018

agosto 30, 2018

Emerald Web - The Stargate Tapes 1978 - 1982 - 2013

"Compartiendo círculos sociales e ideologías espirituales con artistas como Iasos, Constance Demby y Deuter, El único dúo de almas gemelas surgido en Florida conocido como Emerald Web lanzó su LP debut un eje donde el rock post-prog se unió a la  proto-newage y la música electrónica ambiental. A la vuelta de los años 80, Bob Stohl y Kat Epple emprendieron un viaje espiritual de diez años tocando en planetarios y espectáculos láser en la la misma ciudad californiana de Silicon donde se ideó el primer software de música para ordenadores, unificando sus sonidos de sintetizadores modulares de última generación y composiciones orgánicas de flautas, campanas y grabaciones de campo y suministrando una cinematografía autoadaptada de cassette de música inimitable de Emerald Web para su autofundada etiqueta Stargate. Comunicados a través de la música como una sesión improvisada de flautista  en el sur de Florida, las futuras luminarias de la música espacial ayudarían a las compañías de sintetizadores a través de la retroalimentación y la consultoría en el desarrollo de instrumentos como el sintetizador Lyricon (favorecido por Suzanne Ciani y Bruno Spoerri) Varias máquinas patrocinadas para Arp, Buchla, EML, Computone y Orchestron.

Nombrados después de una formación de espectáculos láser y combinando influencias de películas de ciencia ficción, novelas de fantasía y un amplio espectro musical, incluyendo influencias de  Tangerine Dream, Vangelis, It's A Beautiful Day y Goro Yamaguchi, Bob y Kat balancearían los trabajos diarios como programadores de sintetizadores así como musica para TV y soundtracks de películas bajo el moniker Producciones de BobKat (contando entre sus clientes esta Carl Sagan en el documental de la naturaleza bajo el microscopio, con demostraciones de sintetizadores en las galerías, los centros espirituales e incluso los clubs punk. Este álbum de recopilación incluye las primeras canciones del lanzamiento de vinilo de Emerald Web y los siguientes cuatro raros discos de casete solo en Stargate Records de 1979-1982 antes de que la banda grabara sus álbumes más vendidos (y nominados al Grammy) para las etiquetas afiliadas al alemán Kuckuck y Larry Fast antes de la triste y prematura muerte de Bob Stohl en 1989. Tomada de cintas maestras originales y grabada usando tecnología de música revolucionaria, muchas de estas canciones nunca han estado en vinilo o CD hasta ahora. Finders Keepers se enorgullece de haber trabajado estrechamente junto a Kat Epple como parte de un proyecto de archivo de Emerald Web / BobKat en curso, haciendo que estos importantes híbridos musicales electrónicos / orgánicos tempranos estén disponibles para los fans de krautrock ambiental, bandas sonoras electrónicas, música concreta, electro y PINA. Bienvenido al Valle de los Pájaros."

Bob Stohl (vocals, flute, electric flute, shakuhachi, bass recorder, lyricon, mini-Moog synthesizer, Oberheim synthesizer, vocoder, percussion)
Kat Epple (vocals, flute, recorder, piano, Oberheim synthesizer, vocoder, percussion).
1. Dawn
2. The Dragons Gat
3. Ars Nova
4. Flight Of The Raven
5. Photonos
6. Doppler Bells One
7. Rainforest
8. Voices Of The Sage
9. Valley Of The Birds
10. Reflecting Pool
11. Stepper
12. Openings
13. Nightsong
14. Chasing Of The Shadowbeast

sábado, 25 de agosto de 2018

agosto 25, 2018

Michael Spiro & Michael Williams - Bata Mbira - Usa

Este CD fusiona la música tradicional de Cuba y Zimbabwe, creando un sonido atractivo y contemporáneo que se dibuja en un mundo mágico. Los tambores batá, interpretados por Michael Spiro, son una familia de 3 de doble cabeza con forma de reloj de arena tambores traídos a Cuba por el pueblo yoruba de Nigeria en el siglo 19 y se utilizan para acompañar ceremonias sagradas de los dioses. El mbira (piano de pulgar africano), interpretado por Michael Williams, es un instrumento del pueblo shona de Zimbabwe. Tiene 22-28 llaves de metal fijados a una caja de resonancia de madera y se utiliza como un medio sagrado para la comunicación con los espíritus ancestrales. Con voz de percusión, flauta y otros, estas canciones son fusiones originales de canciones tradicionales a los espíritus que guían al pueblo de Zimbabwe y Cuba.

Michael Spiro (vocals, marimba, percussion, background vocals)
Michael Spiro (bass marimba)
Sonyalsis Feldman (vocals)
Munose (flute)
Michael Williams (mbira, background vocals)
Kristina Clark, Sandy Cressman, Carol Steele (background vocals)
Jesús Diaz (vocals, timbales, background vocals)
 Sylvain Leroux (flute)

 1. Butsu Mutandari / Iyesa
2. Nhemamusasa / Afrekete
3. Baya Wabaya
4. Nyamaropa / Mase
5. Shumba / Oya
6. Kariga Mombe / Obakoso
7. Hangaiwa
8. Nyamamusango / Chango


Fuente: http://www.bmichaelwilliams.com/projects.php

miércoles, 22 de agosto de 2018

agosto 22, 2018

Feliz día mundial del Folklor

La investigadora folclórica Xiomarita Pérez mostró preocupación por la atribución a la Unesco de la declaratoria del 22 de agosto como Día Mundial del Folklore, como repiten instituciones y personas ligadas a la cultura, desvirtuando la realidad en detrimento de los verdaderos protagonistas de la fecha.

“Aunque la fecha se conmemora en muchos países, incluyendo el nuestro, no está registrado en la lista oficial de los días internacionales señalados por ese organismo internacional”, apuntó la también curadora de contenido y directora de EdoRitmos.

Aclaró que, contrario a lo que se cree, la declaratoria del Día Mundial del Folklore tuvo su origen en el primer Congreso Internacional del Folklore, organizado en Buenos Aires, Argentina, en 1960, por Augusto Raúl Cortazar, presidente de la Comisión Internacional Permanente de Folklore, también instituida en ese foro.

En dicho cónclave, “por el voto unánime de representantes de 30 naciones se recomendó que se conmemorara en todo el mundo el 22 de agosto “Día Mundial de Folklore”, como lo recoge Xiomarita en la página ocho de su monografía “Cronología del Folklore”, que publicó en agosto de 2012.

En la misma publicación la autora documenta que en 1970 se celebró en Argentina el espectáculo “El folklore artístico y sus proyecciones”, como iniciativa de Augusto Raúl Cortazar, con motivo de la conmemoración por primera vez en esa nación del Día Mundial del Folklore.

El mismo Cortazar escribió en 1970, que el Día Mundial del Folklore “fue instituido en 1960 por el Congreso Internacional del Folklore de Buenos Aires, el cual con el voto unánime de representantes de 30 naciones recomendó que se conmemorara por todo el mundo”.

El entonces presidente de la Comisión Permanente de Folklore escribió esas palabras testimoniales en la introducción del programa de mano del espectáculo “El folklore artístico y sus proyecciones” que se celebró por iniciativa suya en 1970, para conmemorar la fecha en su país, Argentina.

“Se aspira a que en esta fecha cada país muestre, difunda y exalte las bellezas y valores de su respectivo folklore, su expresión de común amor y admiración por el arte popular”, justificó en esa comunicación el folklorista argentino.
“La fecha elegida, 22 de agosto, recuerda simbólicamente la publicación en 1846 de la carta en la que William John Thoms proponía el termino folklore (saber tradicional del pueblo) que hoy es universal”, escribió también Cortazar, en alusión al Congreso que tuvo lugar en 1960 y cuyos resultados hoy se atribuyen en la Internet a la Unesco.
Xiomarita Pérez entiende necesario aclarar esa confusión y empezar a difundir el origen de tan significativo día.

No solo en República Dominicana se incurre en el error de atribuir esa declaratoria a la Unesco, basta navegar en la web para ver cómo otras naciones hacen lo mismo los 22 de agosto y si se solicita información a las instituciones que deberían conocer el dato, no se encuentran respuestas y se limitan a buscar en internet y repetir el error que ahí encuentran, como dice la especialista le paso mientras investigaba el tema.

Tras exhortar a las personas a investigar, antes de asumir como válida y divulgar una información, la folklorista apuntó que con solo buscar el listado de las declaratorias de días mundiales de la Unesco, se puede apreciar que no tienen una declaración del Día Mundial del Folklore, tampoco ese organismo hace declaraciones los 22 de agosto ni actividades alusivas a la conmemoración, según las páginas “es.unesco.org” y “unesco.org”.

No obstante, entidades públicas, privadas y personas interesadas en el tema, incluyendo periodistas, suelen reproducir que el día fue instituido por la Unesco porque repiten los errores que ven cuando buscan el dato en Google.

Xiomarita/Folkloredominicano.com