Radio Minorias

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Uniendo Culturas/Uniting Cultures

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viernes, 15 de febrero de 2019

febrero 15, 2019

Boncana Maïga - Koyma Hondo

He Afro Funk side of the Latin Soul maestro !

Born in Gao ( Mali), Boncana Maïga is one of the most talented and popular producer of west african music since the 60’s. He studied flute and latin arrangements in Cuba during the 60’s and founded the famous « Les Maravillas du Mali » in 1968.

He became orchestra leader for the national ivorian tv in Abidjan in the mid seventies, toured all over the world with the famous Africando band.

During his recording sessions in NYC at the beginning of the 80’s with a lot of « Latin musicians » from Puerto Rico, Venezuela or Colombia, Boncana Maïga also recorded few rare Funky tracks with heavy breaks !With the artist, we decided to reissue four rare tracks from 1978 to 1982 dedicated to dancefloor , included a really rare soundtrack for the oil company of Ivory Coast called « Petroci ».

In 2018, he’ll be back on tour with « Les maravillas du Mali « , still have a weekly TV show on TV 5 Monde and with this reissue will continue to warm your Afro Funk parties !


Side A

– Koyma Hondo ( 3.58)
– Zourou ( 4.16)

Side B

– Yala M’le ( 4.28)
– Petroci ( 2.23)

domingo, 10 de febrero de 2019

febrero 10, 2019

Etran Finatawa - The Sahara Sessions - 2013

Etran Finatawa ("las estrellas de la tradición") es la única banda del mundo que combina las culturas de los Bororo (se distinguen por sus singulares pinturas en la cara) y los Tuaregs. La cultura Bororo o Wodaabe añade unas características especiales a la música: el canto polifónico y su percusión, que se une a los sonidos tradiciones tuaregs. El resultado es un tipo de blues del desierto que nos llega desde la sabana del Sahel (Níger).
Dados a conocer en 2004 durante el Festival au Désert, en Malí, Etran Finatawa pertenecen (como Bombino o Tinariwen) a esa saga de artistas que han hecho del blues del desierto algo sugestivo e inconfundible, un espectacular directo que se puede comprobar en su anterior trabajo Tarkat Tajje – Let´s Go! (2010), grabado en su gira europea de 2009. En él crean un sonido único y diferente, donde se dan a conocer sus ideas y preocupaciones con respecto a su modo de vida tradicional en peligro de extinción, en una sociedad inmersa en un cambio global contínuo. Su segundo álbum Desert Crossroads (2008) fue una exploración de las dificultades de ser un pueblo nómada.

Y en mayo de 2013 lanzaron su tercer álbum hasta la fecha, The Sahara Sessions. El título define perfectamente la esencia del trabajo del grupo, para lo que decidieron montar un estudio de grabación en pleno desierto a las afueras de la ciudad de Korey Gourou, en Níger.
El resultado es un disco que suena diferente. Los cortes que lo componen se sienten más puros y transmiten un sonido sugerente que transportan al árido desierto (sus noches estrelladas y su calma), con sus particulares riffs de guitarra y percusión que se entrelazan en cada tema creando una fusión perfecta entre el ritmo y la base melódica que los componen. A todo ello se suman las voces de Alhousseini Mohamed Anivolla y Bammo Agonla, que nos invitan a la reflexión sobre el conflicto de la supervivencia de la cultura de los pueblos tuareg.

La problemática política y las graves dificultades económicas representan una peligrosa amenaza para el modo de vida nómada y las ricas culturas de Níger. Esperanzados en una solución a estos problemas, Etran Finatawa celebra sus raíces culturales y hace un llamamiento para que la conservación de los pueblos nómadas sea una prioridad tanto para Níger como para las y los oyentes de todo el mundo.
 
 Tracks list:
01. Matinfa
02. Gonga Timouhar
03. Icheraid Azaman
04. Wa Oyan A Wa Imouss I Bastila
05. An Mataf Germanawen
06. Eldam
07. Ahewalan
08. Bakuba
09. Atherlak
10. Djojaréré
11. Issaud
12. Is Ler Is Salan
13. In De Hallad
14. Im Raharan
15. Taborilit
16. Toumast
 


martes, 5 de febrero de 2019

febrero 05, 2019

Miles de Años - SUTRA - Argentina - 2004

La actividad artística de Miles de Años comienza a principios del año 2000 en la ciudad de Mendoza, Argentina, recorriendo teatros y festivales de Suiza, Italia, España, Chile, Uruguay y Argentina.  Sus inquietudes los llevan por escenarios nacionales e internacionales. Por donde van, el público parece captar de inmediato que sólo se trata de música en su más puro estado y expresión. Si bien puede provenir de muchas raíces étnicas como la hindú, la africana y la andina, no dejan de lado la influencia del jazz, del rock y de la música contemporánea, conformando una atractiva fusión que da lugar a una nueva mirada de la música contemporánea sudamericana. 
En el año 2002 editan su primer CD “Miles de Años”, en el 2004 “Sutra” y en el 2007 “Plexo”.

El grupo estaba integrado por:
Quique Öesch, Valdo Delgado y Eduardo Pinto.

Valdo Delgado y Eduardo Pinto fallecieron en un accidente de transito el 7 de Enero del 2008, alrededor de las 7am en el kilómetro 216 de ruta 2, en Uruguay, a la altura del puente sobre el arroyo Maciel.

Pero nos dejaron su música, y su increible talento que comparto con ustedes en estos dos discos que espero, disfruten tanto como yo.

 
Lista de temas:
01. Bajando el cerro
02. Sutra
03. Río Blanco
04. Viaje
05. Corazón amazónico
06. Respira
07. Notas de flauta
08. Llamador de ángeles
09. Corteza
10. Alfombra de oriente
11. En Sincro
12. Dombre VIII
13. Fragancia acústica  

miércoles, 30 de enero de 2019

enero 30, 2019

Himekami - Setsufu - 1987

Himekami (姫神?) es un grupo japonés de música New Age, toma su nombre del monte Himekami en Morioka, Prefectura de Iwate, en Japón.

El grupo fue fundado en 1980 por el compositor Yoshiaki Hoshi y su esposa Etsuko con el nombre de Himekami Sensheition, Yoshiki Hoshi tocaba el sintetizador y Wakako Nakajima, Tomoko Fujii, Junko Shiwa y Yoriko Sano eran los vocalistas. Cambió su nombre a Himekami en 1984.

En 1993 Yoshiaki Hoshi fue director musical de la ceremonia inaugural del Campeonato Mundial de Deportes Alpinos, celebrado en Japón.

En 2004 Hoshi fallece de un ataque al corazón. Su funeral se celebró en un santuario sintoísta en Hiraizumi.

Himekami contaba por aquel entonces con una enorme popularidad en su país, gracias a una delicada unión musical de tradición japonesa y electrónica, lejos del sinfonismo y la majestuosidad de Kitaro ("nosotros hacemos música japonesa, la de Kitaro es oriental") y del urbanismo de Sakamoto y su Yellow Magic Orchestra, sino más bien de una pureza y un lirismo embriagadores.

Yoshiaki and Etsuko Hoshi

After a successful hit in Japan keyboard artist Yoshiaki Hoshi changed his performance name to Himekami (姫神) in 1980, sometimes in collaboration with his wife Etsuko. Their music has much in common with Kitaro - a mix between traditional Japanese and more modern, popular styles - but less stable in 'quality'. Although they made also over 40 albums, compilations included, many of them never got released outside Japan.

Yoshiaki Hoshi died in 2004, though the group has been continued by his son Yoshiki.
01 - Sazame-Yuki
02 - Aoramu-Yuki-no-Utsuro-no-Naka-e
03 - Yuki-Hikaru
04 - Yuki-Zakura
05 - Hitohira-no-Yuki
06 - Yuki-No
07 - Secchuu-no-Hi
08 - Kazahana
09 - Mashiro-ni-Samuki-Kawa
10 - Awayuki

Fuentee: wikipedia.com
http://solsticiodeinvierno.blogspot.com.es/2008/11/himekami-snow-goddess-con-diez-aos-de.htm

viernes, 25 de enero de 2019

enero 25, 2019

Jóhann Jóhannsson - Orphée - 2016

Orphée traza un camino de la oscuridad a la luz, inspirado en las distintas re-narraciones de la antigua historia del poeta Orfeo, de Ovidio a Jean Cocteau. Una historia de múltiples capas sobre la muerte, el renacimiento, el cambio y la naturaleza efímera de la memoria, el mito también puede ser leído como una metáfora para la creación artística, tratando con la naturaleza esquiva de la belleza y su relación con el artista, así como la idea Que el arte se crea a través de la transgresión - por el poeta desafiando a los dioses que le han prohibido volver a su amada como él deja el inframundo.

La paleta sonora en Orphée es variada, combinando instrumentos acústicos tanto en solitario como en conjunto con la electrónica y los sonidos hipnóticos. Jóhannsson combina todas las facetas de sus obras anteriores, desde piezas íntimas de cuarteto de cuerda hasta grandes obras de orquesta de cuerdas con electrónica, drones, órgano, piano y coros, así como enigmáticas emisiones de onda corta para crear un sonido evocador e inmersivo.

01. Flight From The City 06:31
02. A Song For Europa 02:33
03. The Drowned World 02:20
04. A Deal With Chaos 02:05
05. A Pile Of Dust 04:51
06. A Sparrow Alighted Upon Our Shoulder 02:27
07. Fragment I 01:25
08. By The Roes, And By The Hinds Of The Field 02:39
09. The Radiant City 03:31
10. Fragment II 02:12
11. The Burning Mountain 02:45
12. De Luce Et Umbra 02:28
13. Good Morning, Midnight 03:17
14. Good Night, Day 03:58
15. Orphic Hymn 03:27
 


Fuente:http://www.deutschegrammophon.com/es/artist/johannsson/

domingo, 20 de enero de 2019

enero 20, 2019

Idir - La France des Couleurs

Idir es el nombre artístico de Hamid Cheriet, cantautor argelino nacido en la región de Kabilia en 1945. Es uno de los máximos exponentes de la música folk amazigh. A principios de los años setenta apoyó el comienzo de la carrera del joven y controvertido cantante antimusulmán Lounès Matoub (que sería asesinado por fanáticos musulmanes en 1998). A mediados de los setenta logró popularizar «A vava Inouva», una canción cabileña en idioma bereber. En 1999, Idir grabó el álbum Identités, donde colaboraron Khalida Toumi, Karen Matheson, Manu Chao, Geoffrey Oryema, Brahim Izri, Thierry Titi Robin, la Orquesta Nacional de Barbès, Dan Ar Braz, Maxime Le Forestier, Zebda y Gnawa Diffusion, entre otros.

En 2007, en pleine campagne présidentielle française, Idir signe un album non politique mais républicain : La France des couleurs. L'album, « défend les couleurs de la France » comme aime à le répéter l'artiste lui-même. Sur cet album, il invite la jeune génération à composer avec lui des chansons autour de ce thème qui lui est cher, l'identité. De nombreux artistes comme Akhenaton, Grand Corps Malade, Zaho et beaucoup d'autres posent ainsi textes, rage et sensibilités aux côtés du tonton kabyle.

01. Je Viens de Là l'On M'Aime (04:00)
02. La France des Couleurs (03:23)
03. Ce Cœur Venu d'Ailleurs (03:44)
04. Marche Sur Jérusalem (04:13)
05. Lettre à Ma Fille (03:22)
06. Tout Ce Temps (02:45)
07. Africa Taferka (03:41)
08. Retour (03:04)
09. Interlude (00:17)
10. Ya Babba (03:50)
11. Mama (04:53)
12. Sous le Ciel de Marseille (03:41)
13. Afous (02:54)
14. Médailles en Chocolat (03:46)
15. A Mon Père (03:32)
16. Pèlerinage (03:20)
17. D'Où Je Viens (04:07)

 

martes, 15 de enero de 2019

enero 15, 2019

Irfan - Irfan - Bulgaria - 2003

RFAN foi descoberto e aclamado no Fairy World vol.1. Esta banda búlgara foi uma das grandes revelações de 2003.

As misturas de intrumentos balcanicos, percussões, fortes vozes masculinas / coro e uma maravilhosa vox feminina.

A música é uma reminiscência de Dead Can Dance / Lisa Gerrard, Sarband, Soeur Marie KEIROUZ, Le Mystère des Voix Bulgares.
São 9 faixas de uma obra-prima.

"Durante o Outono de 2001, Ivailo, Kalin e Kiril se reuniram em torno de uma mesma idéia, um projeto musical e de vídeo. Em 2002, a cantora Denitza se juntou a banda, e esse foi o começo do grupo "Irfan" (em árabe: "gnose", "conhecimento místico").

"Nosso interesse pelas artes, filosofia, teologia, história e etnologia nos liga em música Irfan. Nossa música tornou-se uma mensagem, uma viagem através de e fora de tempo, de palavras e letras que se poderia compreender com o coração. "

MÚSICOS
Denitza Seraphimova - vocal
Kalin Yordanov - vocal, daf, bendir, darbouka
Ivaylo Petrov - oud, saz, tambura, guitarra, programação
Kiril Bakardjiev - programação, teclados, santour
Peter Todorov - darbouka, zarb, riq, djembe, tabla


MÚSICAS
1. Monsalvato (11.19)
2. Salomé (4.15)
3. Elena (2.36)
4. Return to Eden (7.36)
5. Otkrovenie (5.59)
6. Gospodi pomilui [Trad. Sec. XIII] (4.09)
7. Peregrinatio (5.13)
8. Outremer (5.18)
9. Santa Maria [Cantigas de Santa Maria, Espanha - Sec.XIII] (4.45)


Mais informações: PRIKOSNOVENIE

jueves, 10 de enero de 2019

enero 10, 2019

Eric Tingstad, Nancy Rumbel & Spencer Brewer - Legends - Emerald - Narada Classics

Legends / Emerald es un cd doble de clásicos ambientales acústicos del sello Narada. El disco uno Legends presenta a Eric Tingstad y Nancy Rumbel en su mejor momento. Es uno de sus primeros álbumes, y preparó el escenario para muchas maravillas por venir.

Eric Tingstad (guitarra) y Nancy Rumbel (instrumentos de viento: oboe, clarinete, occarina) han estado haciendo álbumes acústicos de pura belleza ganándose dos premios Grammy en su carrera.

Este crucial relanzamiento de dos álbumes iniciales muestra cuán importante y bello es su trabajo inicial.

El disco dos Emerald es por Spencer Brewer, Eric Tingstad y Nancy Rumbel. El suave toque de Brewer en el piano es el acompañamiento perfecto para las aventuras románticas de Tingstad y Rumbel. Su música es melódica pero no abrumadora. Los sonidos son pacíficos pero no aburridos los dos tienen una simpatia que se refleja en sus composiciones. La guitarra de Eric es pura artesanía y los instrumentos de viento de Nancy son elevados, divertidos y simplemente hermosos!


01. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Shenandoah (5:41)
02. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Aladdin (4:51)
03. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Sacajawea (5:55)
04. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - The Ark And The Dove (4:46)
05. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Johnny Appleseed (4:37)
06. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Don Juan (4:29)
07. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - Galileo (5:49)
08. Eric Tingstad & Nancy Rumbel - The Eyes Of Amelia (5:55)
09. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Fisherman's Dream (4:13)
10. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Shadow Dancer (3:43)
11. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - The Last Snow Leopard (3:30)
12. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Timeless Reunion (3:23)
13. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Dreamgift (4:08)
14. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Gigue (4:00)
15. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Gateway (4:07)
16. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Emerald Pavane (4:08)
17. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Snowater (3:40)
18. Eric Tingstad, Nancy Rumbel and Spencer Brewer - Cinderella (3:03) 
 


sábado, 5 de enero de 2019

enero 05, 2019

Angélique Kidjo - Eve - 2014

Eve es el título del nuevo trabajo de Angélique Kidjo, un maravilloso recopilatorio con una serie de canciones dedicadas a la cultura de las mujeres de África, un homenaje a su fuerza, su femineidad y a su constante lucha por la independencia y la libertad.
 
Producido por Patrick Dillett (colaborador de artistas del calibre de David Byrne), el nombre del disco es una clara dedicatoria a la madre de Angélique Kidjo y ha sido grabado incluyendo hasta diez coros de mujeres procedentes de Benín y Kenia, que acompañan a la "New Mama Africa" cantando en distintos dialectos e idiomas autóctonos, entre ellos el Fon, el Yoruba, el Goun y el Mina. La cantante lanza este nuevo trabajo en conjunción con la edición de "Spirit Rising: My Life, My Music", una autobiografía publicada por Harper Collins.

"Eve es un álbum de recuerdos de la mujer africana con la que crecí y un testimonio del orgullo y la fuerza que se esconde detrás de la sonrisa que oculta problemas cotidianos" dice Kidjo, cuyos premios incluyen una discografía de 20 años y miles de conciertos en todo el mundo. "Sus voces emanan positividad y gracia en momentos difíciles. En esta grabación dejo que las voces de las mujeres muestran su belleza al mundo", añade. "Eve muestra la positividad que aportan a sus pueblos, ciudades, la cultura y el mundo".
Para la realización de Eve, Angélique ha contado, también, con un impresionante plantel de artistas como el guitarrista Lionel Loueke, el batería Steve Jordan, el bajista Christian McBride y con la participación extraordinaria del original percusionista senegalés Magatte Sow. También podemos escuchar en el disco a Dr. John (piano), Rostam Batmaglij (guitarra de Vampire Weekend), Kronos Quartet y a la Orquesta Filarmónica de Luxemburgo.

Con la popular cantante nigeriana Asa canta "Eva", y para la tradicional canción congoleña "Bana" cuenta con la carismática voz de su madre Yvonne.

"Eve está dedicado a las mujeres de África, a su capacidad de recuperación y a su belleza", dice Kidjo. "Estas mujeres tienen muy poco en lo material, pero cuando sonríen es como si hubieran saltado a la luna y estuvieran colgando de ella. Siempre y cuando seamos fuertes, vamos a seguir adelante con dignidad". Definitivamente, Eve se coloca como una de las cumbres de la impresionante carrera de Kidjo, una demostración de su absoluto nivel técnico, un álbum perfecto para quienes amamos y admiramos las culturas africanas.


 Tracks list:
01. M´Baamba (Kenyan Song)
02. Shango Wa
03. Eva (con ASA)
04. Interlude: Agbade
05. Bomba (con Rostam Batmaglij)
06. Hello (von Trio Teriba)
07. Blewu
08. Kamoushou
09. Kulumbu (con Dr. John)
10. Interlude: Kletedjan
11. Ebile (con Kronos Quartet)
12. Awalole (con Orchestre Philharmonique du Luxembourg)
13. Bana (con Yvonne Kidjo)
14. Orisha
15. Interlude: Wayi
16. Coari

domingo, 30 de diciembre de 2018

diciembre 30, 2018

Coral Hallelluya - Feliz Natal

Não garanto que este CD, um brinde de Natal que ganhei, é realmente do Coral Hallelluya, como apresento acima, já que o repertório traz faixas vocalizadas e instrumentais. A capa limita-se ao título “Feliz Natal”, e a contracapa traz a nomenclatura “Boas Festas”,  mas o grupo não é mencionado no disco, que também não informa o ano da produção. Arrisquei o nome do coral porque é citado na ficha técnica como participante, assim como são mencionados (leia abaixo) os nomes dos músicos responsáveis pela execução. Outra dúvida diz respeito aos autores da música “Marcas do que se foi”, aqui mencionada como obra de seis compositores, sendo que no disco do Márcio Lott, que considero o responsável pela gravação original, apesar do sucesso feito também pelo grupo Os Incríveis, aparece apenas o nome de Zurana. Seja como for, o fato é que o CD, lançado pelo selo Plinta, é delicioso de ouvir, e tem produção esmerada. Confira:

01 - Marcas do que se foi
(Ruy Maurity - J.J.Miquinioty - Carlos Moura - 
Ribeiro J. Francisco - Luiz Carvalho - Paulo Sérgio Valle)
02 - Natal das crianças
(Black-Out)
03 - Adeste Fidelis (Gloria in Excelsis Deo)
(Tradicional - D.R.)
04 - White Christmas
(Tradicional - D.R.)
05 - Noite Feliz
(Tradicional - D.R.)
06 - Pinheirinho de Natal
(Tradicional - D.R.)
07 - Jingle Bells
(Tradicional - D.R.)
08 - Boas Festas
(Assis Valente)
09 - Vamos Comemorar
(João Plinta - Lula)
10 - Jesus Alegria dos Homens
(J.S. Bach)
11 - Fim de Ano
(Francisco Alves - David Nasser)

MÚSICOS PARTICIPANTES

Piano/teclados: Beto Paciello
Contrabaixo: Dárcio Rael
Bateria: Albino Infantozi
Violões/guitarra: Paulinho Coelho
Acordeon: Oswaldinho
Sax: Magic Naylor (Proveta)
Participação do Coral Hallelluya

martes, 25 de diciembre de 2018

diciembre 25, 2018

Jesse Pessoa - Cancoes de Natal

Um delicioso CD pra tocar no Natal é este disco do Jesse Pessoa, com 20 canções natalinas, lançado pelo selo Polydisc, da Sony, em ano não citado. O repertório inclui clássicos nacionais e internacionais do gênero, como “Jingle Bell”, “White Christmas”, “Ave Maria”, “O velhinho”, "Noite feliz", 'Boas Festas" e até “Natal latino”, uma composição do próprio músico. Apesar de contar com vários discos gravados, não encontrei a biografia do artista na internet.

O site do músico limita-se a informar que é conhecido como "O Harpista Brasileiro", e tem cativado audiências em todo o mundo com seu animado e criativo estilo. A página destaca que “ele tem encantado o público com um repertório impressionante que inclui melodias latino-americanas tradicionais, canções padrão e pop, bem como ritmos de jazz. Entre os harpistas mais famosos, ele é mais conhecido por tocar samba e outras músicas brasileiras na harpa. Pessoa foi o artista em destaque em alguns dos mais luxuosos resorts nos Estados Unidos, Brasil, Caribe, Oriente Médio e Europa. Ele se adapta a diferentes cenários com elegância, de lobbies de hotéis, navios de cruzeiro ou salas de concerto - Jesse Pessoa fará qualquer evento especial com sua bela música de harpa, rica de arpejos, glissandy e sentimento latino”. Confira:

01 - Jingle Bell
(Tradicional)
02 - Soleado
(Zacar)
03 - Ave Maria
(Gounod)
04 - Fim de ano
(David Nasser - Francisco Alves)
05 - White Christmas
(Irving Berlin)
06 - Jesus sertanejo
(Janduhy Finizola)
07 - Adeste Fidelis
(Tradicional)
08 - Natal latino
(Jesse Pessoa)
09 - Pinheirinho agreste (O Tannenbaum)
(E. Anschutz)
10 - Boas festas
(Assis Valente)
11 - Natal das crianças
(Blecaute)
12 - Noite feliz
(J.Mohr - E. Gruber)
13 - Feliz navidad
(José Feliciano)
14 - Oração de natal
(C.G. Fernandez)
15 - O velhinho
(Octávio Babo Filho)
16 - Natal festivo
(Mário Rinaldi)
17 - Ave Maria
(Schubert)
18 - Arvores de natal
(Joly Sanches - Luis Bordon)
19 - Natal de paz
(Nicolas Perez Gonzalez)
20 - Pastoril infantil
(Tradicional)


jueves, 20 de diciembre de 2018

diciembre 20, 2018

The Moms & Dads - Merry Christmas with


Pistas
A1 Santa Claus Is Coming To Town

    Written-By – Haven Gillespie, J. Fred Coots


A2 White Christmas

    Written-By – Irving Berlin


A3 Here Comes Santa Claus

    Written-By – Gene Autry, Oakley Haldeman


A4 Rudolph The Red-Nosed Reindeer

    Written-By – Johnny Marks


A5 I Saw Mommy Kissing Santa Claus

    Written-By – Tommie Connor


A6 Silver Bells

    Written-By – Jay Livingston, Ray Evans


B1 Jingle Bells

    Arranged By – Crow*, Hendren*, Welch*, Ratliff*


B2 Winter Wonderland

    Written-By – Dick Smith (3), Felix Bernard


B3 Jingle Bell Rock

    Written-By – Jim Boothe, Joe Beal


B4 May You Have A Happy New Year

    Written-By – Leslie Welch


B5 Let It Snow! Let It Snow! Let It Snow!

    Written-By – Jule Styne, Sammy Cahn


B6 Auld Lang Syne

    Arranged By – Crow*, Hendren*, Welch*, Ratliff*


Créditos

    Accordion – Leslie Welch
    Drums – Harold Hendren
    Piano – Doris Crow
    Saxophone – Quentin Ratliff

sábado, 15 de diciembre de 2018

diciembre 15, 2018

George Winston - December - 20th Anniversary Edition

Este es un disco para relajarse y reflexionar, a diferencia de muchos grandes discos de Navidad antes y después de ella, December no es sólo un album con canciones de Navidad como el nombre sólo denotaría. Más bien, se trata de una oda a la tranquilidad del invierno, el frío que desciende sobre el hemisferio norte en el duodécimo mes del año.

Esta edición del 20 aniversario, incluye dos bonus tracks, con un sonido mejorado con respecto a versiones anteriores.

1. Thanksgiving
2. Jesus, Jesus, Rest Your Head
3. Joy
4. Prelude
5. Carol Of The Bells
6. Night-Part One: Snow
7. Night-Part Two: Midnight
8. Night-Part Three: Minstrels
9. Variations On The Kanon By Pachelbel
10. The Holly And The Ivy
11. Some Children See Him
12. Peace
13. A Christmas Song
14. Sleep Baby Mine 

lunes, 10 de diciembre de 2018

diciembre 10, 2018

Joaquin Diaz - Canciones de Navidad

Lo es todo en la música tradicional, el folklore y la tradición oral castellana y leonesa. Músico y estudioso de renombre y triunfador en medio mundo, Joaquín Díaz nació en 1947 en Zamora pero con tan sólo cuatro años se trasladó a Valladolid junto a toda su familia. Desde pequeño se dejaba retratar con una pequeña guitarra de madera que luego cambiaría por otra más grande: con ella creó su propio grupo en el Colegio de Lourdes, centro donde cursó sus primeros estudios; con esta primera formación acudió al programa de Televisión Española Salto a la Fama. «Lo que me contaban mis padres es que con dos o tres años ya cantaba. Una muchacha que tenía mi madre, que era de Sanabria, me enseñó canciones y yo las cantaba por el patio». Abandonó la carrera de Filosofía y Letras desilusionado por el funcionamiento de aquella Universidad de los años franquistas, formó su grupo musical y grabó el álbum Recital (1967): «Mi aspiración era estudiar antropología o algo similar, pero no se enseñaba en ningún sitio. Así que después de tres años, dejé la Universidad... Descubrí que el mundo de la creación artística y el de la Universidad eran incompatibles».

Junto a Ángel Álvarez puso en marcha, en 1968, el mítico grupo de folk «Nuestro Pequeño Mundo», del que se separaría después de grabar dos álbumes. Entre 1968 y 1974 recorrió los escenarios más diversos, actuó en las Universidades éstadounidenses de Harvard, Austin y Boston, en las portuguesas de Lisboa, Coimbra y Oporto, en Alemania, Francia y, por supuesto, en España. Dirigió programas de radio y televisión, publicó artículos en revistas musicales especializadas y grabó, a finales de los sesenta, cuatro discos importantes: Canciones de Navidad (1968), De mi álbum de recuerdos (1969), De la picaresca tradicional (1970) y El viaje (1970). Su fama era imparable: nombrado Ciudadano Honorario del Estado de Texas, graba The Music of Spain (1973) y Sephardic Songs (1974), y publica los libros Palabras ocultas en la canción folklórica (1971; y Música pop y música folk (1975), este último en colaboración con José María Íñigo.

1.- A Belén pastores
2.- San José carpintero
3.- Al zagal que desvelan amores
4.- Tanto es el niño que ves
5.- Es día de parabién
6.- Pajarito que cantas
7.- Rabadán
8.- Campana sobre campana
9.- A mi niño tierno (1665)
10.- A la nanita nana
11.- En el portal
12.- Si de que tembléis (1671)
13.- Pues que la estrella (1550)
14.- ¡Ay del chiquirritín!


miércoles, 5 de diciembre de 2018

diciembre 05, 2018

Varios Artistas - Ecos de Navidad

El cantautor Amancio Prada aseguró que la grabación del disco Ecos Navideños , realizada en la sala de un centro tecnológico usada para analizar el ruido provocado por el motor de los coches, ha dado «un sonido tan natural como si los villancicos se hubieran grabado en el mismo Portal de Belén». La iniciativa surgió de José Luis Chacel, patrono de la Fundación Cidaut, un centro tecnológico que se dedica a la investigación de la industria de la automoción y que está ubicado en el Parque Tecnológico de Boecillo, en Valladolid. Chacel ofreció a intérpretes de música tradicional como el propio Amancio Prada, Joaquín Díaz y el grupo Candeal, entre otros, la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones, donde se analizan técnicamente las diferencias entre la sonoridad de unos y otros modelos de vehículos. Para Amancio Prada, la experiencia de la grabación en un lugar tan original ha producido «un sonido tan natural como si los villancicos hubieran sido grabados en el mismo portal de Belén, ha sido a contracorriente, contra todo tipo de tecnología», a pesar de encontrarse en un centro tecnológico.

El disco, que incluye un libro en el que se relatan anécdotas y costumbres navideñas, se presentó ayer en Valladolid con 16 temas, de los que Amancio Prada interpreta tres.

Según destacó el promotor de la iniciativa, José Luis Chacel, en el disco-libro, del que se han editado 10.000 ejemplares, se incluyen «hechos curiosos y poco conocidos por el público de la comunidad autónoma, como que en la localidad salmantina de Ledesma se encuentran los restos de tres pastores que adoraron al Niño Jesús». Prada aseguró que vivimos «de espaldas a la tradición, estamos empeñados en ver como dicotomía la tradición y la modernidad cuando la realidad es que no podemos hacer nada sin la tradición». El cantautor se quejó de que «hoy en día se ha dejado de cantar» porque «la música ambiental nos invade y se ha convertido en algo rumoroso, en un ruido que se superpone a las voces». En la grabación también ha participado el columnista del Diario de León Pedro García Trapiello, quien con su potente voz declama varios poemas navideños. José Luis Chacel, que es un apasionado belenista, ha incluido en el libro una variada ilustración de los belenes y dioramas procedentes de su colección particular. El mentor de esta aventura musical y solidaria desveló que ofreció a este grupo de intérpretes de música tradicional la posibilidad de grabar un disco de villancicos en la sala semianecoica de las instalaciones «para comprobar cómo es el sonido limpio de una sala carente de ruidos». 


1.Pensamiento 1 - No la debemos dormir (Pedro García Trapiello y Jesús Prieto) 1:54
2.Tarantán (Joaquín Díaz) 1:42
3.San José es carpintero (Candeal) 2:00
4.Id tranquilo rabadán (Pedro García Trapiello y José Luis Chacel) 2:56
5.Zagalejo de perlas (Amancio Prada y Jesús Prieto) 3:14
6.Porque ya ha nacido el niño (Javier Bergia y Luis Delgado) 4:28
7.Pensamiento 2 - Nana del portal (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 3:08
8.Variaciones sobre ´El verbo divino´ (Amancio Prada, Félix Pérez, Javier Castrillo, José Antonio Ortega y Javier Bergia) 3:02
9.Atención al Misterio (Joaquín Díaz) 1:36
10.Pensamiento 3 (Pedro García Trapiello) 1:58
11.Antes de las doce (Javier Bergia y Luis Delgado) 2:40
12.Villancico laico gitano (Amancio Prada y Javier Bergia) 3:24
13.Pensamiento 4 - Canción de cuna (Pedro García Trapiello - Jesús Prieto) 2:05
14.Esta noche es Nochebuena (Candeal) 2:18
15.Celebración navideña (Javier Castrillo y Jesús Prieto) 2:07
16.Vámonos ´iendo´ (Antonio Ortega y Pedro G. Trapiello) 1:11

Fuente:
http://tidido.com/a35184372149447/al540719dc196deee83f8d127d/t54080135196dee947592e5eb

domingo, 2 de diciembre de 2018

diciembre 02, 2018

Mejor Cortometraje “El Costo de la Impunidad” (Videos)

Así se vivió la emoción del IX Festival de Cortometrajes “Tito Vacaro 2018”.



Homenaje a Elías Jiménez y el momento de Premiar al Mejor Cortometraje “El Costo de la Impunidad”
Cortometraje realizado por estudiantes de ciencias de la comunicación de CUNORI a través del curso información audio visual: cine y televisión. 

PRODUCCIÓN
Ada Pensamiento
GUION Y DIRECCIÓN 
Karla España
DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Gustavo Melgar
SONIDO
Mariabélen Leiva
EDICIÓN 
Marcia Lemus 
ILUMINACIÓN
Milena Guerra 
DIRECCIÓN DE ARTE
Mayarí González
ASISTENTE DE DIRECCIÓN
Luz Victoria García 

Asistentes de Edición y Sonido
Ricardo García
David Aroch

Elenco 
More Escobar
Selvin Morales
Elmer Guerra
Dennis Colindres
Jorge Catalán 
Hugo Lima

viernes, 30 de noviembre de 2018

noviembre 30, 2018

New York Jazz All Stars América - Feliz Navidad - 2000

The New York Latin Jazz Allstars traer un concepto totalmente nuevo y fresco a las tradicionales canciones de Navidad. Este conjunto de gigantes del jazz, se unió a los veteranos establecidos Contemporánea Música Latina en la escena de Nueva York, quemar sobre los arreglos de conocidas canciones de Navidad. Dave Valentin jugado un papel importante en llevar todo el talento junto que se oye sobre estos temas. Es también una de las últimas grabaciones que ofrecen la tarde Tito Puente. Producido por Bob Cranshaw jazz y se combina con las habilidades de organización de Mike Longo, Papo Vásquez, Gonzales Ricky, Ray Santos y Rodríguez Piro, esta grabación única se convertirá en una adición a su colección atesorada música Chistmas además de convertirse en una grabación de jazz en por derecho propio.

Temas:
01.Feliz Navidad   
02.Rudolph the Red-Nosed Reindeer   
03.Winter Wonderland   
04.Have Yourself a Merry Little Christmas    
05.Santa Claus Is Coming To Town    
06.Christmas Song   
07.La Muruga   
08.Jingle Bells


New York Latin Jazz Allstars: Mario Rivera (saxofón tenor); Piro Rodríguez (trompeta), Papo Vázquez (trombón), Ricky González (piano), Oscar Cartaya (bajo); Duen'o Ender (batería); Carrillo Anthony (bongos) , Richie Flores (congas), Davis C. Forestier (timbales), Wilfredo Villegar (percusión) 

Personal: Mauricio Smith (flauta, saxo), Dave Valentín (flauta), Chico Freeman (saxofón), Mario Rivera (saxofón tenor); Jon Faddis, Piro Rodríguez (trompeta), Monty Alexander (piano); Richie Flores, Carlos "Patato "Valdés (congas), Anthony Carrillo (bongos), Tito Puente (timbales)

Fuente: http://chumanceralatinjazz.blogspot.com

domingo, 25 de noviembre de 2018

noviembre 25, 2018

Mad Sheer Khan - 1001 Nights - 2000 - Argelia

Nacido en la casbah de Argel, Mad es hijo de madre argelina y padre persa. Comenzó a componer a los quince años, con la idea de que la música es un lenguaje universal que todo el mundo entiende, de que el sonido tiene el poder para contribuir a un futuro mejor. Mad toca la dilruba (antiguo violín original de norte de la India nacido hace mas de 300 años) y el esraj, y ha profundizado en la música persa, la música de los baul, y la música gnawa.
Con 17 años se echó a la carretera con su guitarra, y durante un año estuvo viviendo en la calle, comenzando su aprendizaje de un modo radical.

Desde los 18 años, cuando funda el grupo Rahmann, Mad ha tocado con John McLaughlin, Nico, de Velvet Underground, Mickael Riley (Steel Pulse/Reggae Philarmonic Orchestra), Sapho, Harem, Mickael Hutchence, Keziah Jones, Axel Bauer y Sting. El resultado de todas esas experiencias pasadas, y sus sentimientos personales acerca de la emigración de personas y culturas se ve definida actualmente bajo la expresión de "traditions avant-garde".
En el 2000, Mad lanza "1001 Nights" (Erato/Warner classic), una composición para 7 cantantes de 7 culturas diferentes (navajo, tibetano, argelino, gnawa, indio, hebreo y persa) combinando una orquesta de cámara clásica con prestigiosos solistas como L. Subramanian o Alla. "1001 Nights" ocupó el puesto 6 en la Lista Europea de Músicas del Mundo.

01  Night of Algeria 5:34
02  Night of Gnawas 9:44
03  Night of Hebrews 8:34
04  Night of Navajos 8:55
05  Night of Tibet 7:43
06  Night of India 11:20
07  Night of Persia 11:13
Fuente:http://www.mundimapa.com/joomla2/index.php?option=com_k2&view=item&id=47:madsheerkhan

martes, 20 de noviembre de 2018

noviembre 20, 2018

Yaşar Kurt & Arto Tunçboyacıyan - Nefrete Kine Karşı - 2009

Yaşar Kurt ( armenio : Յաշար Կուրթ, b.August 16 de 1968 en Estambul , Turquía ) es un turco-armenia rock artista. Estudió en 1990 en la Facultad de Economía de la Universidad de Eskisehir, pero no se graduó. Fundó el grupo musical alternativa Beyaz Yunus (literalmente White Dolphin). En 1993, tuvo su primera grabación de estudio en Alemania y en 1994, lanzó el álbum Sokak Şarkıları (literalmente Street Songs) grabado en Colonia , Alemania. El álbum en el sello discográfico Ada Müzik se hizo muy popular en Turquía. Una serie de conciertos seguida en toda Turquía. Mudarse a Berlin , nació una hija nombrada Rosa. Regresó en 1996 a Turquía para continuar con su carrera musical.

Arto Tunçboyacıyan (en armenio Արտո Թունչբոյաջյան; nacido en 1957 en Estambul)es un músico turco de origen armenio. Es famoso dentro de la escena del folk avant-garde, habiendo interpretado en más de 200 discos en Europa antes de su llegada a los Estados Unidos, donde inició colaboraciones con numerosas leyendas del jazz (como por ejemplo Chet Baker, Al Di Meola y Joe Zawinul). También ha trabajado con la artista turca Sezen Aksu, la cantante griega Elefthería Arvanitáki entre otros representantes de la world music. Su hermano, Onno Tunç también músico, causó en él una gran influencia.

1. Kaldıralım
2. Bazen İnsan
3. Kaldırımlar
4. Alışamadım
5. Alışamadım (Ermenice)
6. Küçük Nil Büyük Irmak
7. Uzumesne (Ermenice)
8. Kendim Gibi
9. Nefrete Kine Karşı 


Fuente:http://es.wikipedia.org/wiki/Arto_Tun%C3%A7boyac%C4%B1yan 

http://en.wikipedia.org/wiki/Yaşar_Kurt 

jueves, 15 de noviembre de 2018

noviembre 15, 2018

Aurelio - Lándini - 2014

Aurelio Martínez es un artista hondureño originario de la cultura garífuna, y uno de los principales exponentes (junto con Andy Palacio) de su música tradicional. Los garífunas son un pueblo de origen africano que vive en la costa caribeña centroamericana, Belize, Guatemala, Honduras hasta Nicaragua. Un pueblo que nunca a renunciado a su identidad ni su cultura.
Su disco titulado Garifuna Soul (2004) probablemente sea, junto con Umalali (The Garifuna Women´s Project), el mejor disco grabado en la historia de esta música tradicional. Originario de Paplaya, Honduras, su pueblo de la infancia se ha convertido en la piedra angular de su nuevo trabajo, Lándini ("aterrizaje" en garífuna), disco dedicado a su madre (su principal influencia y personaje central de su vida, según dice el mismo Aurelio) y un homenaje a su tierra y sus gentes.

Canciones elaboradas mano a mano con su madre María Martínez, junto con temas tradicionales, en las que incorpora elementos de una amplia variedad de fuentes pero en las que late el corazón de la música garífuna. Historias que compone María, basadas en eventos de la comunidad y en experiencias personales. Ella le enseña el verso y el coro de las canciones a su hijo, y Aurelio acaba terminando el tema, como un cuento, añadiendo otros versos, al más puro estilo tradicional.

"Mi madre es la única fuente de inspiración para este álbum", dice Aurelio. "Mi madre se ve a sí misma reflejada en mí, en gran medida, el único de la familia que ha podido cumplir su sueño de cantar profesionalmente. Me transmite las canciones, y me da consejos sobre la música. Ella es el mejor ejemplo que tengo en mi vida de lo que un ser humano debe ser, mi asesora principal y confidente". "Irawini" refleja este vínculo afectivo. Compuesta por María, nos habla del sentimiento de escuchar a Aurelio a la guitarra en la distancia, mientras espera ansiosamente su regreso a casa cada noche.
Las canciones garífunas, ya sean nuevas o antiguas, están llenas de humor y de reflexiones. Son crónicas de los acontecimientos en la vida de una comunidad. Otras hablan de sufrimientos personales (por ejemplo, "Durubei Mani" y "Nafagua", en la que se lamenta la pérdida de un ser querido). Explica el productor del álbum, Ivan Duran, que "cuando una canción garífuna se vuelve popular en la comunidad, por lo general no es porque contenga una melodía pegadiza o porque sea una canción divertida. Es porque la experiencia que se transmite en la canción resuena con las propias experiencias de los oyentes". Estas canciones son reutilizadas, transformándose con el tiempo gracias a que quienes las interpretan suman nuevos nombres y lugares, nuevos pensamientos y versos.

En su simplicidad es donde las canciones garífunas encuentran su inesperada profundidad. Son temas que, a menudo, tienen un doble significado que abarca la ambivalencia de la vida, la zona gris entre el amor y el desasosiego, entre la felicidad y la desgracia. Es una combinación que las y los trovadores garífunas han refinado a la perfección, vinculando ritmos dinámicos y optimistas con melodías melancólicas y sentidas.

En la grabación de Lándini, Duran, quien es oriundo de Belize y ha dedicado la mayor parte de su vida profesional a trabajar con artistas garífunas, se esforzó para acentuar esta doble naturaleza de las canciones, con sus complejas resonancias emocionales. Los toques de Duran son restringidos y sutiles, dejando el centro de atención en Aurelio y en las interpretaciones delicadas y apasionadas de su banda, en los sonidos de percusión, voces y guitarras magistralmente interpretadas por Guayo Cedeño.


 Tracks list:
01. Sañanaru (I Can't Handle Her)
02. Nando (Leonardo)
03. Milaguru (Miracle)
04. Nafagua (I Will Try)
05. Nari Golu (My Golden Tooth)
06. Lándini (Landing)
07. Lirun Weyu (Sad Day)
08. Durugubei Mani (Evil People)
09. Irawini (Midnight)
10. Funa Tugudirugu (Newborn Child)
11. Nitu (Older Sister)
12. Chichanbara (Ginger)

 


Fuente: Aurelio – RealWord)

Página web oficial: Aurelio

sábado, 10 de noviembre de 2018

noviembre 10, 2018

Susheela Raman - Queen Between - 2014

Queen Between (2014) es el sexto álbum de Susheela Raman, su mejor disco hasta la fecha, el más ambicioso y emocionante para una artista acostumbrada a romper fronteras musicales, un trabajo que apunta a la música qawwali pero que, con la visión moderna que tiene la música de Susheela, escapa a los límites tradicionales.

En este disco, después del magnífico Vel (2011), donde se adentró por completo en la cultura familiar consiguiendo una auténtica reinterpretación contemporánea de las músicas tradicionales del sur de la India, acompañada de su inseparable compañero, guitarrista y productor Sam Mills, añaden a sus influencias tamiles las del trance qawwali. Queen Between es grande, también, por el elenco de artistas que interviene. Además de su cómplice Aref Durvesh, maestro de la tabla, hay que añadir a los músicos de Rajastán: Kutle Khan que le apoya vocalmente y también toca el arpa de boca y las percusiones, Nathoo Solanki con los tambores y Rana Ram Bhil con las flautas narth. También participan en tres de sus canciones un antiguo colaborador y amigo, Vincent Segal, con su brillante cello. Y, para destacar, Rizwan-Muazzan Qawwals, los dos sobrinos del legendario Nusrat Fateh Ali Khan (Muazzam y Rizwan) y su grupo, que tienen una capacidad asombrosa para crear unos sonidos vocales que favorecen que la voz de Susheela crezca de manera sublime.

En las ocho canciones editadas se aprecian los resultados del viaje que hicieron cantante y productor a la región del Rajastán para complementar su cultura y prendarse de sonoridades inspiradoras, cuyo resultado es una especie de misticismo musical que se adapta muy bien a los ámbitos urbanos, un armazón en el que lo ancestral se teje a la perfección con la actualidad más vibrante. Un disco aderezado principalmente de instrumentos acústicos y orgánicos, grabado casi todo como si fuera un concierto en vivo (con algunos retoques finales) y con cierto aire psicodélico, y con letras, casi todas en inglés, personales y profundas. Excepcional.

01. Sharabi
02. Corn Maiden
03. Riverside
04. Sajana
05. North Star
06. Queen Between
07. Karunei
08. Taboo

lunes, 5 de noviembre de 2018

noviembre 05, 2018

Raghu Dixit - Jag Changa - 2013

Cuando el folk-rocker de Bangalore, Raghu Dixit, editó su primer disco en 2008, no aceptó un "no" por respuesta. Su combinación de blues-rock de finales de los años 60, folk-rock impulsado por violín y sonidos tradicionales (aderezado con su enorme sonrisa) desarrolla un nuevo sonido hindú tremendamente accesible al público general. Por eso no es de extrañar que este segundo álbum haya sido tremendamente esperado.
 La fuerza de Dixit reside en saber fusionar, como nadie, dos mundos musicales con muy poco esfuerzo y con mucha alegría. Jag Changa, al igual que The Raghu Dixit Project´s, es ambicioso: el alcance del álbum se extiende desde temas que suenan cinematográficos (al más puro estilo bollywood) a baladas ghazal con sabor a rock nostálgico. Los ocho temas del disco sugieren que la banda es capaz de mucho más que el folk rock boyante que definió su debut en 2008, Antaragni. Se refleja en las y los artistas invitados, que incluyen al joven virtuoso del sarod Soumik Datta, al flautista Navin Iyer, a los miembros del grupo de folk británico Bellowhead (Andy Mellon y Brendan Kelly), y a la intérprete de banjo clawhammer Abigail Washburn.

Las letras, una vez más, son una mezcla de la poesía kannada del poeta místico Santa Shishunala Shariff y material de autores contemporáneos como Madan Karky, Ankur Tewari y Niraj Singh Rajawat. Y todo envuelto en un libreto que cuenta con una cuidada edición a cargo del ilustrador Manek D'Silva, una portada colorida, vibrante y global como el estilo del disco.

Jag Changa establece un punto de referencia estratosférico para artistas que quieren crear desde las variadas influencias del folk, y el mayor logro de Dixit ha sido el de dar cohesión a todo el sonido del álbum. Lo ha vuelto a hacer. Un trabajo delicioso, como Raghu.


Tracks list:
01. Parasiva
02. Rain Song
03. Jag Changa
04. Yaadon Ki Kyari
05. Amma
06. Lokada Kalaji
07. Sajna
08. Kodagana Koli Nungita

 


Página web oficial: Raghu Dixit